Opinião de professores e estudantes sobre escolha de repertório e leitura de notação musical em aulas de piano
No campo da música, é comum que instrumentistas formados em bacharelados atuem não apenas tocando, mas também sejam professores de seu instrumento. Tanto nas universidades quanto nos conservatórios, a institucionalização do ensino de música popular é relativamente recente, comparada à do ensino de música erudita. Este artigo apresenta os resultados de uma pesquisa de opinião sobre escolha de repertório para aulas de piano, o tipo de notação musical usada e como deve ser o primeiro contato do aluno com uma música que ele não conhece. Foi utilizada a Escala de Likert, para verificar a concordância em relação a determinadas afirmações em cinco níveis: concordância total, concordância parcial, neutralidade, discordância parcial e discordância total. Um questionário com 15 perguntas foi respondido por 155 pianistas de todo o país, tanto com formação erudita quanto popular, entre professores e estudantes de bacharelados em piano erudito e popular e licenciaturas em música e em piano, que atuam no ensino do instrumento. Entre os resultados, a afirmação de que a escolha do repertório depende do interesse do aluno tem um índice de concordância maior do que a afirmação de que a escolha do repertório depende do tipo de formação do professor, seja em piano erudito ou popular. A afirmação de que as aulas de piano podem envolver a leitura tanto da notação tradicional quanto de melodias cifradas foi a que atingiu o maior índice de concordância, sendo que a maioria do grupo de bacharelado em piano popular concorda totalmente.
Além das paredes: um estudo comparativo da influência tipológica da acústica arquitetônica nas relações espaciais para o ensino e a prática musical
As edificações das escolas de música possuem demandas acústico-projetuais bastante específicas, sobretudo relacionadas à distribuição e zoneamento do programa arquitetônico. Entretanto, existem universidades federais brasileiras que compartilham diversos cursos de graduação simultaneamente ao ensino de música: uma edificação com tipologia compartilhada. Por outro, lado há também tipologias que são únicas para a prática e o ensino de música: a tipologia exclusiva. Seja uma tipologia compartilhada, seja exclusiva, edificações inadequadas podem trazer prejuízos sonoros para discentes gerando impacto em atividades cognitivas, como a leitura, concentração, resolução de problemas e retenção de informações; e para docentes, que podem experimentar um esforço vocal significativo ao tentar se comunicar com os alunos. Assim sendo, a presente pesquisa propôs-se investigar as escolas de música das universidades federais brasileiras a partir de suas tipologias – exclusiva ou compartilhada – comparando a influência tipológica da acústica arquitetônica nas relações espaciais para o ensino e a prática musical. Para isso, realizou-se enquanto procedimentos metodológicos, levantamento quantitativo dessas universidades, bem como a análise qualitativa comparativa de duas dessas universidades, uma com tipologia compartilhada, outra exclusiva. Os resultados apontaram percentual equilibrado entre tipologias de universidades federais com edificações exclusivas (47%) e compartilhadas (53%). Comparativamente identificou-se que a prática musical interfere como ruído intrusivo em outras atividades pedagógicas em ambas as tipologias. Portanto, concluiu-se que uma tipologia exclusiva não necessariamente garante qualidade acústico-arquitetônica-programática para as edificações para prática e ensino de música.
O ensino de música no litoral do Rio Grande do Sul
Este estudo documental investiga a abordagem do ensino de música nos documentos orientadores das secretarias de educação dos municípios do COREDE Litoral do Rio Grande do Sul. Objetivou-se examinar a implementação de competências e habilidades musicais e identificar estratégias locais de contextualização. A metodologia qualitativa empregou pesquisa documental e análise de conteúdo, embasada em conceitos de Sistema Municipal de Educação, Conselhos de Educação, Resolução CNE/CEB nº 2/2016 e o "jogo de escalas" (Revel, Brandão). A análise de 13 dos 21 municípios do COREDE Litoral revelou que todos incluem a música como componente curricular obrigatório, alinhados à Base Nacional Comum Curricular e ao Referencial Curricular Gaúcho. A implementação transcende a mera reprodução, com os municípios exercendo autonomia para contextualizar o ensino musical às realidades locais, valorizando a cultura gaúcha e instrumentos tradicionais. Notou-se uma diversidade de abordagens, a forte ênfase regional (Xangri-Lá, Torres), o alinhamento mais geral (Cidreira), e iniciativas inovadoras (tecnologias em Torres, sustentabilidade em Osório). Observou-se que desafios persistem em relação à falta de detalhamento sobre a formação continuada de professores, aquisição de instrumentos e infraestrutura. Concluiu-se que as diretrizes nacionais são enriquecidas pelas contribuições locais, gerando um panorama pedagógico diversificado que respeita normativas e especificidades culturais, evidenciando o potencial da autonomia municipal para uma educação contextualizada e significativa.
Percursos e impasses na formação docente em música e tecnologias digitais
A interpretação da legislação brasileira que regulamenta o ensino de música na educação regular prevê sua aplicação por docentes não especialistas. A hipótese sugere que o trabalho seja realizado pelo pedagogo nos anos iniciais do Ensino Fundamental. A partir da observação da rede pública de ensino do município de Barueri-SP, constatou-se que, no 1º e 2º ano, a disciplina é ministrada pelo professor unidocente, dentro do componente curricular Artes, enquanto professores especialistas em música atuam apenas do 3º ao 5º ano. Assim, o presente trabalho reflete sobre os percursos e desafios da pesquisa de mestrado profissional, cujo objetivo é desenvolver uma formação em música e tecnologias digitais com professores da cidade observada. Fundamentada em saberes docentes — conteúdos, metodologias e tecnologias digitais, articulados a uma dimensão ética —, a formação é orientada pelo modelo C(L)A(S)P, em diálogo com a Base Nacional Comum Curricular e a plataforma Chrome Music Lab. O estudo adota a metodologia de pesquisa-ação, visando compreender o problema e propor mudanças. A coleta de dados inicial, através de questionários, teve baixa participação, apesar das estratégias de comunicação utilizadas. O resultado parcial aponta desmotivação docente frente à formação, revelando um fenômeno multifatorial. Isso reforça a necessidade de professores especializados e habilitados para o ensino de música, a fim de promover práticas pedagógicas eficazes e significativas.
O Papel do CEEd/RS na Operacionalização do Ensino de Música
Este estudo investigou a atuação do Conselho Estadual de Educação do Rio Grande do Sul (CEEd/RS) na operacionalização do ensino de Música, utilizando seus documentos oficiais. A pesquisa qualitativa documental analisou Pareceres, Deliberações e Coletâneas de Leis de Ensino disponíveis no site do Conselho. O objetivo foi identificar as normativas do CEEd/RS sobre o tema e como a legislação nacional se reflete em seus atos. Historicamente, o ensino de Música no Brasil evoluiu, sendo sua obrigatoriedade legislada pela Lei nº 11.769/2008 e regulamentada pela Resolução CNE/CEB nº 2/2016. Os resultados indicam que, apesar de o CEEd/RS compilar ampla legislação relevante, incluindo leis federais e estaduais sobre Música, seus próprios pareceres e deliberações raramente utilizam essas normativas como fundamentação para decisões sobre credenciamento ou autorização de escolas. Constatou-se a ausência de atos proativos do CEEd/RS focados na implementação da música. Conclui-se que há uma desconexão entre o arcabouço legal existente e sua aplicação prática pelo Conselho, fragilizando a efetivação da Educação Musical. Recomenda-se maior coerência e uso consistente da legislação para que o CEEd/RS exerça plenamente seu papel normativo e fiscalizador.
Esta pesquisa em andamento propõe-se a refletir sobre as ações e desafios enfrentados pelas Instituições de Ensino Superior (IES) no fortalecimento da Música e da Educação Musical no Ceará, considerando seus impactos em âmbito local e regional. O objetivo central é identificar e analisar as concepções, práticas e perspectivas profissionais dos educadores musicais vinculados aos oito cursos presenciais de Licenciatura em Música no Estado. Os objetivos específicos incluem: a) descrever a estrutura curricular desses cursos; b) analisar os marcos legais e normativos que os sustentam; c) avaliar a infraestrutura e os recursos disponíveis; e d) refletir sobre as ações de ensino, pesquisa e extensão a partir de dados documentais. A metodologia adotada é de caráter bibliográfico-documental, tendo como universo os cursos ofertados pelas seguintes instituições: UECE (Fortaleza), UFC (Fortaleza e Sobral), UFCA (Juazeiro do Norte), e IFCE (Crateús, Limoeiro do Norte, Canindé e Itapipoca). A fundamentação teórica está ancorada nos conceitos de habitus e campo, conforme proposto por Pierre Bourdieu, os quais são essenciais para compreender o processo de formação docente em Música e o espaço social em que esses profissionais atuam. Além disso, o estudo dialoga com outras produções acadêmicas relacionadas à temática investigada. A relevância da pesquisa reside em sua amplitude científica inédita, ao oferecer uma visão panorâmica sobre o campo da Educação Musical no Ceará e promover uma reflexão crítica sobre as práticas, impactos e desafios enfrentados pelas IES, contribuindo para o aprimoramento das políticas e ações voltadas à formação de educadores musicais.
Ana Beatriz Bezerra Brandão de Melo Lima
Possibilidades para o ensino de música na rede estadual cearense a partir das Escolas de Ensino Médio em Tempo Integral (EEMTI)
Esta pesquisa analisa as possibilidades pedagógicas para o ensino de música nas Escolas de Ensino Médio em Tempo Integral (EEMTI) do Ceará, examinando documentos normativos e produções acadêmicas de 2017 a 2025. Os resultados revelam que, apesar do reconhecimento formal nos documentos oficiais, a música enfrenta desafios como carga horária reduzida e posição marginal no currículo. Contudo, destacam-se oportunidades nas disciplinas eletivas e clubes estudantis, que favorecem práticas coletivas e interdisciplinares. Conclui-se que a efetiva implementação requer maior articulação entre políticas públicas, formação docente e valorização da música como componente formativo essencial. O estudo oferece subsídios para aprimoramento das práticas pedagógicas e desenvolvimento de políticas educacionais no estado.
Tecnologia e formação musical na Worship Music
Este trabalho apresenta um recorte de uma pesquisa de mestrado dedicada à análise da formação da expertise no contexto da Worship Music, gênero musical marcado pela forte presença nas igrejas cristãs contemporâneas e caracterizado pela incorporação de elementos estéticos do pop, rock e eletrônico. A investigação, de base qualitativa, teve como foco a experiência de músicos e produtores atuantes nesse universo, buscando compreender as práticas, saberes e tecnologias que permeiam o fazer musical nesse campo. Dentre os diversos elementos analisados, destacam-se o uso do metrônomo/click track e das MultiTracks/Stems, ferramentas que se tornaram fundamentais para o desempenho técnico e expressivo das bandas e equipes de louvor. No âmbito da Worship Music, tais recursos não apenas ampliam a qualidade sonora das performances, como também exigem dos músicos um nível elevado de precisão, escuta coletiva e domínio tecnológico. O metrônomo garante coesão rítmica entre os membros da banda, especialmente em contextos que utilizam faixas pré-gravadas, enquanto as MultiTracks viabilizam a reprodução de elementos sonoros que, por diversas limitações, não seriam possíveis ao vivo. Com base em entrevistas, revisão bibliográfica e experiências práticas do autor, o estudo evidencia como essas tecnologias influenciam diretamente na formação da expertise musical e na consolidação de padrões estéticos no gênero.
Manuais escolares e inteligência artificial generativa
A pesquisa de natureza exploratória analisa como tecnologias de Inteligência Artificial Generativa (IAgen), especificamente o ChatGPT e o DeepSeek, interpretam o manual Trilha da Música: Orientações Pedagógicas, de Cecília Cavalieri França (2013). A pesquisa insere-se no campo da Manualística e considera os manuais como recursos didáticos e artefatos culturais que refletem disputas político-educacionais. A análise revela que o ChatGPT apresenta resultados em uma abordagem técnica e sistemática, privilegiando a aplicação prática em sala de aula, enquanto a DeepSeek oferece resultados com elementos de uma abordagem crítica, enfatizando a autonomia docente e a reflexão pedagógica. Se utilizadas por professores na busca de orientações didáticas complementares ao manual analisado, ambas as tecnologias apresentam informações com potencial para apoiar o planejamento e a inovação no ensino de conhecimentos musicais. Destaca-se a importância da utilização responsável da IAgen, conforme orientações da Unesco (2024) que envolvem princípios éticos, capacitação de educadores, desenvolvimento de competências em engenharia de prompts e estratégias para prevenir o plágio. Diante dos desafios e possibilidades apresentados, recomenda-se que as tecnologias de IAgen sejam integradas de forma crítica, ética e pedagógica, às práticas de pesquisa e de formação de professores, promovendo experiências formativas criativas e contextualizadas, de natureza complementar ao papel do educador.
Vincent D’Indy e o ensino de música: um estudo acerca do discurso Une école de musique repondant aux besoins modernes e do Cours de composition mulicale
Este artigo analisa o pensamento pedagógico do compositor francês Vincent d’Indy a partir de dois documentos fundamentais: o discurso Une école de musique répondant aux besoins modernes (1900) e os quatro volumes do Cours de composition musicale (1902–1950). A investigação busca compreender como d’Indy concebia a formação musical ideal e como suas ideias foram implementadas na Schola Cantorum de Paris, instituição que dirigiu e cujo currículo organizou com base em sua Teoria do Microcosmo. Segundo o autor, o ensino musical deveria transcender a técnica e promover a elevação espiritual, intelectual e moral do artista. O currículo da Schola propunha uma imersão cronológica na história da música, conduzindo os alunos pelas eras monódica, polifônica e métrica, em consonância com sua visão cíclica da arte. O Cours de composition consolida essas ideias em um tratado didático e estético, enfatizando a análise de obras, a melodia como origem da harmonia e o papel social e espiritual da arte. Apesar de conter aspectos ideológicos datados, a obra exerceu ampla influência no ensino de composição na Europa e nas Américas, sendo estudada por figuras como Messiaen e Villa-Lobos, e permanece como documento-chave para a compreensão da educação musical do início do século XX.
O presente texto elenca os resultados de uma revisão de literatura desenvolvida para uma pesquisa de mestrado, em andamento, cujo objetivo geral é analisar a experiência de gamificação do estudo e prática do Exercise Journalier n. 4 (Taffanel; Gaubert, 1923) a partir de um jogo digital, no contexto das aulas de flauta transversal em uma instituição de ensino superior de música (licenciatura e bacharelado) no nordeste brasileiro. O levantamento e análise dos trabalhos seguiu protocolo baseado nos seguintes parâmetros: busca em periódicos com Qualis A1 e A2, abrangendo as áreas de artes, educação e computação; nos repositórios da CAPES e BDTD. Foram aplicados critérios de inclusão focados em jogos digitais na educação musical, publicados entre 2015 e 2025, totalizando 15 estudos selecionados (artigos, dissertações e tese). Os trabalhos foram categorizados conforme o nível de ensino (infantil, fundamental, médio, superior, escolas especializadas e espaços diversos) em que foram implementados. Os resultados indicam maior concentração de pesquisas no âmbito do ensino fundamental e em contextos diversos, enquanto o ensino superior e o uso de jogos digitais para instrumentos de sopro são pouco explorados. A análise conceitual revelou sobreposições terminológicas entre gamificação, jogos digitais e Game-Based Learning, evidenciando a necessidade de delimitações claras para futuras investigações. A revisão contribui para fundamentar teoricamente a pesquisa, destacando lacunas e oferecendo subsídios para o desenvolvimento de jogos digitais no ensino técnico de instrumentos musicais.
Levantamento sobre métodos de violão para crianças publicados no Brasil
Esta comunicação se trata de um recorte da monografia intitulada “Apontamentos sobre o Método ‘o equilibrista das seis cordas’", defendida em 2025. Inicialmente, o trabalho se propõe a fazer um panorama dos primeiros métodos de violão publicados no Brasil, em seguida, afunila o recorte apenas para os métodos que se voltam para o ensino infantil neste instrumento. Assim, busca compreender quantos métodos temos, do que se tratam e, ao final, faz um breve panorama de cada um dos materiais encontrados. O recorte utilizou da metodologia de caráter qualitativa do tipo exploratória. Foi feita também uma revisão bibliográfica sobre métodos de violão nos trabalhos acadêmicos da área. Foram encontrados 22 métodos entre 1851 e 2017, e destes, apenas 5 são voltados para crianças. O trabalho conclui que, apesar de teoricamente eficazes e lúdicos, ainda há uma quantidade incipiente de métodos de violão voltados para crianças publicados no Brasil.
Esta pesquisa apresenta não só o percurso empreendido, como também os resultados obtidos em relação à minha atuação docente voltada para a educação musical por meio da prática em conjunto, realizada na EEEMTI Prof. XXXX. É intitulada Prática musical em conjunto: uma proposta para aulas de música no ensino médio. O objetivo foi analisar a evolução do processo de ensino e aprendizagem de fundamentos artísticos que empreendemos nas nossas aulas. Estruturada em uma abordagem qualitativa e em pesquisas bibliográfica e exploratória, a coleta de dados foi feita durante as aulas coletivas de violão e outros instrumentos musicais. Registramos o percurso e fizemos uma gravação da apresentação final. Baseamo-nos, entre outros, nos referenciais teóricos de Bastião (2012), Siqueira (2021), Tourinho (2003), Oliveira (1998) e Cruvinel (2005). Com a prática musical em conjunto, diversificamos as possibilidades de efetivação do ensino de música na escola, uma vez que os estudantes, além de aprenderem o conteúdo que o professor ensinava, interagiram de forma natural, assimilaram por comparação, observando o que o outro estava tocando ou espelhando-se também na maneira de o professor tocar, chegando a estágios emocionais de êxtase, elevação de autoestima e realizações pessoais, alcançando uma educação mais leve, eficaz e prazerosa.
Quem ensina história da música em cursos de Licenciatura em Música?
Este trabalho faz parte de uma pesquisa de doutorado em andamento intitulada “Ensino de história da música: panorama, problemas e perspectivas a partir de um estudo com 69 cursos de Licenciatura em Música de IES públicas brasileiras”, e tem por objetivo a apresentação de dados e breves reflexões sobre o perfil acadêmico de professores(as) que ministram disciplinas de história da música em cursos de Licenciatura em Música de IES públicas brasileiras. Os dados foram levantados por meio de consultas a coordenadores de cursos, à Plataforma Lattes, e de um questionário aplicado entre agosto e novembro de 2023. Os resultados apontam que um percentual considerável de docentes que ministram disciplinas de história da música em cursos de Licenciatura em Música não possui formação pedagógica ou em História, a nível de graduação e/ou pós graduação. Conclui-se com uma reflexão sobre o possível aproveitamento da vasta formação desses professores para a reformulação de títulos e conceitos de disciplinas do eixo curricular, e da sugestão de sua formação continuada nos campos da pedagogia e da História, de modo a aproximar seu ensino e as novas disciplinas às necessidades dos estudantes e ao perfil do egresso.
A Pedagogia do Piano para pessoas idosas ao redor do mundo
O presente trabalho faz parte de uma pesquisa de doutorado em andamento na Universidade… Apresenta resultados de um Estado da Arte sobre o ensino de piano em âmbito internacional. Para a busca foram utilizadas as seguintes palavras-chave: Aulas de Piano para idosos; Ensino de Piano para idosos; Educação Musical na terceira idade; Didática do Piano para idosos; Aulas de instrumento para adultos mais velhos; Aprendizado do Piano na terceira idade; Ensino de piano na velhice; Aprendizagem de música ao longo da vida, que foram traduzidas para diferentes idiomas: inglês, alemão, francês, italiano e espanhol. Ao todo foram encontrados 80 trabalhos sobre o ensino de música para pessoas idosas, 20 deles sobre Pedagogia do Piano, de diversos lugares: China, Turquia, Canadá, Estados Unidos, Costa Rica e Tailândia. A partir de aproximações com os trabalhos encontrados, foi possível identificar alguns princípios norteadores para uma sistematização de conhecimentos didático-pedagógicos da Gerontagogia do piano.
Descrição e análise de The Real Easy Ear Training Book de Roberta Radley
O artigo apresenta uma análise do livro The Real Easy Ear Training Book de Roberta Radley, elaborado no contexto de pesquisa de mestrado que buscou debater e definir o que significa tocar harmonia de ouvido, sua relevância e importância na prática musical, e identificar métodos e exercícios de suporte. O livro de Radley foi um dos métodos selecionados para leitura, análise e comparação. O referencial teórico é baseado nos estudos sobre cognição harmônica de pesquisadores como Green e Varvarigou (2015), Jimenez e Kuusi (2018), Johansson (2004), Silveira (2020), Woody (2019). Concluímos que The Real Easy Ear Training Book é um guia abrangente e metodicamente estruturado para músicos de nível intermediário aprenderem a tocar harmonia de ouvido. Sugerimos que pesquisas futuras analisem taxas de precisão com estudantes do livro e que sua metodologia seja adaptada a outros gêneros musicais. Acervos e bibliotecas poderiam disponibilizar esse livro para estudantes brasileiros, já que não é possível acessá-lo gratuitamente.
Panorama da produção acadêmica sobre os Conservatórios Estaduais de Música de Minas Gerais (1993–2025)
Os Conservatórios Estaduais de Música de Minas Gerais constituem um modelo educacional singular e de grande relevância para o campo da educação musical. Este artigo apresenta um estudo do tipo estado da arte, realizando um levantamento da produção acadêmica relacionada a essas instituições, por meio de bancos de teses, revistas científicas e anais de congressos. A metodologia segue princípios de mapeamento bibliográfico sistemático conforme Morosini (2006) e Bardin (2011). Foram identificados 65 trabalhos no período de 32 anos (1993 a 2025), incluindo teses, dissertações e artigos, que abrangem diversas áreas do conhecimento, como Música, Artes, Educação, Arquitetura, Psicologia, Tecnologias e Saúde. Os estudos foram organizados em cinco categorias analíticas: práticas pedagógicas, inovações pedagógicas, abordagem histórico-sociocultural-educacional, análise crítica pedagógica e estrutural, e formação e atuação profissional. Constatou-se que os conservatórios vêm sendo amplamente contemplados nas pesquisas; contudo, ainda há carência de estudos que os abordem de forma abrangente, considerando sua organização institucional e as políticas públicas que os regem. Este mapeamento contribui para a ampliação do conhecimento sobre essas instituições e suas múltiplas contribuições ao longo do tempo.
Caderno didático para a iniciação à flauta doce no Ensino Fundamental I
Este artigo, vinculado à minha pesquisa de mestrado em andamento, apresenta propostas lúdicas com recursos pedagógicos aplicáveis que integram o fazer musical à prática coletiva, visando desenvolver soluções didático-pedagógicas acessíveis e significativas. O objetivo é elaborar um caderno didático voltado à iniciação musical formativa com a flauta doce soprano barroca, voltado a crianças do Ensino Fundamental I da rede pública. A fundamentação teórico-metodológica baseia-se nos “princípios ativos” da educação musical (Montovani, 2009), nas concepções construtivistas de Jean Piaget e na abordagem sociocultural de Lev Vygotsky, compreendendo a ludicidade como mediadora da aprendizagem musical. A proposta pedagógica articula o Método Orff-Schulwerk, as Metodologias Ativas e a Teoria da Aprendizagem Significativa de David Ausubel, promovendo uma abordagem construtivista, lúdica e multissensorial. Resultados parciais indicam a eficácia de recursos como diagramas de dedilhado e de notas musicais na pauta, associados a atividades como jogos da memória, desafios musicais e composições livres, que tornam os conteúdos mais concretos e acessíveis. O ensino coletivo da flauta doce contribui para o desenvolvimento motor, cognitivo e socioemocional, além de estimular a socialização, o engajamento e a autonomia. Conclui-se que a iniciação musical lúdica e significativa favorece uma prática inclusiva e formativa.
Relações entre Currículo e Ensino-aprendizagem do Violoncelo no Curso Técnico do Instituto Estadual Carlos Gomes
Investigar as inter-relações entre currículo e ensino-aprendizagem de um instrumento em ambiente formal pode ser relevante para compreender a estrutura dos processos formativos, identificar práticas pedagógicas eficazes e contribuir para o aprimoramento da formação técnica e artística de estudantes no contexto formal. Com este intuito, a pesquisa apresentada a seguir teve como objetivo descrever as relações entre currículo e ensino-aprendizagem do violoncelo no curso técnico do Instituto Estadual Carlos Gomes. Entre as bases teórico-metodológicas principais, estão Fonterrada (2008), Tomás (2005), Arroyo (2002), Vieira (2004) e Reys (2011). Utilizou-se abordagem qualitativa com entrevistas semiestruturadas e análise documental de ementas, editais e relatórios. A instituição adota um modelo centrado na técnica, com métodos tradicionais eficazes, mas apresenta lacunas na atualização do repertório e diversificação pedagógica. Recomenda-se explorar práticas contemporâneas e estratégias para melhorar o engajamento, reduzir a evasão escolar e promover a inclusão.
"Postais Brasileiros" para piano de Elvira Drummond
Este estudo resultado de um trabalho de conclusão de curso analisa através de parâmetros didáticos definidos por James Bastien a obra Postais Brasileiros para piano solo, da compositora e educadora Elvira Drummond. O objetivo foi investigar o potencial pedagógico das peças para a fase inicial de aprendizagem de piano, bem como identificar aspectos técnicos a serem desenvolvidos com o livro, relacionar as músicas a proposta de Bastien (1995), contribuir com a divulgação do material e a valorização dos gêneros nacionais no ensino. Para execução do trabalho foi feita uma pesquisa bibliográfica, além da análise didática das peças e entrevistas com a compositora Elvira Drummond como fonte primária na obtenção de dados. O aporte teórico inclui autores como Zorzetti (2008, 2010), Queiroz (2004) e Campos (2012). Os resultados demonstram que as peças do livro promovem o desenvolvimento de habilidades respeitando as fases de aprendizagem dos estudantes, além da classificação por grupos semelhantes e por níveis de execução. Conclui-se que o livro Postais Brasileiros representa uma importante contribuição ao repertório nacional didático, uma vez que une aspectos musicais, técnicos e culturais com uma proposta acessível para diferentes tipos de alunos.
Pesquisa com estudantes e professores de flauta doce em escolas públicas do Rio de Janeiro (RJ)
Este artigo apresenta os caminhos metodológicos e os desafios enfrentados no desenvolvimento de uma pesquisa que avaliou o impacto do ensino da flauta doce no desenvolvimento de competências socioemocionais em estudantes da rede pública de ensino da cidade do Rio de Janeiro. A investigação foi realizada a partir de uma parceria entre a Fundação Y e a Universidade Federal do Rio de Janeiro, tendo como foco turmas de música conduzidas por professores formados na metodologia X, voltada ao ensino de música por meio da flauta doce. Com base em abordagens do Desenvolvimento Positivo da Juventude (DPJ), a pesquisa envolveu estudantes entre 8 e 15 anos, seus professores, seus pais ou responsáveis, adotando instrumentos de autorrelato e heterorrelato. Neste texto, destacamos especialmente o processo de construção colaborativa da pesquisa, as visitas às escolas participantes e as dificuldades logísticas e sociais enfrentadas, refletindo sobre a prática investigativa em contextos educacionais desafiadores.
Construção de Instrumentos musicais na Educação Infantil:
O presente trabalho tem como objetivo geral analisar, por meio de pesquisa bibliográfica, de que forma ocorre o ensino da construção de instrumentos musicais na Educação Infantil brasileira. Como critério de busca em plataformas digitais oficiais, selecionaram-se teses e dissertações do período de 2015 a 2025, contendo as palavras-chave construção de instrumentos musicais na educação infantil. Em seguida, buscaram-se também artigos em anais de eventos e revistas científicas. Foram consideradas para análise as variáveis participantes, local de ensino e procedimento de ensino. Após a análise dos quadros, conclui-se que os procedimentos de ensino da construção de instrumentos musicais são predominantemente práticos, realizados por meio de oficinas, valorizando o uso de materiais alternativos e recicláveis, e frequentemente exploram a interdisciplinaridade, especialmente com a física e acústica. Para a Educação Infantil, a ênfase recai no caráter lúdico e na exploração sensorial, integrando a construção como parte do processo de aprendizagem musical e do desenvolvimento infantil.
Uma análise preliminar dos ingressantes na licenciatura em música pelo processo seletivo especial nos anos de 2022 e 2023
: O artigo “Uma análise preliminar dos ingressantes na licenciatura em música pelo processo seletivo especial nos anos de 2022 e 2023” tem como objetivo analisar o perfil dos ingressantes no Curso de Licenciatura em Música da Universidade do Estado do XXXX. É a segunda etapa do estudo de caso apresentado do XXXIII Congresso da ANPPOM 2023, em S. João Del Rey. Sucedeu-se no âmbito da Universidade do Estado do XXXX, quanto ao ingresso no Curso de Licenciatura em Música, em que foi realizado sem o ENEM apenas com o Exame Habilitatório (EH), sendo os resultados fornecidos e apresentados numericamente e oficialmente pela Diretoria de Acesso e Avaliação da Universidade, mudando sensivelmente o quadro de vagas ofertadas e não preenchidas pelo ENEM e preenchidas na totalidade apenas com o EH, tanto no campus da capital como nos campi do interior do estado. Para essa etapa, metodologicamente foram aplicados questionários de múltipla escolha a uma parte de discentes de três campi de Licenciatura da Universidade, com o objetivo de verificar o perfil dos ingressantes no Curso, que foram classificados em 2022 e 2023, como também feita a análise e interpretação dos dados coletados das respostas e ilustrados pelos gráficos. Como fundamentação, embasamos esse artigo com os documentos oficiais do Curso como: Projeto Pedagógico, Resolução 4011/23 do Conselho Universitário de 2023, além de depoimentos de coordenadores de licenciaturas em música brasileiras. O resultado desse período de investigação, acompanhando desde o ingresso e o desenvolvimento dos discentes, aponta que as mudanças realizadas e a permanência dos discentes na universidade, vem assegurar a continuidade do Curso de Licenciatura Plena em Música.
Plataformas digitais, mídias sociais e saberes necessários para a atuação docente de professores de música
As mídias sociais e plataformas digitais têm ganhado espaço nas discussões que envolvem a educação musical e novas tecnologias. Além disso, a atuação docente em contextos online requer que os/as docentes estejam munidos de saberes sobre o funcionamento de tais espaços. O presente texto apresenta os resultados de uma revisão de literatura – desenvolvida para uma pesquisa de mestrado – que buscou identificar como o ensino de instrumentos musicais em mídias sociais e plataformas digitais tem sido discutido por diferentes autores, sobretudo no âmbito nacional. Foi delimitado um marco temporal de cinco anos, com o intuito de mapear as discussões de antes, durante e depois da pandemia da Covid - 19, cientes dos impactos que a situação gerou em diferentes áreas de atuação. A busca foi realizada em diferentes repositórios, abarcando anais de eventos científicos, periódicos, dissertações e teses. Como resultados, foi identificado que a maioria dos trabalhos está concentrada em anais de eventos científicos, sendo boa parte destes recortes, pesquisas em andamento, o que evidenciou como o período pandêmico influenciou nas percepções e mudanças na educação musical a partir das plataformas e mídias sociais. A maior parte das discussões está centrada no YouTube enquanto espaço potencialmente pedagógico.
Criação musical na escola de educação básica: compondo, cantando e gravando com alunos do ensino fundamental
No âmbito das atividades realizadas durante a disciplina Estágio Supervisionado III, por meio da parceria entre a Escola de Música da Universidade Federal do Rio Grande do Norte (Brasil) e a Escola Estadual Lauro de Castro, foram realizadas atividades de apreciação, composição e performance com alunos do 7º ano do Ensino Fundamental, devidamente matriculados na instituição. Os processos de educação musical ocorreram a partir do planejamento coletivo entre estagiários (discentes da universidade), professores orientadores (docentes da universidade) e professores supervisores (docentes da educação básica), buscando propor momentos de práticas musicais através de criações coletivas, resultantes do processo de musicalização proposto nas atividades pedagógicas realizadas no âmbito de três meses de intervenções semanais com duração média de uma hora e meia. Por fim, foram elaborados produtos fonográficos e audiovisuais originados a partir de letras e melodias elaboradas pelos discentes da escola básica que integraram este projeto.
Perspectivas de discentes e egressos/as de um curso brasileiro de Licenciatura em Música sobre o seu processo de formação em pesquisa
Este texto traz um recorte dos resultados de uma pesquisa-ação a nível de mestrado, que enfoca o processo de formação em pesquisa em um curso de Licenciatura em Música de uma universidade brasileira. Com o intuito de levantar o panorama dos desafios deste contexto em três momentos distintos da história do curso, apresento aqui as perspectivas de 73 de seus/suas discentes e egressos/as sobre o tema com base no que vivenciaram durante sua formação. As respostas, coletadas via questionário autoaplicado, indicam um perfil predominante de estudante-trabalhador/a, com pouca experiência em pesquisa acadêmica - embora tenha sido um consenso a percepção dela como um importante elemento na sua formação docente. Seus relatos abarcam uma diversidade de desafios, que vão desde a compreensão da metodologia científica até aspectos relacionados à saúde mental. Entre as principais queixas estão a escassez de tempo para a produção da monografia, além da falta de espaços de apoio e do estímulo à sua prática, principalmente durante a vigência das matrizes curriculares mais antigas. Acredito que este levantamento pode colaborar com os debates sobre a construção da criticidade no contexto de formação de professores/as e o fortalecimento da pesquisa como dimensão constitutiva da Educação Musical.
O canto coral amador como espaço de desvio da lógica utilitarista
Esta comunicação tem por objetivo apresentar fundamentos teóricos, metodologia e conclusões preliminares de um projeto de pesquisa doutoral em Educação Musical, em andamento no Programa de Pós-graduação XX XX XX XX XX XX XX XX XX XX XX XX XX XX XX XX XX XX XX XX XX XX XX XX XX XX XX XX XX XX XX XX XX XX XX. A partir da confluência da teoria do Musicar de Christopher Small com as ideias de enfrentamento do utilitarismo defendidas por Nuccio Ordine e Ailton Krenak, investigou-se, a partir de uma pesquisa de campo com regentes e cantores de coros amadores do estado do RS, os impactos das experiências interpessoais em grupo nas subjetividades produzidas ao longo de suas práticas musicais. Considerando como elementos centrais na Música as relações, as vivências e os sentidos – e não as obras de arte – (Small), buscou-se compreender o quanto o canto coral amador é capaz de atuar como um espaço de desvio da lógica utilitarista imposta atualmente pela modernidade neoliberal. Entendendo os grupos corais como significativos espaços de educação e de formação humana, esta pesquisa justifica-se e afina-se com uma importante preocupação na área da Educação Musical de se construir práticas educativas capazes de romper estereótipos e comportamentos culturais limitantes que foram herdados do processo colonialista pelo qual passou nosso país. As conclusões preliminares apontam que o canto coral amador possui amplo potencial para atuar como espaço de desvio da lógica utilitarista, mas que enfrenta grandes dificuldades para efetivamente cumprir este papel.
Bandas de Música Paraense: analisando o cenário de produções acadêmicas
O presente trabalho apresenta parte de uma pesquisa de doutorado em andamento, cujo objetivo foi realizar um levantamento das produções acadêmicas (teses e dissertações) sobre bandas de música no estado do Pará. Esses grupos desenvolvem um importante papel no que diz respeito à formação musical de instrumentistas no estado paraense, assim como se configuram como uma das principais ferramentas de educação musical no estado. Diante da importância das bandas para o cenário musical do Pará, realizamos um levantamento sobre as pesquisas desenvolvidas nos programas de pós-graduação stricto sensu, a fim de conhecer como se configuram as produções acadêmicas sobre as bandas de música nessa localidade. Para coleta de dados, utilizamos as ferramentas virtuais e com os dados obtidos na pesquisa, foi possível identificar como as produções se dividem por mesorregiões paraenses, representadas por gráficos e tabelas, que nos apresenta um panorama sobre o quantitativo de pesquisa, suas distribuições, lacunas e ausência de estudos, entre outros dados importantes, que nos permitem compreender o cenário atual de teses e dissertações sobre as bandas de música no Pará.
O texto contextualiza o estágio na escola em que a música é uma disciplina curricular e busca compreender como a legislação e a mobilização de diferentes agentes podem se integrar para a construção dessa realidade. Para tanto, são discutidos documentos legais que orientam a educação musical no Brasil e a supervisão no estágio na construção do percurso profissional. Analisaremos trechos de entrevistas realizadas com as professoras participantes da rede municipal de XXX, narrando suas experiências com o ensino básico e na supervisão de estágios. Fundamentamos esse estudo no campo da Educação Musical, destacando os trabalhos de Arroyo (2004), Penna (2004, 2008, 2022), Oliveira e Penna (2019), Pires (2023), Mateiro (2022, 2023), Filipak (2014) e Wolffenbüttel (2022, 2024). Essa pesquisa é de natureza qualitativa, e busca compreender significados e sentidos relacionados ao estágio supervisionado em música. O estudo tem sua abordagem integrada entre políticas educacionais, formação específica em música, percepção dos sujeitos envolvidos e a análise crítica da implementação (ou ausência) da música nos currículos escolares. Ao articular esses elementos, o trabalho contribui com um olhar sobre os estágios supervisionados, tensionando práticas e propondo caminhos possíveis para qualificar a formação docente no campo da música.
A criança como agente ativo na educação musical:
Este trabalho apresenta um recorte da pesquisa de mestrado intitulada XXXXXXXX, desenvolvida no Programa de Pós-Graduação XXXXX A investigação, de abordagem qualitativa, teve como objetivo compreender os modos de ensino e aprendizagem musical em uma proposta conjunta entre adultos e crianças, à luz dos referenciais da Sociologia da Infância e dos estudos sobre parentalidade. O recorte aqui apresentado concentra-se nas experiências vividas pelas crianças durante as aulas de musicalização, com ênfase nas expectativas iniciais e nos caminhos de autonomia construídos ao longo do processo. Os dados revelam como as crianças, inicialmente influenciadas por modelos tradicionais de aprendizagem musical, foram gradualmente assumindo um papel ativo nas decisões estéticas e pedagógicas, criando, improvisando, regendo e compondo junto ao grupo. A análise reforça a importância de reconhecer a criança como sujeito produtor de cultura musical, capaz de participar com autoria e intencionalidade das práticas educativas, especialmente quando lhe são oferecidos espaços de escuta, experimentação e expressão.
Umas A música na Rede Municipal de Ensino de Três Cachoeiras/RS:
Este trabalho investigou a presença da música nos documentos educacionais da Rede Municipal de Ensino de Três Cachoeiras/RS, com foco nos Projetos Político-Pedagógicos (PPPs) das escolas. O objetivo foi compreender como a música se apresenta e como é referenciada a legislação pertinente, dada sua intrínseca importância para o desenvolvimento humano e sua legitimação por marcos legais como a Lei nº 11.769/2008 e a Resolução CNE/CEB nº 2/2016. A pesquisa adotou uma abordagem qualitativa, utilizando a pesquisa documental para coletar o Documento Orientador Curricular de Três Cachoeiras para Educação Infantil e Ensino Fundamental, e os PPPs de cinco escolas municipais. O referencial teórico incluiu a função da escola, a concepção dos PPPs e a música como direito de aprendizagem, além da legislação educacional brasileira. Os resultados revelaram lacunas entre o mandamento legal e sua concretização documentada. Enquanto o DOCTC da Educação Infantil demonstra maior alinhamento e menções a práticas lúdicas musicais, o DOCTC do Ensino Fundamental e os PPPs das escolas apresentam menor incidência de termos musicais e uma abordagem mais instrumental ou extracurricular da música, apesar de citarem a legislação. A música frequentemente é tratada como ferramenta pedagógica e não como componente curricular autônomo. Concluiu-se que, embora a música seja formalmente reconhecida, sua efetiva e sistemática implementação ainda é um desafio. Há uma distância entre as orientações normativas e a prática pedagógica documentada, refletindo uma adesão mais regulatória do que emancipatória dos PPPs.
O presente trabalho tem como escopo analisar o modelo de ensino de violão desenvolvido na Escola Municipal de Música Maestro Waldemar Henrique (EMMUS), em Parauapebas-PA, com ênfase na criação e implementação do curso de Iniciação ao Violão. A proposta emergiu como resposta institucional ao elevado índice de evasão e à necessidade de reestruturação curricular no núcleo de violão. Partindo de uma abordagem metodológica de natureza quali-quanti e do delineamento de estudo de caso, a investigação discute os dados coletados por meio de questionários e da análise de documentos institucionais, a fim de compreender os impactos da nova estrutura curricular sobre a permanência discente, a qualidade do ensino e o alinhamento entre a oferta formativa e o perfil do público-alvo. Os resultados indicam que o curso de Iniciação ao Violão contribuiu substancialmente para o redesenho do percurso formativo, ao estabelecer uma etapa preparatória centrada na musicalização, no desenvolvimento da escuta e na alfabetização musical aplicada ao instrumento. A proposta de ensino coletivo permitiu maior coesão entre os ingressantes, homogeneizando competências iniciais e fortalecendo os vínculos entre estudantes e docentes. As mudanças curriculares refletiram-se em índices mais altos de permanência, engajamento e desempenho musical, além de favorecerem uma abordagem pedagógica mais condizente com os princípios de inclusão, acessibilidade e contextualização cultural. Neste sentido, o estudo reforça a importância da reflexão constante sobre práticas curriculares em instituições de educação musical, especialmente em contextos multiculturais e em expansão, como o da Amazônia Paraense.
Esta comunicação apresenta resultados parciais de uma pesquisa de mestrado sobre a aprendizagem da guitarra elétrica no forró eletrônico potiguar dos anos 1990. Neste recorte, analiso o papel das nomenclaturas rítmicas populares — “Calanguetu”, “Tina Charles” e “Pica-paus” — nesse processo de aprendizagem. Trata-se de um estudo qualitativo, com adoção de entrevistas semiestruturadas e análise de registros fonográficos e audiovisuais. Dialogando com autores como Green (2002), Sandroni (2001), Prass (2013) e Araújo (2006), o trabalho aponta que essas nomenclaturas operam como categorias pedagógicas, revelando formas de transmissão musical construídas fora do ambiente escolar. A pesquisa utilizou entrevistas semiestruturadas realizadas com dois guitarristas que também são produtores e dois músicos que atuaram em bandas de forró eletrônico na década de 1990 no Rio Grande do Norte. As entrevistas foram conduzidas entre 2023 e 2025 e gravadas em áudio. Os roteiros foram elaborados com base nos objetivos da pesquisa, abordando aspectos técnicos e memoriais relacionados à aprendizagem da guitarra. Os resultados indicam que o sistema de ensino informal é sofisticado e funcional, estabelecendo vínculos entre tradição oral, escuta sensível e identidade sonora. A partir de depoimentos de músicos e produtores atuantes no estado, observa-se que tais expressões funcionam como ferramentas de comunicação musical, condensando saberes técnicos, afetivos e estilísticos. Conclui-se que os termos utilizados pelos músicos não apenas orientam a performance, mas também ressignificam o ensino musical a partir da experiência vivida.
Práticas musicais nas escolas de educação infantil de Tramandaí/RS
Esta pesquisa investigou as práticas pedagógico-musicais desenvolvidas em Escolas Municipais de Educação Infantil (EMEIs) de Tramandaí/RS. O objetivo geral foi compreender a inserção da música no cotidiano dessas instituições, analisando planejamentos e registros de aulas referentes aos anos de 2023 e 2024, a fim de identificar oportunidades para o aprimoramento do ensino de música na Educação Infantil. Adotou-se uma abordagem qualitativa, com método de pesquisa documental, e os dados foram coletados a partir de oito diários de bordo e sessenta e dois registros de aulas, sendo posteriormente analisados por meio da análise de conteúdo. Os resultados revelaram a presença constante da música nas rotinas escolares, utilizada em atividades de musicalização, brincadeiras, exploração sonora, repertório musical, cantigas folclóricas, histórias com enfoque musical e datas comemorativas. Contudo, a análise indicou que, em muitos casos, a música é empregada de forma instrumentalizada, sem intencionalidade pedagógica ou valorização do protagonismo infantil. Concluiu-se que, apesar de a música ser reconhecida como fundamental para o desenvolvimento integral da criança, persiste uma lacuna na formação dos professores e na compreensão de seu papel intrínseco no currículo. A pesquisa, por fim, contribui com propostas de formação continuada, visando qualificar as práticas e fortalecer o ensino de música na Educação Infantil.
“Não faço para ser um MC, eu faço para sair do meu mundo”
Esta comunicação apresenta um recorte de uma pesquisa de mestrado em andamento que investiga a dimensão formativo-musical das batalhas de rap em Natal/RN, com foco na experiência de Grito, MC e organizador da Batalha do Nova. A pesquisa adota uma abordagem qualitativa e um estudo de caso etnográfico, combinando observações participantes e entrevistas semiestruturadas. Com base na perspectiva da etnografia de rua, o estudo reconhece as batalhas de rima como práticas culturais localizadas, enraizadas nas dinâmicas urbanas das periferias. As falas de Grito evidenciam a batalha como espaço de resistência, aprendizagem, construção identitária e transformação social. Ele narra como o hip-hop possibilitou reconfigurar sua trajetória, fortalecendo sua coragem, consciência crítica e compromisso com a comunidade. A análise revela que, mais do que performance, as batalhas se constituem como territórios formativos, nos quais a música, a palavra e a rua se entrelaçam na produção de sujeitos e sentidos. O estudo contribui para o debate sobre juventudes, música e educação nas margens da cidade.
Este artigo concentra-se nas estratégias lúdicas aplicadas ao ensino de canto infantil, com ênfase na etapa de aquecimento vocal, que abrange o alongamento corporal, exercícios de respiração e exercícios técnico-vocais conhecidos como vocalises. A abordagem prioriza métodos que favoreçam o desenvolvimento técnico, a musicalização, o engajamento dos alunos e a preservação da saúde vocal. A metodologia adotada é a revisão bibliográfica, com base em livros, artigos científicos, teses e dissertações que tratam do tema. Entre as principais autoras utilizadas, destacam-se Gaborim & Egg (2018), Gaborim-Moreira (2021), Pereira (2009), Reis (2009) e Lima (2023). O uso de estratégias lúdicas favorece o engajamento e a musicalização, promovendo um aprendizado mais eficaz. O trabalho reforça a importância da formação de professores para que possam atuar com responsabilidade e conhecimento sobre a voz infantil, garantindo um ensino seguro e prazeroso para os alunos.
Formação docente na Pós-Graduação em Música
Este trabalho apresenta uma discussão sobre a formação docente na Pós-Graduação em Música a partir do relato de experiência do Estágio Docência II. Aponta questões que envolvem a dimensão das bases teórico-metodológicas que fundamentam esta comunicação, alicerçadas na literatura da formação docente para a educação superior e na dimensão da formação de recursos humanos da Pós-Graduação. Ao final, elenca algumas questões para a reflexão e discussão sobre a constituição do docente-pesquisador por meio da Pós-Graduação.
Da orquestra ao piano: A transcrição da Fantasia Sul América para violino e orquestra de Claudio Santoro
Este artigo apresenta uma análise abrangente das considerações técnicas e musicais pertinentes à transcrição da Fantasia Sul América de Claudio Santoro, originalmente composta para violino e orquestra, para a formação de violino e piano. O estudo descreve os desafios e as soluções inerentes a essa prática, visando não apenas a compreensão da obra original, mas também sua reinterpretação em nova formação instrumental. A metodologia empregada baseia-se em uma adaptação das técnicas de leitura para piano de partituras orquestrais propostas por Hugo Riemann, resultando na elaboração de uma nova partitura para violino e piano. A análise das soluções adotadas coloca em evidência os desafios de condensar texturas orquestrais em uma escrita idiomática para piano, sem comprometer a integridade musical da obra. Considerando que é prática comum no meio camerístico a execução de obras para violino com acompanhamento pianístico, a transcrição proposta busca atender a uma demanda prática e interpretativa, facilitando o estudo e a performance da obra em contextos diversos. Nesse sentido, a pesquisa se justifica tanto pela relevância artística e pedagógica da obra quanto pela escassez de versões alternativas que possibilitem sua circulação em concertos e ambientes de formação musical.
Este artigo aborda a técnica "imalt", desenvolvida pelo compositor Alexandre Atmarama, a partir da análise de sua peça Gita. O estudo destaca a inovação técnica, que surgiu da dificuldade rítmica no quarto compasso da obra, e sua relevância para o violão. Além disso, apresenta a filosofia védica apresentada na composição e a carência de pesquisas sobre compositores nordestinos, contribuindo para a valorização da produção musical regional. O trabalho é baseado em análise musical e diálogo com o compositor, evidenciando a originalidade da técnica e sua aplicação prática.
A Trajetória do pianista colaborador sob a perspectiva da literatura e prática
Este trabalho tem como objetivo central identificar estratégias metodológicas para o desenvolvimento de habilidades necessárias à atuação do pianista colaborador. Para tanto, contempla uma diversidade de investigações, como: revisão de literatura, auxiliando e fundamentando a descrição das principais características da atuação do pianista colaborador em suas práticas, experimentações e desafios; relato pessoal da experiência de um dos autores deste trabalho em relação a sua atividade extensionista de colaboração pianística com coro e canto lírico pela xxxxxxxxxxxx xxxxxxxx xx xxxxxxx, assim como considerações baseadas em entrevistas semiestruturadas com três pianistas colaboradoras profissionais, esclarecendo as problemáticas e a condução no exercício desta ação, validando o caráter qualitativo desta pesquisa. Em seu resultado, a pesquisa apresenta um conjunto de reflexões e encaminhamentos sobre a multiplicidade de estratégias para a superação de dificuldades comuns aos iniciantes e profissionais, auxiliando na trajetória do pianista colaborador sob a perspectiva da literatura e prática, potencializando a identificação, o conhecimento e o desenvolvimento de habilidades através dos diversos procedimentos metodológicos descritos.
Este artigo investiga a possibilidade de relação entre narração, experiência e performance musical a partir de uma abordagem teórico-reflexiva. Como ponto de partida foram analisados dois textos que se referem a música e narrativa, para assim dialogar com nosso referencial proposto. Os textos analisados exploram como a perda da experiência, marcada pela ascensão da informação e pela racionalização técnica, afeta a capacidade de narrar e, por extensão, a expressividade da performance musical. O objetivo é compreender a performance não apenas como execução técnica, mas como ato narrativo atravessado por memória, subjetividade e compartilhamento de sentido. A discussão se desenvolve a partir de um diálogo entre três pensadores centrais: Walter Benjamin, Byung-Chul Han e Paulo Freire. Benjamin fornece o conceito de experiência como núcleo da narrativa; Han atualiza essa crítica ao denunciar o esvaziamento da narrativa na sociedade da informação; Freire, por sua vez, contribui com uma crítica à narração autoritária, destacando a importância da escuta e da dialogicidade. Os resultados da análise indicam que a performance musical pode ser compreendida como uma forma de narração sensível, que resiste à lógica produtivista e tecnicista ao inscrever a subjetividade do intérprete na obra.
A presença de canções da tradição oral brasileira na obra coral de Gerard Galloway:
Este artigo é um recorte de minha pesquisa de mestrado sobre a vida e a obra de Gerard Galloway, maestro e compositor inglês que veio para o Brasil na década de 1960. Nele, apresento uma breve biografia do compositor e destaco quatro arranjos para coro misto a cappella, de canções da tradição oral brasileira, de sua autoria, identificando suas características, o período em que foram compostas e as motivações que o levaram a escrevê-los. Como referenciais utilizo jornais da época, manuscritos do compositor cedidos por cantores que trabalharam com ele, entrevistas, meu acervo pessoal e minha vivência, tendo atuado como cantor e arquivista no Coral da Cidade de Angra dos Reis, grupo criado e dirigido por ele.
Potências de uma per-formação: o que faz um intérprete musical?
Apresenta-se uma reflexão sobre os sentidos do termo performance, dialogando com outros autores que também o fizeram. Chega-se à compreensão de que o campo semântico de maior interesse para o entendimento da performance musical como um fazer artístico é aquele ligado à etimologia latina do termo performance, a despeito dos sentidos que ele adquiriu em sua importação para a língua inglesa e seu consequente uso enquanto anglicismo em outras línguas. Enuncia-se um certo número de proposições sobre os sentidos da performação em música a partir da decomposição da palavra em seus étimos latinos.
Comentamos aqui duas novelas de Honoré de Balzac nas quais músicos figuram como personagens centrais para a trama. Colocamos em evidência temas caros para uma reflexão sobre o imaginário literário do músico no século XIX, procurando, sempre que possível, remeter tais questões à interpretação musical, que é o interesse central da pesquisa. Destacamos o imaginário romântico que permeia as falas das personagens, marcando a música como nova forma de arte, o compositor como gênio inspirado e muitas vezes mal compreendido, e o intérprete como um intermediário muitas vezes indesejado, mas também ocasionalmente reconhecido como grande artista. Procuramos trabalhar com as temáticas que Balzac expõe, mutatis mutandis em ambas as novelas, bem entendido, as consequências deletérias do desequilíbrio entre razão e emoção para o ofício do artista, e a improdutividade de uma idealização excessiva por parte do criador.
A Contribuição da similaridade interpretativa entre músicos para a sincronização na performance em conjunto
Desde os estudos de Seashore (1938), a pesquisa empírica da performance musical tem evidenciado a consistência nos desvios temporais que músicos introduzem em repetidas execuções de um trecho musical. Shaffer (1981) propôs conceitos de programação motora para explicar como músicos produzem escalas de tempo elasticamente deformadas em resposta às suas intenções expressivas. Repp (1992) evidenciou padrões individuais de desvios temporais comparando interpretações de uma mesma obra executada por pianistas famosos. Perfis individuais de variação temporal produzidos por músicos podem ser reconhecidos como um estilo ou uma "assinatura", permitindo que músicos sejam identificados por suas performances. Tal como em execuções solo, músicos, quando tocam em conjunto, também comunicam suas intenções expressivas por meio destas variações, mas com a necessidade de coordenar sua própria interpretação com as diferentes concepções de cada membro do grupo. Keller (2007) mostrou que músicos tocando em duetos alcançam ajustes temporais mais significativos ao acompanharem gravações de suas próprias performances. Em estudos anteriores (XXX) revelamos padrões individuais de sincronização temporal dos participantes de duos para ajustar suas performances às dos outros tanto como seguidor quanto como líder do duo. Este estudo buscou verificar se estes padrões dependeriam do grau de semelhança dos estilos de interpretação entre os membros do grupo. Examinamos os padrões de sincronização temporal observados em performances de duos, comparando os perfis de variação temporal medida nota a nota, produzidos por cada integrante, em execuções solo da mesma música. Evidenciamos a existência de diferentes graus de similaridade destes perfis e a contribuição dessa similaridade na sincronia global do grupo.
Este artigo faz parte da tese de doutorado em andamento... que pesquisa a relação texto-música nas obras de Hildegard von Bingen (1098 -1179) e sua releitura contemporânea nas obras vocais (com textos de Hildegard) da compositora Silvia Berg (*1958). Berg compôs primeiramente para marimba e voz, posteriormente transcrita para piano e voz, e em ambas as versões de Berg é mantida a estrutura composicional de Hildegard em sua relação texto-música, através das texturas instrumentais e vocais, criando camadas de significação entre texto e música. Neste artigo, analisamos as decisões performáticas de “Caritas” de Silvia Berg , em sua releitura contemporânea da obra homônima de Hildegard, que escreveu sobre a caridade. A obra selecionada foi gravada em CD..., pelo selo... de Londres em 2019. Esta gravação é a base das decisões performáticas da obra. Confirmamos assim a contemporaneidade das ferramentas composicionais no discurso de Hildegard, proferido há quase mil anos.
A performance e transcrição musical como pesquisa artística e feminista:
Este artigo apresenta o processo criativo do entrelaçamento entre transcrição e performance musical como uma vivência investigativo-artística-feminista. O trabalho é um recorte de pesquisa de doutorado em Processos Criativos que investiga metodologias artísticas e feministas. Ambas constituem modalidades de pesquisa, das quais enfoco as abordagens em comum de levantar questões da própria atuação, a autorreflexão, intersecção entre processo criativo e contexto sócio-cultural e abertura metodológica. Investigo relações de gênero presentes na performance e composição para violão, realizando um estudo específico de repertório de violonistas e criadoras brasileiras e da peça Porto das Flores, composta e gravada por Rosinha de Valença. Os processos de performance e transcrição em partitura e tablatura, bem como demais informações, são a produção de dados e discussão deste trabalho a partir da minha visão de pesquisadora artista. A análise e disponibilização destes dados visa colaborar com conhecimento acadêmico-artístico sobre performance e transcrição de obra musical. Essa pesquisa artística com abordagens referenciadas em Mine Dogantan-Dack, Rubén López-Cano, Ursula Opazo, Mika Hannula, Juha Suoranta e Tere Vadén, foi realizada através da metodologia Escuta Profunda de Pauline Oliveros e epistemologia feminsita de Linda O’Keeffe e Isabel Nogueira. Os processos e criações geradas culminaram em performances, escrita musical e na elaboração do caminho artístico-feminista Vivência Criativa Profunda, que englobou preceitos dos referenciais junto às minhas experiências e conhecimentos compartilhados e desenvolvidos na pesquisa. Processos e resultados apontam para a relação interseccionada entre transcrição, composição e performance, expressa em gestos, estéticas e vivências.
Técnica Zabundeiro de Daniel Guedes e Suas Contribuições para performance e Ensino do Pandeiro
Este trabalho apresenta o ‘Zabundeiro’, uma técnica estendida de pandeiro desenvolvida pelo percussionista Daniel Guedes, propondo possíveis contribuições desta técnica no ensino e na performance desse instrumento. No intuito de trazer a voz do criador da técnica para este trabalho, fez-se necessário a análise de materiais produzidos pelo próprio Daniel Guedes especificamente para esta pesquisa: vídeos que exemplificam a metodologia usada no ensino da técnica bem como uma entrevista. Este trabalho se inicia com uma breve contextualização na qual se apresenta o criador da técnica Daniel Guedes. Na seção seguinte apresenta-se uma descrição da técnica Zabundeiro para depois serem enumeradas algumas contribuições do Zabundeiro para o ensino do instrumento. Por fim, se delineiam caminhos que possam ser futuramente explorados. Vale ressaltar que esse trabalho é produto de uma pesquisa de mestrado em andamento, cujo início se deu ainda na graduação de um dos autores.
Ensino-aprendizagem do acordeom: criação de estudos técnicos e dentro do repertório (acordeonístico) brasileiro
Ao compararmos o acordeom com outros instrumentos de ampla difusão no país, observamos que a pesquisa acadêmica a seu respeito é ainda escassa, assim como a produção de materiais que permitam um estudo mais minucioso, seja no âmbito técnico ou em torno das questões históricas e socioculturais que circundam a prática acordeonística no contexto nacional. No âmbito didático, os estudos de acordeom ainda estão ancorados em métodos adaptados do piano, vindo da tradição europeia, sendo necessário criar didáticas alinhadas ao perfil musical, no qual o instrumento está inserido no país. Diante desse cenário, como lidar no espaço acadêmico com o processo de aprendizagem de um instrumento que tem fortemente na oralidade as raízes de sua popularidade, sobretudo no Brasil? O objetiva-se refletir sobre os processos de aprendizagem, propondo estudos criativos com características técnicas e performáticas dos principais estilos musicais no repertório do instrumento no Brasil. Dentro dos objetivos específicos da proposta estão a análise processos de aprendizagem vivenciados por sanfoneiros, a descrição de técnicas, estilos, contextos e significados presentes na formação musical destes músicos e a elaboração de estudos criativos com características didáticas relacionadas aos diversos estilos performáticos do acordeom no País. A metodologia adotada será uma abordagem qualitativa, tendo como metodologia a auto-etnografia com foco em vivências musicais e, como principal técnica de coleta de dados, a entrevista narrativa semiestruturada, além de análise de performances. Como resultado e conclusão é contribuir com a pedagogia do instrumento nos diversos âmbitos de ensino, seja por acordeonistas ou pesquisadores do tema.
Debaxo da cajazera (1926) de Paulo Florence
O tema desta comunicação é a descoberta de dois manuscritos, aparentemente autógrafos, da canção Debaxo da cajazera, de autoria do compositor romântico brasileiro Paulo Florence (1864-1949). De início, são apresentadas informações biográficas do compositor, incluindo a origem da família Florence no Brasil, com base em Carizzi (2017), Ribeiro (2006) e Thomas (2017). A partir de Prando (2008) e Bartoloni (1995), é exposta a situação do violão nas primeiras décadas do século XX, contexto no qual a peça foi escrita. Em seguida, são apresentadas proposições de Sans (2015) acerca da edição musical, que fundamentam as decisões tomadas no processo de edição de Debaxo da cajazera, discutido ao longo do texto. Por um lado, percebe-se a necessidade de mais trabalhos que abordem Florence e sua obra, por outro, verifica-se o intrínseco valor artístico da edição musical, atividade essencialmente interpretativa.
Tipos de atenção utilizados em leitura musical no contexto do piano colaborativo
Na ação de leitura musical ao piano os recursos atencionais operam continuamente alternando processos distintos quanto ao emprego do foco de atenção, cujo controle e regulação acarretam implicações relevantes ao resultado do desempenho da leitura. Tal realidade nos motiva a buscar maior compreensão quanto a diferentes especificidades relativas ao emprego do foco de atenção. O objetivo, portanto, desta apresentação é elencar tipos de atenção que são empregados em leitura musical no contexto do piano-colaborativo. Para a pesquisa adotou-se, teórica e metodologicamente viés interdisciplinar, pois ao domínio musical unem-se fundamentos teóricos provenientes do domínio da psicologia cognitiva e do controle motor, ambos componentes da habilidade pautada nesta investigação. Os tipos de atenção foram detectados e explorados através de processo reflexivo no decurso da leitura musical, concluindo-se que a sua compreensão por meio do processo analítico-reflexivo permite um melhor planejamento, aplicação e regulação da capacidade de atenção, visando seu melhor aproveitamento e consequentemente maior eficácia no resultado da leitura.
Este artigo investiga as propriedades físicas do movimento de Helmholtz e sua aplicação prática na performance e pedagogia do violino, com o objetivo de preencher a lacuna de comunicação entre a pesquisa científica em acústica e o instrumentista. A metodologia consistiu em uma revisão bibliográfica de obras seminais da Física, como as de Helmholtz, e de métodos pedagógicos influentes de violinistas como Auer, Flesch, Galamian e Suzuki, analisando como o fenômeno da vibração da corda é abordado em ambos os campos. A pesquisa demonstra que, embora a pedagogia tradicional da performance do violino busque a excelência sonora por vias empíricas, a compreensão explícita do mecanismo stick-slip e da propagação do “canto de Helmholtz” oferece ferramentas concretas para o controle deliberado da qualidade tímbrica. O estudo detalha como as variáveis de arco — velocidade, peso e ponto de contato — manipulam diretamente a estabilidade do padrão Helmholtz, permitindo ao músico não apenas otimizar a produção de um som limpo e ressonante, mas também explorar conscientemente sonoridades resultantes das técnicas estendidas. Conclui-se que a integração de uma linguagem científica acessível ao ensino do violino é fundamental para o desenvolvimento de uma técnica mais eficiente e uma performance artisticamente mais consciente. Este trabalho propõe uma abordagem intermediária que traduz conceitos físicos em estratégias aplicáveis, defendendo a necessidade de um diálogo mais profundo entre a ciência e a arte na formação do violinista contemporâneo.
A performance musical apresenta diversos desafios ao performer principalmente no que concerne à expressividade, bem como à técnica musical. Munido de informações a respeito da técnica, o músico muitas vezes pode encontrar-se desamparado em relação às questões conceituais do fazer musical. A filosofia Song and Wind, desenvolvida por Arnold Jacobs, propõe uma abordagem interdisciplinar para a performance musical, articulando aspectos conceituais e mecânicos deste campo. O objetivo desta pesquisa é revisar e discutir os fundamentos desta filosofia, com foco na aplicação prática e nos benefícios tanto à expressividade musical bem como técnica dos instrumentos em geral. Por meio de uma revisão bibliográfica interdisciplinar, foram analisadas contribuições da neurociência, psicologia e fisiologia em relação ao desempenho do performer, conectando autores que articulam os aspectos principais de cada campo da ciência, evidenciando suas contribuições para a performance musical. Os resultados observados apontam que a aplicação dos conceitos desta filosofia no contexto da prática musical contribui para um desenvolvimento musical significativo do performer, principalmente nos aspectos relativos à expressividade musical e ao domínio técnico. Através disto, conclui-se que a filosofia Song and Wind possibilita o desenvolvimento integral do músico, sobretudo de sua performance musical.
A manobra de Valsalva em instrumentos de sopro
Este trabalho investiga a manobra de Valsalva no contexto da performance musical com instrumentos de sopro, abordando sua definição, ocorrência e impacto. A manobra de Valsalva é caracterizada pelo fechamento da laringe e pelo aumento da pressão interna na região torácica e abdominal, interrompendo o fluxo de ar necessário para a emissão das notas nestes instrumentos. Apesar de ser essencial para atividades do cotidiano humano, sua ocorrência na performance pode gerar hesitações na emissão de som, bloqueios momentâneos, atrasos na articulação e ataques com excesso de ar. Embora seja um problema comum neste contexto instrumental, este assunto possui considerável escassez quanto à produção bibliográfica especialmente no que se refere à definição terminológica bem como informações e orientações sobre como deve ser abordado. Através da análise observou-se que não há plena concordância em relação à variedade terminológica utilizada na literatura. Além disto também foi possível observar que a manobra de Valsalva não engloba apenas aspectos técnicos e fisiológicos, mas também aspectos neurológicos e psicológicos. Desta forma conclui-se que a manobra de Valsalva no contexto instrumental é um problema pouco explorado e carece de investigações mais aprofundadas. Tendo em vista a complexidade deste problema, a pesquisa interdisciplinar mostra-se como um possível caminho para sua compreensão, beneficiando de maneira geral a performance musical.
Métodos Suzuki e Sassmannshaus no ensino do violoncelo:
O presente trabalho consiste em uma análise crítica de duas metodologias de ensino do violoncelo, para crianças entre 4 e 10 anos de idade, com a utilização do método Suzuki Cello School, idealizado pelo violinista e pedagogo japonês Shinichi Suzuki (1898-1998) e o método Sassmannshaus Early start on the cello, desenvolvido pelo violinista e pedagogo alemão Egon Sassmannshaus (1928-2010) em coautoria com Kurt Sassmannshaus. A análise desses dois métodos tem o objetivo de apresentar as potencialidades de cada um, possibilitando a identificação, compreensão e discussão de possíveis lacunas que possam ser preenchidas através de complementações mútuas, contribuindo assim para a discussão do processo de ensino-aprendizagem a partir destas duas metodologias. Esta pesquisa foi realizada tomando-se como base metodológica os trabalhos de Swanwick (1979; 1994; 2003), a partir de seu modelo analítico C(L)A(S)P, Suzuki (1991; 2008), Associação Suzuki das Américas (2003) e K. Sassmannshaus (2008).
Apontamentos sobre a hierarquização de musicalidades e o ensino do piano na atualidade
O presente artigo apresenta uma reflexão sobre múltiplos significados atribuídos ao termo musicalidade e como esses se encontram enraizados no discurso dicotômico da formação acadêmica do pianista atual. Sob a perspectiva dos estudos decoloniais, o trabalho problematiza a hierarquização entre música erudita e popular entendendo a musicalidade como um campo possível para a articulação de conhecimentos dessas práticas musicais. Como interlocutores estão Gembris (1997), Piedade (2011), Brandão (2023), Domenici (2024) e Oliveira e Mani (2024).
Este trabalho trata sobre o processo de construção da performance da obra Forrozinho do Píccolo, escrita para grupo de trompetes pelo trompetista e compositor Daniel Cavalcante, o qual aborda a problemática da notação musical disposta na partitura e suas implicações na performance musical. Como reflexão sobre o tema, são demonstrados exemplos de obras dos compositores brasileiros Osvaldo Lacerda e Maestro Duda, onde são apresentadas e comparadas duas formas distintas de notação musical. Em seguida, são exemplificados alguns trechos da obra Forrozinho no Píccolo na versão original e, posteriormente, na versão revisada após a interação do compositor com os integrantes do Grupo de Trompetes da Universidade Estadual de Campinas (UNICAMP). O objetivo principal desta comunicação foi demonstrar a importância de uma composição com a notação musical rica em detalhes, assim como a relevância da interação entre compositor e intérpretes para a construção de performance.
Pesquisa relacionada ao levantamento de repertório brasileiro para trompete, realizada em 2016, aponta que o quantitativo de obras para trompete sem acompanhamento soma um total de 26. No entanto, até o momento não foram identificadas obras escritas por compositores maranhenses ou por compositores que utilizaram elementos rítmicos ou melódicos da música tradicional maranhense em suas criações. A partir desta informação, objetivou-se preencher esta lacuna do repertório brasileiro para trompete sem acompanhamento através da criação de uma obra que explorasse um gênero da música tradicional maranhense. Para a realização desta obra utilizou-se o Bumba meu boi do sotaque de matraca ou sotaque da ilha, através do qual foram extraídos elementos rítmicos para a criação da obra Matraca e Pandeirão composta pelo trompetista e compositor maranhense Daniel Cavalcante. O principal objetivo desta comunicação foi descrever o processo criativo da mencionada obra, assim como o de apresentar aspectos históricos e estéticos dos sotaques do Bumba meu boi, além de evidenciar os elementos do Bumba meu boi na escrita da obra Matraca e Pandeirão. Ademais, são apresentados elementos de domínio técnico do performer, principalmente no diz respeito à articulação dupla, que está presente em quase toda a obra, além da exigência de uma respiração profunda, devido às longas frases contidas na composição. Espera-se que, através deste trabalho, se amplie o repertório brasileiro para trompete sem acompanhamento, o qual foi construído de forma inédita a partir de elementos rítmicos da música tradicional maranhense.
Estudos sobre o Bumba meu Boi sotaque de matraca e propostas para performance na bateria
O Bumba meu Boi maranhense destaca-se entre as manifestações da cultura popular como um complexo sistema simbólico que perpassa o cotidiano e a cosmovisão das comunidades locais. Com foco no sotaque de matraca e suas idiossincrasias, o presente trabalho se propõe – por meio de pesquisa de campo, do diálogo com a literatura e da consulta a fonogramas de referência – à compreensão da estruturação musical que lhe é peculiar, partindo percepção de quem os protagoniza nos Bumba Bois da Maioba, Maracanã e Madre-Deus. De uma análise transversal e dialógica entre as referidas fontes, objetiva-se, posteriormente, a proposição de caminhos para sua prática e performance na bateria. A aproximação entre o instrumento e o Bumba meu Boi contribui à fundamentação das propostas apresentadas, reforçando sua continuidade com as tradições do sotaque de matraca e justificando, em consequência, o percurso investigativo.
Este artigo propõe uma reflexão sobre o papel do corpo na performance musical, tomando como ponto de partida a experiência autoetnográfica do autor junto à Banda Mantiqueira. São examinadas práticas musicais que se constroem para além da racionalidade e da escrita, mobilizando saberes inscritos no corpo. O estudo questiona os paradigmas do ensino musical ocidental, que frequentemente relegam o corpo a uma função mecanicista, e propõe um olhar para a corporeidade como forma legítima de conhecimento. Por meio da análise de performances, entrevistas com músicos e revisão teórica fundamentada em autores como Muniz Sodré, Diana Taylor e Leda Maria Martins, investiga-se de que maneira o “sotaque musical” do grupo, construído a partir de parâmetros rítmicos, nasce do corpo como construção coletiva e sensível, sustentada por escutas encarnadas e “micropensamentos” corporais. A performance, entendida como espaço epistêmico, emerge aqui como lugar de reinvenção e transmissão de saberes. O corpo não apenas executa: ele sente, pensa e comunica.
Temporalidade musical e escuta: a imagem do tempo musical na performance
Este artigo aborda a escuta e a temporalidade musicais, relacionando autores que as compreendem como construções simbólicas ancorada na experiência perceptiva. O objetivo é refletir sobre a construção da temporalidade na música a partir da escuta, articulando os conceitos de imagem sonora e imagem do tempo na performance musical. Para isso, são exploradas contribuições de Susanne Langer, Jonathan Kramer, Rodolfo Caesar, entre outros, traçando conexões entre teoria, percepção e performance. Ao trazer essas discussões, busca-se ampliar a compreensão sobre a temporalidade musical, bem como suas possibilidades de construção. Assim, a performance musical é concebida como o espaço onde escuta e tempo se entrelaçam na formação de uma imagem sonora do tempo.
O Protagonismo colaborativo: a construção de uma performance cênico-musical no canto coral brasileiro
O presente artigo é um recorte de uma pesquisa de mestrado em desenvolvimento no Programa de Pós-Graduação em Música da Universidade Estadual de Maringá. A investigação propõe uma definição preliminar do que se entende por Coro Cênico Brasileiro, destacando figuras centrais no processo de renovação do canto coral no país. Além disso, discute-se o protagonismo dos cantores na construção coletiva da performance cênico-musical, com ênfase nas contribuições oriundas de suas vivências pessoais e na integração de práticas teatrais, elementos fundamentais para a formação estética e expressiva dos intérpretes.
Este trabalho tem como objetivo analisar, de forma concisa, diferentes modelos de interação musical empregados em performances e os distintos resultados gerados a partir de sua aplicação. Para isso, utilizamos como parâmetros modelos teóricos propostos por autores como Givan e John-Steiner, buscando compreender como o grau de controle exercido sobre essas interações influencia os desdobramentos práticos. Além disso, investigamos de que maneira determinados tipos de interação musical podem favorecer a prática da improvisação. Com base nos estágios criativos descritos por Pressing, analisamos exemplos práticos que evidenciam a aplicação desses estágios pelos músicos, bem como os mecanismos de controle adotados no desenvolvimento da interação em tempo real. O intuito deste artigo é contribuir com o campo dos estudos em performance musical e oferecer subsídios teóricos e práticos para o aprofundamento da improvisação como prática criativa colaborativa.
Apreciação Programada e Sistêmica (APS):
Este artigo teórico-reflexivo apresenta as bases e as propostas práticas da Metodologia de Apreciação Programada e Sistêmica (APS), voltada ao ensino e aprendizagem do trompete no contexto da performance musical. Fundamentada em princípios da Heutagogia e da Programação Neurolinguística (PNL), a metodologia se apoia na escuta musical como ponto de partida para o desenvolvimento técnico, interpretativo e perceptivo do instrumentista. Composta por dois níveis de apreciação - Programada e Sistêmica - a APS propõe a organização da escuta em etapas: a primeira, com base na PNL, utiliza modelagem, ancoragens sensoriais e internalização de padrões musicais; a segunda, foca nos elementos técnicos que constituem a expressividade, tais como a articulação, o timbre, a dinâmica, o vibrato e o fraseado (intenção e conexão de notas). A proposta aqui apresentada defende que a escuta estruturada e intencional pode atuar como uma importante ferramenta na formação do trompetista. Com seu uso consciente, a APS visa favorecer o desenvolvimento da autonomia do músico e o reposicionamento do mesmo como agente protagonista do processo. Até onde foi possível aferir até o presente momento, a Metodologia APS pode contribuir para o fortalecimento da musicalidade como prática perceptiva e ativa, ampliando o campo de possibilidades pedagógicas no ensino do trompete e possivelmente adaptável ao ensino de outros instrumentos musicais.
Impacts of diversified repetition on multilevel motor organization during piano performance
Abstract. This study investigates the effects of diversified repetition practice on pianists’ bimanual coordination by comparing performances before and after a practice session involving variations in rhythm, articulation, dynamics, and tempo. Two pianists, identified as P1 and P2, participated in the study by performing the F major pentatonic scale across three phases: pre-test, practice, and post-test. Audiovisual recordings, MIDI data, and motion capture data were used to analyze the movements of fingers, wrists, and elbows. Three dimensions of performance were examined: note onset asynchrony (temporal synchronization), preparatory gesture amplitude (motor planning), and key attack velocity (dynamics). Motor strategies in proximal segments were also observed, focusing on patterns of symmetry, phase, and amplitude. The results revealed distinct responses between participants and across different note combinations. In some cases, increased simultaneity and gestural reorganization were observed; in others, there was a reinforcement of pre-existing patterns. The findings suggest that diversified repetition may promote subtle adjustments, motor stabilization, and the intensification of already established interpretive strategies. It is concluded that its effects arise from the interaction among technical, motor, and expressive factors, and that its application is most effective when tailored to the specific needs of each performer.
Este trabalho apresenta um recorte de uma pesquisa de mestrado de caráter exploratório que investiga as especificidades vocais de coralistas trans no contexto do canto coral adulto. Fundamentado em uma abordagem qualitativa, o estudo compreende a voz como uma construção sociocultural atravessada pela identidade de gênero. Por meio de entrevistas semiestruturadas com profissionais que lidam com coralistas trans, analisa-se como o gênero influencia a classificação vocal, a organização dos naipes e as estratégias didáticas nos ensaios. A investigação busca evidenciar a relação em música coral e diversidade de gênero, contribuindo para o reconhecimento, a valorização e o pertencimento das vozes trans nos espaços artísticos-musicais. No presente artigo, é discutido sobre os atravessamentos entre gênero, vocalidade e performance. Os principais referenciais teórico-metodológicos são: Scott (1989), Cusick (2009), Biscaro (2014), Jacobs (2017) e Caldeira (2019).
Perspectivas sobre a ambivalência do pandeiro brasileiro
O pandeiro brasileiro pode ser entendido como um instrumento ambivalente, agrupando características associadas a instrumentos tão diversos como o tambor e o chocalho, que coexistem e são articuladas em sua performance. O presente estudo enfoca a “porção chocalho” do pandeiro, examinando algumas de suas práticas de performance, em especial aquelas abordadas por músicos identificados com a vertente estilística do Pandeiro Grave (Brandão, 2023), que buscam maneiras de desenvolver sistematicamente o potencial expressivo desse aspecto do instrumento.
A expansão do vocabulário técnico do contrabaixo acústico
Este trabalho investiga a aplicabilidade de técnicas oriundas de diversos instrumentos musicais à prática do contrabaixo acústico. A pesquisa propõe a experimentação de técnicas dos instrumentos musicais: violão, berimbau, violino e saxofone no contrabaixo acústico. Por meio de experimentações práticas, são analisadas as possibilidades sonoras e gestuais que essas técnicas oferecem quando adaptadas ao contrabaixo acústico, com foco na ampliação do vocabulário técnico do instrumento e no estímulo à criação de novas abordagens interpretativas e composicionais. O estudo propõe contribuições para a performance contemporânea, o ensino e a escrita de repertório que explore as potencialidades tímbristicas do contrabaixo, evidenciando sua versatilidade e seu papel como instrumento solista em contextos expandidos.
Este artigo tem como objetivo investigar o processo criativo de Hermeto Pascoal na composição da peça Mestre Radamés, considerando seu alto nível técnico de performance, atribuindo à bateria um protagonismo instrumental, além de apresentar um conteúdo rítmico, técnico e fraseológico significativamente complexo. O fonograma foi gravado no LP Lagoa da Canoa, Município de Arapiraca (1984), tendo Márcio Bahia a frente da bateria. A partir de análises que relacionam aspectos rítmico-fraseológicos organizados em métricas ímpares, discorremos sobre a correlação entre bateria, baixo, piano e melodia.
Crenças de eficácia coletiva na prática e aprendizagem musical em grupo:
Neste texto, abordamos a motivação e o desenvolvimento de habilidades para a performance musical em grupos de câmara. Partimos do pressuposto de que as crenças de eficácia coletiva dos membros de um grupo acerca do potencial das ações coletivas para o alcance de metas e superação de desafios ocupam lugar entre os elementos fundamentais do engajamento nas práticas camerísticas. A fundamentação teórica incluiu constructos propostos por Albert Bandura em sua teoria social cognitiva (1997, 2008). O objetivo foi analisar as crenças de eficácia coletiva de musicistas integrantes de grupos de câmara. O método consistiu em um survey interseccional de natureza exploratória, envolvendo uma amostra composta por 33 instrumentistas brasileiras(os). Os resultados possibilitaram reflexões sobre a eficácia coletiva para a performance dos repertórios trabalhados pelos grupos (destacando variáveis expressivas, interpretativas e técnicas), bem como para realizações gerais no âmbito da prática instrumental coletiva (ressaltando fatores como o pleno aproveitamento das habilidades dos integrantes dos conjuntos de câmara). Esperamos que os achados aqui discutidos contribuam para a ampliação do entendimento sobre os aspectos psicossociais das práticas musicais coletivas – com destaque à motivação e à aprendizagem –, colaborando para a formação e atuação profissional de musicistas cameristas em diferentes contextos.
A interpretação baterística de Rubens Barsotti na visão de ex-alunos
Este artigo é derivado de um Trabalho de Conclusão de Curso que investigou a atuação do baterista Rubens Barsotti (1932-2020) como músico e educador. Contudo, o recorte apresentado neste trabalho, visa representar questões ligadas exclusivamente a sua performance musical, a partir da análise de entrevistas semiestruturadas de três ex-alunos, sendo Giba Favery, Lauro Lellis e Pércio Sappia. Barsotti é reconhecido por sua atuação junto ao grupo Zimbo Trio e por sua expressiva contribuição à linguagem da bateria brasileira, especialmente no contexto do samba-jazz. A pesquisa adota metodologia qualitativa, com análise de conteúdo das entrevistas, organizadas em dez aspectos principais que se correlacionam e converegem entre si. Neste artigo, são discutidos os elementos relacionados à prática performática do instrumentista, como por exemplo, o uso de caixa sem esteira na execução do samba na bateria, execução de groove com forte influência do jazz, exploração tímbrica dos pratos. Os dados apontam para uma abordagem interpretativa autêntica e criativa, marcada por referências estéticas e construção de uma identidade musical própria. O trabalho contribui para o reconhecimento de Rubinho como importante figura na história da bateria brasileira, além de reforçar a importância de pesquisas que valorizem artistas ainda pouco discutidos no meio acadêmico, mas de grande relevância para a música brasileira.
Mulheres na música e compositoras brasileiras para viola de arco: uma perspectiva histórica
No presente artigo é apresentada uma breve contextualização histórica a respeito de compositoras mulheres na música ocidental e sobre compositoras para a viola de arco no Brasil, incluindo uma reflexão sobre o corpo na música. A pesquisa é exploratória e interdisciplinar ao adentrar argumentos da musicologia, filosofia e música, contexto em que se coloca em perspectiva a obra de compositoras brasileiras por meio de revisão bibliográfica e pesquisa documental. Dessa forma, pretende-se contribuir com o repertório nacional de viola, dando visibilidade a obras pouco conhecidas e evidenciando a participação da mulher no cenário musical brasileiro. Os objetivos giram em torno do destaque a obras já divulgadas e ainda não conhecidas e o fomento à pesquisa acadêmica sobre mulheres compositoras e a sua obra na música brasileira para viola.
A Literatura coral brasileira na sala de ensaio
O objetivo geral deste estudo é apresentar propostas interpretativas para três arranjos escritos por Marcos Leite: Lata D’água (Luís Antônio e Jota Júnior). Copacabana (Carlos Alberto Ferreira Braga e Alberto Ribeiro), e Pra machucar meu coração (Ary Barroso). As obras, para coro misto a quatro vozes (SCTB), podem ser interpretadas a capela e com acompanhamento e apresentam diferentes elementos que podem ser explorados pelos(as) regentes e preparadores(as) vocais no processo de construção da sonoridade. Recorte parcial de pesquisa qualitativa já concluída, o trabalho tem como base teórica estudos que tratam da correlação entre texto e música. Os resultados indicam que, ao elaborar estratégias para a abordagem de tal literatura coral tomando como base essa relação dialógica, regentes e coralistas podem participar do ensaio de forma proativa e colaborativa, contribuindo para a consolidação de uma prática coral significativa.
Movimentos Corporais, Componentes Musicais e Modelagem Interpretativa - Uma Perspectiva Integrativa da Prática na Realização Pianística das Duas Elegias de Béla Bartók
Resumo. Esta apresentação integra pesquisa em desenvolvimento em que são investigados movimentos corporais e componentes estruturais expressivos integrados a estratégias de execução instrumental, com o objetivo de potencializar a assertividade técnica e musical durante a prática e realização pianística de componentes musicais em repertório específico, neste caso Duas Elegias de Béla Bartók. Os excertos destacados são analisados a partir do conceito de modelagem, aqui aplicado à interpretação musical. Como pesquisa de caráter exploratório, abordagens interdisciplinares para o planejamento, direção e simplificação do movimento corporal integram o grupo de argumentos apresentados. A aplicação de estratégias como ‘ciclos de movimento’ e ‘antecipação’ estão relacionados design de excertos das citadas peças, com vistas à expressividade e continuidade do discurso musical inerente. Resultados preliminares mostram que o planejamento prévio de movimentos em gestos flexíveis e sua organização com base no texto musical, considerando aspectos motivacionais na escolha pelo gênero musical pelo compositor, são fatores que auxiliam na modelagem interpretativa no sentido de uma prática e realização músico-instrumentais mais objetivas.
O adoecimento físico e psicoemocional de artistas tem sido amplamente documentado por estudos nas últimas décadas, revelando índices preocupantes de distúrbios musculoesqueléticos, perda auditiva e transtornos psicológicos, como ansiedade na performance. Apesar disso, ainda são escassas as articulações institucionais que promovam estratégias de prevenção e políticas públicas voltadas à saúde do artista. Este trabalho apresenta a criação e as ações desenvolvidas pela Rede Brasileira de Saúde do Artista (RBSA), fundada em 2024, com o objetivo de articular iniciativas interdisciplinares de promoção da saúde física, mental e social de artistas em diferentes regiões do Brasil. A base teórico-metodológica do estudo é fundamentada na abordagem crítica da saúde e na noção de cuidado integral, sendo o presente texto construído a partir de um relato de experiência. São descritas as principais atividades desenvolvidas no primeiro ano da RBSA, como oficinas, rodas de conversa e materiais de divulgação, além da articulação com redes internacionais como a Healthy Conservatoires Network (Reino Unido) e a Red de Conservatorios Saludables (México). As ações da RBSA têm sido bem recebidas pelo público participante e têm contribuído para ampliar o debate sobre saúde e bem-estar no campo das artes. A consolidação da RBSA representa um avanço importante na promoção de uma cultura de cuidado entre artistas no Brasil, incentivando a formação de redes colaborativas e o desenvolvimento de iniciativas alinhadas às especificidades socioculturais locais, em diálogo com experiências internacionais.
Escuta, discurso e posições de enunciação:
Este artigo propõe uma compreensão dos enunciados sobre paisagem sonora, partindo das formulações de Murray Schafer, sob o olhar da noção de modalidade enunciativa, segundo Michel Foucault. O objetivo é lançar uma análise crítica das posições de enunciação verificáveis nas premissas conceituais e nas estratégias artísticas vinculadas ao termo. Partimos de um exame do distanciamento social e histórico entre os papeis de compositor, crítico e ouvinte, analisando seu impacto nos enunciados sobre escuta emergentes em determinado campo social. Introduzimos posteriormente conceitos advindos da análise de discurso foucaultiana, a fim de mapearmos o vínculo entre a escuta e as posições de sujeito. Fundamentando-se na crítica acadêmica recente voltada à paisagem sonora, examinamos a relação entre artista e espectador que embasam a construção dos enunciados. Esperamos oferecer subsídios para uma compreensão da escuta como objeto de relações de poder assimétricas particularmente evidentes em tal campo discursivo.
Betty Boop: dinâmicas raciais em alto e bom som
Através de uma contextualização histórica e da análise de dois filmes da Fleischer Studios, o artigo investiga as dinâmicas raciais nos curtas de Betty Boop. Essas produções tanto ecoam estereótipos raciais oriundos dos minstrel shows quanto promovem a arte de musicistas negros em um cenário de forte segregação racial. A pesquisa examina como o dilema entre validação artística e perpetuação de estereótipos raciais vivenciado pelos músicos negros se manifesta nestas obras. Apesar das representações problemáticas, a integração da música negra aos filmes de Betty Boop é um marco importante na discussão sobre a experiência de artistas negros no entretenimento popular americano.
Desigualdade na pesquisa entre norte e sul global
No Brasil, inventários e questionários usados no norte global para a realização de pesquisas em psicologia da música têm sido traduzidos, adaptados e aplicados com frequência a contextos locais. No entanto, algumas dificuldades surgem em pesquisas multicêntricas. Implicações quanto às condições estruturais disponíveis para os pesquisadores incluem financiamento, disponibilidade de laboratórios adequados, preparação de bolsistas e examinadores, qualidade dos materiais e condições de mobilidade da população-alvo. Além disso, diferentes grupos sociais respondem à pesquisa de forma diferente. Em nossa experiência, populações socialmente privilegiadas tendem a apresentar menor adesão, enquanto populações de baixa renda, apesar de suas dificuldades financeiras, aparentam a encarar a participação em pesquisas, especialmente com crianças, como uma oportunidade. Medidas de status socioeconômico também apresentam dificuldades, pois escalas apropriadas para um país não necessariamente se ajustam a diferentes realidades. Ademais, a posicionalidade dos pesquisadores apresenta questões éticas importantes, pois, não raro, estes pertencem a classes sociais privilegiadas em relação à população observada, o que pode acarretar em desconhecimento sobre hábitos, valores e limitações no cotidiano dessas populações. São objetivos deste trabalho apontar questionamentos levantados a partir de pesquisas recentes realizadas em nosso laboratório em pesquisa com colaboração internacional. Argumentamos que modelos importados do norte global apresentam limitações metodológicas que necessitam ser avaliadas e seus modelos validados para a elaboração de pesquisas quantitativas futuras que abordem populações diversas em contextos fora do eixo da chamada população WEIRD – Ocidental, Educada, Industrializada, Rica e Democrática, na tradução do termo de Henrich (2020).
O artigo tem por objetivo a tentativa de ler pontos de intersecção nas propostas estéticas de Arnold Schoenberg e Wassily Kandisnky. Tendo mantido uma correspondência e uma amizade no começo do século XX, esses artistas se aproximaram em decorrência de suas produções, mesmo que em áreas diferentes. A tese enacionista proposta por Mark Johnson e George Lakoff é suscitada a fim de fornecer o aporte à comparação entre pintura e música, aqui pretendida. A partir dessa teoria que busca ligar as faculdades da abstração da mente aos aprendizados do corpo, o artigo pretende lançar luz às possíveis equivalências das inovações estéticas de ambos. A observação através da cognição incorporada faz saltar aos olhos o modo como esses artistas manipularam as forças internas de suas obras e, em particular, as forças de gravitação atuantes na escuta musical ou na contemplação visual de uma tela. Nesse sentido, processos similares se deram na trajetória estética dos dois, o que pode, por fim, tê-los feito próximos.
Pontos de correspondência entre a poesia de Mallarmé e a música de Debussy
O artigo se presta a elucubrações acerca dos pontos de contato entre o Prélude a L’aprés midi d’une Faune, de Debussy, e o poema que a inspira: L’aprés midi d’une Faune, de Mallarmé. Analisar os parâmetros constituintes dessas obras através da ótica da tese enacionista da cognição pode levar a uma maior clareza em respeito à proximidade entre o que esta peça foi para a música de seu tempo e o que o poema o foi para a poesia. Ademais, interessa investigar quais atributos, a nível estético, podem conter qualidades ontologicamente pares na música e no poema, a fim de supor qualquer nível em que se possa discutir equivalências entre os modos de estruturação da expressão. Derivado da tese enacionista, o termo “cena musical” pode ser empregado de forma a tratar de uma produção subjetiva da música que a aproxima dos efeitos da escrita. É por meio dessa linha de pensamento que entende as produções abstratas da mente como derivações dos aprendizados do corpo que a hipótese procura pontes entre poesia e música, porquanto ambas se ligam às produções de conhecimentos do corpo.
A música do teatro musical brasileiro aplicada ao violão no exemplo da Ópera do Malandro de Chico Buarque
Este trabalho discute a potencialidade discursiva e de produção de sentido narrativo do violão no universo do teatro musical brasileiro, mais especificamente da peça “Ópera do Malandro” (1978), de Chico Buarque. A partir das visões dos pesquisadores Silva (2014) e Saraiva (2018), pretende-se expandir a compreensão do violão enquanto instrumento narrativo e articulador ativo no universo da canção brasileira para o universo da música para teatro musical brasileiro. Além disso, aliando as reflexões práticas sobre o instrumento e arranjo no universo da música popular à filosofia da estética autônoma de Safatle (2022), os pesquisadores discutem a capacidade musical do instrumento de construir um discurso que possa transcender as funções inerentes ao discurso musical, levando-o a alcançar também as dimensões dramática e cênica. Para tanto foram desenvolvidos arranjos de canções do espetáculo a partir do levantamento da função dramática das canções.
Estereótipos e autenticidade em trilhas sonoras de games
Nas mídias audiovisuais, a preocupação com a autenticidade das trilhas sonoras tem se tornado cada vez maior. Dessa forma, esse artigo busca analisar a maneira com que a trilha sonora em dois games, produtos da cultura pop, inspirados por locais diversos, a fim de investigar as abordagens na sonorização dessas histórias. Tais análises partem de duas principais bases teórico metodológicas: 1) dos campos da cultura sonora e estudos do som, acerca das relações sociais envolvidas na produção e recepção dessas obras; 2) da cognição musical, acerca dos impactos que a trilha sonora dessas obras podem gerar em como seus consumidores pensam sobre essas culturas a partir dessas obras. A metodologia é o estudo de caso da trilha sonora dos games Crash Bandicoot e Tchia. Os resultados demonstram que, ao longo do tempo, parece haver preocupação cada vez maior com a autenticidade dessas trilhas, buscando a colaboração e participação direta de pessoas das culturas representadas em sua produção, algo que era menos relevante início na virada do século XX para o XXI.
Do tripé “tópicas musicais, camadas de linguagem e níveis de interpretação” como um possível caminho analítico
Este trabalho investiga a relação entre música e linguagem sob uma perspectiva epistemológica, tendo a semiótica como ferramenta central para a análise e compreensão do fenômeno musical. A pesquisa parte da Teoria dos Atos de Fala, de Austin, e do Construtivismo Lógico-Pragmático para analisar a música como linguagem comunicacional, cuja significação é socialmente construída e culturalmente situada. Adota como base teórico-metodológica a semiótica em suas dimensões sintática, semântica e pragmática, articulada à Teoria Espiral de Swanwick e ao conceito de enunciação. O estudo rejeita a ideia de “música absoluta” e defende que o sentido musical emerge na enunciação e na escuta, sendo legitimado por camadas de linguagem que sedimentam sentidos (tradição, notação, crítica, performance). Nesse contexto, destaca-se o papel das tópicas musicais (topoi) como operadores retórico-pragmáticos culturalmente estabilizados, que organizam a experiência estética e orientam a interpretação e a escuta. Os resultados apontam que a construção de sentido musical depende da ativação cognitiva e simbólica dos topoi, sendo o intérprete o agente central desse processo. Conclui-se que a música não é objeto autônomo e dado, mas discurso em constante reinscrição, cujo significado se realiza plenamente na performance — entendida como ato de fala final e socialmente legitimador. A fenomenologia musical, assim concebida, articula linguagem, cultura e intersubjetividade, tornando a música inteligível como prática comunicativa viva. O estudo contribui para a ampliação do entendimento da música como linguagem simbólica complexa; mediada por signos, códigos e convenções culturais.
O presente trabalho descreve estratégias tecno-poéticas com uso de ferramentas de inteligência artificial (IA) e machine learning (ML) no processo criativo de composição e performance da peça Inconsciente Artificial (2025) — para saxofone, bandoneón, eletrônica e vídeo. Nossa intenção foi desenvolver um ambiente de interação em que a máquina estimula criativamente a performance dos músicos humanos através de elementos sonoros aleatórios em tempo real. Para as interações da performance musical utilizamos como interface o software Somax2, e para produção das imagens do programa ComfyUI. Propomos, através de uma pesquisa artística baseada na prática, um trabalho que refletia tanto sobre uma apropriação tecnológica das ferramentas de IA na criação musical, quanto um olhar crítico que se relaciona às metáforas antropomórficas que se tornam comuns neste meio tecnológico. Neste sentido, o trabalho está estruturado da seguinte maneira: apresentação da estratégia metodológica de pesquisa; contextualização teórica e crítica sobre as metáforas transumanistas na IA; uma descrição técnica, instrumental e criativa dos recursos tecnológicos utilizados; o percurso poético que conecta os estudos científicos e criativos da peça; e as considerações gerais sobre o processo de criação e performance.
Avaliação do canto/voz na musicoterapia brasileira
O trabalho com voz/canto integra diferentes abordagens, métodos e modelos de musicoterapia, no Brasil e no mundo, com objetivos e públicos diversos. A avaliação musicoterapêutica da voz promove o conhecimento da pessoa avaliada, direciona a prática e a tomada de decisões e demonstra os resultados do processo musicoterapêutico que usa voz/canto como instrumento principal. Na literatura sobre avaliação em musicoterapia, não menciona-se instrumento de avaliação musicoterapêutica da voz/canto validado para uso no Brasil. Assim, questiona-se: como é implementado o processo avaliativo nas intervenções que usam voz/canto como instrumento principal na musicoterapia brasileira? Com a finalidade de analisar tais intervenções, com foco especial em seus processos avaliativos, realizou-se, de 14 a 27 de julho de 2025, uma revisão integrativa com os descritores Musicoterapia AND Canto e Musicoterapia AND Voz, no portal de periódicos da CAPES e nas revistas da ABEM, OPUS, InCantare, Música Hodie, PerMusi e Voices; e com os descritores Canto e Voz, na Brazilian Journal of Music Therapy. Foram incluídos estudos, publicados de 1989 a 2025 em língua portuguesa, sobre intervenções musicoterapêuticas que usam voz/canto como instrumento principal, realizadas no contexto brasileiro. Constatou-se que a maioria dos estudos implementou avaliações qualitativas e nenhum realizou mensuração de aspectos relacionados à voz ou ao canto em musicoterapia. Assim, destaca-se a necessidade de realizar estudos de construção e/ou tradução, adaptação e validação de instrumentos de avaliação musicoterapêutica da voz ou do canto para uso no Brasil, especialmente no campo quantitativo.
Este artigo apresenta o Lutty, um aplicativo digital e de código aberto voltado à visualização de fôrmas acordais em instrumentos de cordas com diferentes afinações e configurações. A ferramenta permite explorar acordes, escalas e conjuntos de classes de alturas, inclusive materiais pós-tonais, ampliando as possibilidades de análise, ensino e criação musical. O estudo articula o uso do Lutty aos conceitos de coreofôrma e coreotrama, que destacam o papel do gesto e da corporeidade na construção da forma e da textura musicais. Ao representar visualmente múltiplas digitações, o aplicativo permite investigar a relação entre estrutura harmônica e disposição corporal no instrumento. O Lutty também preenche lacunas de ferramentas existentes ao incluir instrumentos menos convencionais, como a viola caipira e o cavaquinho. O artigo descreve seu desenvolvimento técnico e exemplifica seu uso em uma composição baseada na técnica dodecafônica, propondo a ferramenta como plataforma metodológica inovadora para análise, criação e ensino musical.
Este trabalho propõe uma abordagem teórica à noção de obra musical partindo das implicações filosóficas do conceito de hauntologia, ou assombrologia, proposto por Jacques Derrida e posteriormente desenvolvido no campo da cultura por autores como Mark Fisher. Estabelecendo uma interlocução com debates contemporâneos da ontologia musical e da obra musical, o texto examina a ideia de presença, repetição e permanência na experiência estética musical, apontando para uma condição espectral da obra, que é entendida aqui não como entidade estável, fechada e, em sentido estrito, finalizada, mas como fenômeno poroso, cruzado por dimensões espaço-temporais muitas vezes complexas, especialmente ao reduzir analiticamente as obras a seus aspectos formais, ignorando agências, historicidade, quadros de poder, conservação e autonomia, e a circulação de afetos que empreendem. Perguntas, a priori simples, de como uma obra se faz conhecida/reconhecida e como sua permanência no mundo é instituída, nos lança zonas ontologicamente densas e críticas, visto que a conservação de algo de caráter inobjectal inclina-se a estruturas subjetivas, como a memória e a sensação. O retorno, aparição ou assombro de obras musicais pode também levantar, etica e esteticamente, questões relativas ao estado existencial que nos encontramos e nossa experiência do tempo. Este percurso visa realizar uma introdução ao tema, apontando alguns dos problemas que ele suscita, com o objetivo de contribuir para uma reflexão no campo da pesquisa em música e da crítica musicológica, no contexto de uma era cultural marcada pela falência das utopias modernas e pela suspensão de futuros.
Musicoterapia em coterapia interdisciplinar no desenvolvimento infanto juvenil: Vivências clínicas em processos terapêuticos colaborativos
Este trabalho apresenta uma investigação de caráter exploratório-descritivo sobre processos terapêuticos interdisciplinares envolvendo a musicoterapia. A pesquisa baseia-se em uma revisão sistemática da literatura e no relato de experiências clínicas desenvolvidas durante um processo de estágio curricular no âmbito do mestrado, em colaboração com profissionais das áreas da terapia da fala, fisioterapia e terapia ocupacional. Os atendimentos ocorreram com crianças e adolescentes, em sessões realizadas em dupla com outros terapeutas. A avaliação foi conduzida por meio do instrumento de avaliação IMTAP, complementada por observações clínicas. Os resultados evidenciaram avanços terapêuticos nos domínios motor, cognitivo, emocional, social e expressivo. A literatura analisada corrobora os efeitos positivos dessa prática colaborativa, mas também revela uma lacuna no que se refere à sistematização de modelos, critérios de indicação, técnicas utilizadas e processos de supervisão clínica. Constatou-se ainda que todas as publicações encontradas foram apresentadas como estudos de caso, indicando a necessidade de maior aprofundamento teórico e metodológico sobre o tema. Conclui-se que os processos terapêuticos interdisciplinares envolvendo a musicoterapia configuram uma prática clínica emergente e promissora, cuja consolidação requer maior investigação científica e clareza conceitual para orientar sua aplicação.
O presente artigo consiste em uma investigação teórica sobre o processo criativo do multi-instrumentista Dywane Thomas Jr. (1990-), mais conhecido como MonoNeon, com base em uma revisão bibliográfica e discussão crítica. Consideramos aspectos singulares da expressividade do músico em relação aos recursos audiovisuais que ele utiliza nas mídias digitais, tais como o uso de multicâmeras, imitação prosódica e tela dividida. Partindo da premissa de que o processo de produção musical mudou significativamente desde o surgimento da mediação fonográfica, discutimos sobre a atividade artística de MonoNeon em uma perspectiva crítica tomando como base textos ligados ao campo das Novas Mídias e seu impacto no meio musical. Como referencial teórico principal, utilizamos a Teoria das Músicas Audiotáteis proposta por Vincenzo Caporaletti, para refletir sobre três vídeos postados no canal da plataforma YouTube do músico, identificando as especificidades dos recursos audiovisuais utilizados. O resultado obtido foi a proposição de que o processo criativo de MonoNeon pode ser compreendido a partir da categoria da matriz cognitiva audiotátil, dentro da descrição da teoria de Caporaletti, considerando como parâmetros, conceitos como o de Codificação Neoaurática e Princípio Audiotátil.
Produção científica da Região Norte do Brasil: um levantamento nos Anais e periódicos da ABEM e ANPPOM entre os anos de 2012 e 2025
O presente trabalho versa sobre um levantamento bibliográfico que teve por objetivo compreender o panorama de pesquisas já publicadas no campo da música provenientes da Região Norte do Brasil, independente da temática e/ou interesse das pesquisas dos quais estes trabalhos resultam. Buscamos quantificar as pesquisas desenvolvidas e identificar o protagonismo da Região Norte no que se refere a publicações feitas no recorte temporal e nas fontes estabelecidas. A pesquisa foi realizada nas revistas, Anais dos congressos nacionais e encontros regionais da Associação Brasileira de Educação Musical (ABEM) e Anais e periódicos da Associação Nacional de Pesquisa e Pós-Graduação em Música (ANPPOM), no período de 2012 a 2025. Os achados revelaram tímida, mas expressiva produção na região norte, tendo o Pará como o Estado de maior destaque em produtividade acadêmica no que se refere às ciências musicais.
Psiqué e performance musical: entre angústia, ansiedade de desempenho e sofrimento psíquico
Este artigo aborda a psique no âmbito da performance musical, a partir da compreensão de emoções como medo, angústia e ansiedade de desempenho, com ênfase no músico instrumentista. A partir de uma visão interdisciplinar que engloba Filosofia, Música e Psicologia, partimos da observação que o músico, em ambientes que são exigidas alta performance, podem experimentar diversos estados afetivos, como medo, ansiedade e angústia, que influenciam diretamente no fazer musical. O objetivo é verificar como esses afetos e emoções são manifestadas na relação entre a psique, corpo e som, e como se articulam dentro da dimensão da existência. A metodologia é baseada em uma revisão conceitual-teórica, articulando autores da Filosofia e Psicologia, como Platão, Heidegger, Gadamer, Carneiro Leão e referenciais da Terapia Cognitivo-Comportamental (TCC). A pesquisa propõe que a performance musical não se resume somente a parte técnica, mas também a um acontecimento poético, onde o músico é envolvido por tonalidades afetivas, que revelam o seu modo de ser-no-mundo. Os resultados parciais mostram que o sofrimento, não pode ser compreendido somente como algo clínico, mas também como expressão da psiqué, enquanto abertura criacional. A conclusão reforça que a afinação do humor (stimmung), e a escuta que vai além do ouvir são caminhos para uma visão integrada da saúde, sem a separação mente-corpo, outrora utilizada, integrando o fazer musical com a técnica, presença e afetividade.
Divulgação Científica da Música em Minas Gerais: um diagnóstico preliminar e apontamentos críticos
Este artigo apresenta um diagnóstico preliminar da divulgação científica digital da música em Minas Gerais, com especial interesse por sua vertente digital. Parte-se de uma breve contextualização teórica do campo. O objetivo é identificar ações de divulgação científica voltadas especificamente à música no estado. A investigação combina revisão bibliográfica, análise exploratória não estruturada, levantamento em bases de dados acadêmicas e análise da produção dos programas de pós-graduação em música das cinco universidades mineiras com PPGs em Música ou que incluam Música. Os resultados indicam que, embora existam iniciativas pontuais, elas são esparsas, desarticuladas e, em geral, não reconhecidas formalmente como divulgação científica. Foram identificadas três ações digitais específicas, e não se encontrou nenhuma produção acadêmica que abordasse diretamente o tema. Conclui-se que a divulgação científica da música em Minas Gerais permanece incipiente, revelando um campo pouco explorado, mas com expressivo potencial de expansão e sistematização
Tempo, tragédia e eterno retorno em A chegada
Este artigo examina as interseções entre música e imagem no filme A Chegada (Arrival, 2016), de Denis Villeneuve, tendo como objeto de estudo a trilha musical — tanto a original, quanto a música licenciada — e sua articulação com a narrativa fílmica. As questões centrais que guiam a investigação são: de que modo cada camada sonora contribui para a construção da articulação fílmica? Qual o papel da peça‑tema “On the Nature of Daylight” ( trilha licenciada) na mediação entre a estrutura e “pathos” de A Chegada ? Os objetivos consistem em (1) caracterizar os recursos musicais e estéticos das duas trilhas (original e licenciada); (2) analisar sequências‑chave em que a música atua como elemento de coesão e de transformação dos aspectos narrativos e estruturais; (3) discutir como a trilha sonora sustenta as camadas emocionais e o significado cinematográfico de A Chegada. A metodologia combina análises musical, dramático-musical e musicologia— estudo dos elementos sonoros e sua função dramática — análise fílmica — exame pormenorizado de cenas selecionadas, visando demonstrar de que modo a música molda percepções de causalidade e experiência temporal no filme.
Investiga-se o conceito de escritura sob a perspectiva de Theodor Adorno, articulando suas implicações no âmbito da experiência estética, particularmente na esfera musical. Diferenciando-se de abordagens que assimilam a escritura a um arsenal de técnicas construtivas, a análise concentra-se na escritura adorniana enquanto uma qualidade de aparência que se manifesta enquanto ato de edificação formal. A partir do ensaio "Sobre algumas relações entre música e pintura" (1965), propõe-se que a escritura deve ser interpretada como uma operação construtiva que revela a temporalidade latente das obras de arte, sobretudo na música, onde a forma é internalizada pela escuta na qualidade de um objeto continuamente emergente. Destacamos a distinção entre o caráter estrutural e o caráter escritural, enfatizando que este último se caracteriza por uma natureza processual e dialética, que se encontra em constante tensão com a resistência da forma musical em cristalizar-se enquanto objeto cristalizado e dissociado do desenvolvimento dos materiais construtivos. Por fim, articulamos as noções de Percepção, Audição e Escuta, conforme delineadas por Nicolas, para sugerir que a consolidação do caráter escritural depende do duração indefinida da Escuta
Lançada em 2022, “Que tal um samba?”, composição de Chico Buarque, propõe um convite, à nós ouvintes, para uma união coletiva em um “tempo feio”, como a própria canção caracteriza o estado atual. Nesse sentido, a presente comunicação tem por objetivo analisar o fonograma, tanto em sua construção musical quanto em relação às imagens poéticas evocadas, na tentativa de precisar o alcance de tal proposta na imanência da gravação, cujo escopo, ao menos assim entendo, posiciona-se em defesa da democracia e, ao mesmo tempo, aponta para os seus limites.
Argumentos de legitimação da bossa nova em Balanço da bossa nova de Júlio Medaglia
Objetivando aprofundar o conhecimento acerca dos processos de legitimação na música popular brasileira, o presente trabalho analisa os argumentos valorativos e legitimadores da bossa nova no artigo Balanço da bossa nova de Júlio Medaglia. Usando a teoria da legitimidade cultural de Bourdieu como base conceitual, foi possível encontrar neste texto uma visão teleológica, uma certa ideia de evolução, uma aproximação com a ideia de vanguarda, uma busca do moderno, a defesa de uma pesquisa quase-científica, uma ideia de complexidade, especialmente harmônica, tal qual pode ser encontrado no jazz, e uma ideia de avançado no qual a referência máxima de avanço pode ser interpretada como uma música “não funcional” com uma audição semelhante à de um concerto de música erudita.
Esta pesquisa examina os nexos entre currículo e a formação do músico popular. Seu principal objetivo é promover uma análise comparada da formação prescrita para o músico popular no ensino superior, particularizada em cinco textos/documentos curriculares ofertados em Cursos de Graduação em Música. A pesquisa tem como bases teórico-metodológicas a teoria das práticas sociais, na perspectiva bourdieusiana, e a teoria crítica do currículo. Como orientação metodológica, pauta-se nos Estudos Comparados de natureza bibliográfico documental. No recorte analítico apresentado nesse texto, os dados analisados informam as disputas particulares da música popular, no cruzamento dos campos artístico e educativo, e em que medida tais disputas constituem a identidade social da música e do músico popular. Pode-se concluir que a formação do músico popular, no ensino superior, se torna relativamente autônoma, em uma superação parcial das estruturas conservatoriais predominantes na formação em música.
O artigo se dedica ao estudo da transcrição como ferramenta pedagógica aplicada à música popular, em especial à análise de solos improvisados. Inicialmente abordamos seu uso na etnomusicologia no século XX, com base nos referenciais teóricos de Seeger (1958) e Mantle Hood (1971). Para compreender a recepção musical, recorremos a Green (2001) e Adorno (2011) e suas taxonomias. Em seguida, exploramos as diversas funcionalidades da transcrição, categorizando suas aplicações. Também discutimos o fenômeno do swing, já que a discrepância entre a execução musical e sua representação gráfica exige decisões por parte do transcritor. Concluímos que a transcrição e suas várias funcionalidades é um recurso bastante utilizado nos meios acadêmico e profissional como ferramenta auxiliar para análise e documentação.
Estilo interpretativo da microrrítmica de Jacob do Bandolim em Falta-me você
O artigo propõe uma análise musical de interpretação da microrrítmica de Jacob do Bandolim no fonograma “Falta-mevocê”. A análise busca se basear, não só na transcrição descritiva na notação musical tradicional, mas também nascurvas oscilográficas utilizadas como ferramenta de edição em softwares de gravação e edição que possibilitam ao editor manipular o ritmo da interpretação, mas que à época em que Jacob gravou, não existiam. Além da análise, o artigo visa refletir sobre os limites das edições que acontecem nas gravações musicais atualmente.
Maracatu Nação Estrela Brilhante do Recife
O maracatu nação, ou maracatu de baque virado, é uma manifestação da cultura popular da região metropolitana de Recife, e seu ritmo foi amplamente explorado por diferentes compositores e arranjadores brasileiros. A adaptação do maracatu de baque virado para piano solo e acompanhamento ainda representa um desafio pouco explorado. Compositores como Guerra-Peixe e Francisco Mignone foram pioneiros, e trabalhos mais recentes, como o do pianista Hercules Gomes, utilizam recursos pianísticos eficazes para representar a polirritmia e as claves típicas do gênero, mostrando outros caminhos possíveis. Diante desse histórico, torna-se necessária uma proposta mais eficaz e sistematizada de adaptação dos baques para piano, capaz de refletir com fidelidade as estruturas rítmicas praticadas pelas Nações de Maracatu do Recife. O objetivo deste trabalho é propor adaptações dos baques da Nação Estrela Brilhante do Recife, na qual o pianista execute as claves dos instrumentos característicos do maracatu: gonguê, caixa e alfaia. Os resultados alcançados foram satisfatórios, estabelecendo uma adaptação para o piano em que estão presentes as claves dos instrumentos mencionados anteriormente.
Neste artigo apresento um recorte da minha pesquisa de mestrado, intitulada Cellofunk: o funk brasileiro no violoncelo, cujo objetivo central foi investigar as possibilidades de interpretação, criação e difusão do funk brasileiro por meio do violoncelo, um instrumento tradicionalmente associado à música de concerto. A pesquisa se insere no campo da pesquisa artística e foi desenvolvida a partir de uma abordagem autoetnográfica, compreendendo minha própria trajetória como músico da periferia da Zona Noroeste de São Paulo. A metodologia combinou experimentação prática, arranjo e performance de repertório funk, produção musical autoral, ações de mediação cultural e análise de recepção. Os pressupostos teóricos incluem autores como Sueli Carneiro, Carlos Palombini, Stuart Hall e Paul Gilroy, articulando reflexões sobre afrodiáspora, epistemicídio, legitimidade cultural e criminalização do funk. Entre os principais resultados, destaco a criação do conceito de cellofunk, a realização de dois recitais — um acústico e outro com o violoncelo amplificado — a produção da faixa autoral Lobo-Guará, composta a partir de timbres extraídos do violoncelo e a elaboração de 3 arranjos para quarteto de violoncelos. As experiências performáticas e pedagógicas revelaram não apenas o potencial expressivo do instrumento em diálogo com o funk, mas também as barreiras simbólicas e institucionais que dificultam sua popularização em contextos periféricos. Concluo que o cellofunk opera como estratégia de ressignificação estética, resistência política e aproximação entre universos musicais historicamente apartados, propondo novos modos de escuta e produção cultural.
Neste artigo, apresento uma investigação autoetnográfica sobre os desafios técnicos, estéticos e pedagógicos envolvidos na execução do violoncelo em pé, com foco na interpretação de repertório do funk brasileiro. A pesquisa foi motivada por minha experiência como violoncelista em apresentações públicas realizadas em São Paulo, tanto em regiões periféricas, como o bairro do Jaraguá, quanto em espaços culturais como a Praça das Artes e o Parque Ibirapuera. Analiso o processo de adaptação postural, as modificações na técnica de arco, os ajustes no apoio físico do instrumento e as soluções estéticas desenvolvidas para ampliar a interação com os espectadores. Apoio-me em pressupostos teóricos relacionados à performance musical (Small, 1998), à corporeidade (Leman, 2008) e às práticas afrodiaspóricas (Gilroy, 2001; Palombini, 2009), além de fundamentar o percurso metodológico na autoetnografia (Adams et al., 2015) e na pesquisa artística (Impett, 2017). Os resultados indicam que tocar o violoncelo em pé amplia as possibilidades expressivas, cênicas e pedagógicas do instrumento, criando pontes entre a música de concerto e práticas culturais populares. Concluo que essa prática representa não apenas uma ampliação técnica, mas também uma forma de aproximar o violoncelo de linguagens populares.
As gravações do duo Pixinguinha e Benedito Lacerda constituem-se de importante referência na prática do contracanto, técnica de improvisação utilizada por Pixinguinha, herdada do seu mestre Irineu de Almeida (1862-1914). Através da transcrição e análise das 34 gravações realizadas entre os anos de 1946 a 1950, levantam-se questionamentos sobre: Como ocorre a improvisação no choro? É possível estudar contraponto desvinculado de um tema principal? Como adquirir vocabulário? Transcrever peças ou não? Recorrendo a autores como Almada, Braga e Sève, busca-se promover uma reflexão sobre o tema, sistematizando um método de estudos progressivos voltados para a prática do contracanto, destinado especificamente para instrumentos de sopro.
Este trabalho analisa o violão autoral de Djavan como recurso para compreender seu processo criativo e estilo composicional. A pesquisa adota a transcrição musical tanto como meio de análise formal quanto de reconstrução performática, considerando tanto o viés prescritivo quanto o descritivo da notação musical. Ao examinar gravações entre 1976 e 1996, o estudo identifica questões de estilo nas técnicas de mão esquerda e direita, além de oferecer a análise de dois solos de violão gravados pelo cancionista.
Gestualidade instrumental em The Rain Song: dialogia entre execução musical, escrita, transcrição e percepção
Neste trabalho apresento um estudo reflexivo de questões em torno da peça musical The Rain Song de Jimmy Page e Robert Plant, que foi interpretada pela banda inglesa Led Zeppelin, abordando aspectos como o registro sonoro, a gestualidade instrumental e a percepção musical. Há um foco central na questão da afinação alternativa adotada pelo guitarrista na interpretação da peça e da identidade sonora que o instrumento guitarra adquiriu com tal configuração. Questões como as especificidades de notação musical e registro de informações sonoras na música popular são também abordadas, principalmente no ponto em que foi identificado, ao longo da presente pesquisa, que os padrões de representação dos acordes na guitarra e sua aplicabilidade no meio da música popular tiveram uma relevância central na maneira como a peça foi composta e executada. Apresento na sequência uma análise harmônica funcional das seções estruturais mais recorrentes na peça, buscando-se compreender a maneira como a condução das vozes melódicas decorrentes da progressão harmônica fluem ao longo destas seções, e estabelecendo relações com a especificidade da afinação alternativa. Por fim, são abordadas questões relacionadas com a percepção e com as significações semânticas que podem ser associadas com o conteúdo musical da peça, indicando possibilidades de aprofundamento da presente pesquisa.
Na Estrada das Areias de Ouro e Cantoria Pastoral
Em seu Cancioneiro, Elomar Figueira Mello (1937-) dedica-se a contar as histórias e memórias de sua região: o Sertão da Ressaca. Partindo da hipótese de que as peculiaridades formais e harmônicas que marcam suas canções decorram, em boa medida, de homologias com as estruturas narrativas nelas enunciadas, nosso principal objetivo neste artigo é investigar, sob tal perspectiva, Na Estrada das Areias de Ouro (1973) e Cantoria Pastoral (1979). Para isso, valemo-nos de procedimentos adaptados da análise estrutural de mitos de C. Lévi-Strauss – sobretudo das noções de mitismo enquanto narrativa coletivizada e de mito enquanto modelo lógico para solução de contradições. A comparação entre as canções aponta para a compreensão de ambas como transformações de uma mesma estrutura mítica – a oposição entre passado e presente na primeira é transposta para uma oposição entre físico e metafísico na segunda, havendo, em ambas, personagens femininas mediadoras dessas oposições. Musicalmente, demonstramos: como importantes correspondências e diferenças entre as duas canções podem ser reportadas às suas correspondências narrativas; e como suas modulações, progressões e acordes mais insólitos podem ser entendidos como frutos de oposições e mediações homólogas àquelas encontradas em suas letras. Assim, nossos resultados não apenas corroboram nossa hipótese, mas apontam para a pertinência e eficácia da abordagem lévi-straussiana à música de um compositor sensível e manifestamente intuitivo, como é o caso de Elomar.
Francisco Zmekhol Nascimento de Oliveira
Este artigo consiste em uma análise da composição Prova de Fogo (1981) de Lenine e Zeh Rocha presente no primeiro álbum de Lenine gravado em parceria com Lula Queiroga, o Baque Solto (1983). Essa é uma das primeiras composições de Lenine e apresenta um hibridismo entre a Quadrilha Junina Nordestina e o Rock Progressivo. Nessa junção surge uma dança “estranha”, uma quadrilha progressiva. O objetivo principal é entender como são articulados os elementos musicais, especialmente no que se refere aos riffs,dentro dessa dança “estranha”. As características apresentadas serão recorrentes em trabalhos posteriores de Lenine, por isso acreditamos que essa composição apresenta um estopim de fluxo criativo da poiésis deste compositor. A análise é bricoleur,utilizando ferramentas diversas e inventando maneiras de observar que possam corroborar com o entendimento dos imbricamentos entre gêneros ou estilos musicais.
Real Books e Songbooks são materiais que formam instrumentistas desde a década de 1970 até hoje. As partituras desses livros frequentemente contêm poucas informações, excluindo dinâmicas, digitações e anotações de arranjo, construindo assim uma proposta de leitura da espinha dorsal da obra, para rápida leitura e assimilação. Surfboard (Jobim, 1967) é o caso de uma obra que faz parte da tradição da música improvisada, e que infelizmente é retratada nesses materiais com partituras bastante extensas ou que não apresentam todo o material necessário para assimilação do leitor. A proposição deste trabalho é uma adequação da partitura da obra Surfboard, para os moldes dos materiais comentados, Real Books e Songbooks, com foco em violão e guitarra, desse modo, transcrevendo a obra em uma partitura de fácil visualização, agora com melodia, forma e harmonia apresentadas de forma organizada.
Este artigo tem o objetivo de compreender a inserção do pandeiro no universo jazzístico através do estudo da performance de Túlio Araújo. O trabalho baseia-se em entrevistas, transcrições e na metodologia da observação participante. As transcrições aqui presentes foram comparadas com os relatos do músico para mostrar uma convergência entre a prática musical do mesmo e as ideias que a norteiam. A observação participante foi outra metodologia importante para que fosse possível entender com propriedade a maneira como o músico desenvolveu a performance do jazz no pandeiro.
. Este trabalho apresenta resultados parciais de uma pesquisa dedicada aos sambas-enredo das escolas de samba do Espírito Santo, entre 1984 e 1991. Foram catalogados 89 fonogramas, com informações sobre ano, escola, título, temática, compositores, letras e links de áudio. A partir de 77 sambas com material disponível, foi realizada uma análise temática com base em categorias propostas por Farias (2007), Lemos et al. (2022) e outros autores. Os dados revelam a predominância de enredos abstratos, biográficos, geográficos e politizados. A pesquisa combina levantamento documental e análise qualitativa, contribuindo para a preservação da memória carnavalesca capixaba e para o estudo das funções simbólicas dos sambas-enredo. Além disso, promoveu a formação crítica da pesquisadora e fortaleceu o diálogo entre universidade e cultura popular.
A viola, companheira inseparável dos cantadores repentistas no Nordeste brasileiro, instrumento que serve de prumo para guiar a voz do poeta, tem sido utilizada desde os primórdios da cantoria improvisada. Aqui apresentamos um recorte de nossa pesquisa de doutorado em andamento que investiga a cantoria de repente e o poeta repentista Ivanildo Vila Nova, sua história e suas contribuições para o universo da cantoria. Trazemos nesta comunicação a viola do cantador, a sua história, afinação do repente, estrutura do instrumento e rítmicas de baião do passado, desta que é uma viola brasileira ainda pouco conhecida e estudada fora de sua região, tratando assim de cuidar da sua difusão e preservação deste que é um dos estandartes da cantoria improvisada do Nordeste.
O frevo de rua no repertório da música instrumental praticada em Pernambuco
A música instrumental praticada em Pernambuco é marcada por uma diversidade de ritmos e influências, entre os quais o frevo de rua ocupa posição de destaque. Tradicionalmente associado às orquestras de frevo, esse gênero tem expandido seu alcance ao integrar os repertórios de grupos instrumentais com formações variadas. Esta pesquisa em andamento busca compreender os principais agentes e fatores que impulsionam essa transição, utilizando como estudo de caso a 5ª Edição da Mostra Canavial de Música Instrumental. A investigação se baseia em entrevistas, observação participante na Mostra e nos aportes teóricos da antropologia interpretativa de Geertz. Os resultados mostram que a inserção do frevo de rua em diversos ambientes musicais está diretamente relacionada à competência instrumental dos músicos que o executam. Destacam também o papel essencial do grupo de pares nas vivências formativas, contribuindo para o desenvolvimento dessa habilidade. Esse fator desempenha uma função crucial ao facilitar a adaptação estética e performática do gênero em diferentes contextos.
A “cozinha” funk-jazz na gravação de Nanã em Colors (1975)
A partir da proposta de análise de Trajano (2022), este trabalho investiga os elementos de textura presentes na gravação de Nanã, do álbum Colors (1975), de Raul de Souza, com foco no plano de acompanhamento realizado pela “cozinha”. A análise busca entender como os instrumentos e suas interações configuram o groove da faixa, revelando independência interna e coesão rítmica. A atuação da “cozinha” é observada como uma construção coletiva, não escrita, mas essencial para o arranjo final. O estudo também insere o fonograma em seu contexto histórico e musical, destacando o papel de Raul de Souza na cena instrumental da década de 1970. A investigação aponta para uma textura marcada por elementos melódicos, rítmicos e texturais, que marcam a performance e contribuem para a expressividade do registro.
Investigação de elementos musicais e socioculturais do carnaval do Catumbi da década de 1960 a partir da análise da produção fonográfica do Bloco Carnavalesco Vai Quem Quer
O bairro do Catumbi, na cidade do Rio de Janeiro, possui um significativo, porém pouco evidenciado, histórico de agremiações carnavalescas. O bloco Vai Quem Quer, fundado em 1956, é, juntamente com o Bafo da Onça, o mais antigo ainda em atividade no bairro. Objetivamos trazer contribuições para uma historiografia do bloco e do carnaval da época, através da análise de alguns elementos musicais, textuais e pictóricos da produção fonográfica do Vai Quem Quer, concentrada na década de 1960. Para tanto foram consultadas referências bibliográficas sobre indústria fonográfica brasileira, samba, gênero e racialidade. Outras fontes relevantes foram periódicos da época e a realização de entrevistas com um dos fundadores do bloco. Tal metodologia foi profícua em, ainda que parcialmente, produzir dados e suscitar questionamentos, os quais permitiram refletir sobre a produção da época em seus aspectos musicais e socioculturais.
A divulgação internacional da música brasileira pela diplomacia cultural e para além dela
Este artigo investiga as iniciativas de divulgação internacional da música brasileira, a partir de levantamento apresentado em pesquisa nossa sobre o tema (Zajdsznajder, 2025). Analisamos aqui esses eventos a partir do grau e da forma de participação dos agentes estatais. Para isso, dialogamos com o conceito de diplomacia cultural e a sua aplicação no contexto brasileiro sobretudo a partir da abordagem de Dumont e Fléchet (2014). A nossa investigação concluiu que essas iniciativas de divulgação foram pouco contempladas pelas ações da diplomacia cultural. A análise das nuances da atuação estatal nos permitiu identificar as convergências e os contrastes entre essas intervenções.
Bola Sete e a transcrição da música Muita Bossa Brasileira
Este trabalho apresenta resultados parciais de uma pesquisa de mestrado em andamento sobre o violonista brasileiro Bola Sete, figura notável cuja trajetória artística ainda é pouco explorada academicamente. O estudo parte da escassez de fontes biográficas e musicais sobre o artista, com o objetivo de contribuir para o campo com novas informações documentais e musicais. Em especial, o trabalho busca divulgar dados inéditos sobre sua vida e analisar a peça Muita Bossa Brasileira, do álbum Bossa Nova (1962), por meio de transcrição e breve análise harmônica. A metodologia adotada é qualitativa, com base em pesquisa bibliográfica e documental (Santos, 2002; Severino, 2007), incluindo levantamento de trabalhos acadêmicos em três idiomas, análise de sites e blogs, entrevista com a viúva Anne Sete, e consulta ao acervo da Rádio Nacional. A transcrição musical seguiu os princípios de Barbeitas (2000), visando manter a fidelidade idiomática ao fonograma, com suporte técnico-metodológico baseado em Virgílio (2018). A análise harmônica utilizou como referência o método de Ian Guest (2006). Os resultados incluem um panorama biográfico detalhado de Bola Sete, com novas informações sobre sua infância, formação, carreira internacional e colaborações, além da transcrição e análise formal, harmônica e improvisativa de Muita Bossa Brasileira. A análise revela influências do choro, samba e jazz, e mostra como Sete mesclava elementos desses gêneros de forma criativa e virtuosa. Conclui-se que há grande necessidade de mais estudos sobre sua obra, especialmente no que tange à produção de partituras e análises musicais sistematizadas.
Este trabalho é um debate sobre a canção Cravo e Canela (1972), considerando aspectos da trajetória de Milton Nascimento e pressupostos estéticos e identitários do movimento Clube da Esquina. Investigamos como a canção tem sido associada ao samba e ao congado na literatura especializada. A partir dos conceitos de musicalidade (Piedade, 2013) e musemas (Tagg, 2003), propomos uma escuta analítica que articula elementos estruturais, rítmicos e simbólicos. Evidenciamos como a obra mobiliza diferentes matrizes musicais para construir uma estética híbrida, atravessada por tensões entre identidade cultural, invenção de tradições e estratégias da indústria fonográfica.
A internalização musical pelo baterista através do canto de levadas, fraseados e melodias
Bateristas são submetidos muitas vezes a um aprendizado que prioriza a coordenação motora e aspectos sonoros ficam em segundo plano. Isso é contrário ao que ocorre em muitas culturas pelo mundo nas quais a internalização musical se dá inicialmente pelo som e em seguida é repassada para o instrumento, especialmente na execução de instrumentos de percussão. Observamos também que grandes bateristas recomendam o ato de vocalizar sons como estudo primário como espécie de “segredo” para suas performances. O objetivo deste trabalho é compreender como bateristas renomados entendem a vocalização como uma ferramenta de internalização musical. O processo metodológico passou pela revisão bibliográfica sobre culturas que usam desse sistema de internalização e pela revisão videográfica de entrevistas com bateristas que destacam a importância de cantar “tudo o que tocam”. Esses bateristas indicam que esse processo de vocalizar é de fundamental importância para uma performance “mais musical”, conectada com a música e com os outros instrumentistas. Essa vocalização se dá de duas maneiras principais: pelo canto de onomatopeias dos sons do instrumento (levadas e fraseados) e pelo canto de melodias como acompanhamento de estudos.
A institucionalização da música popular em ambientes de ensino formal no Brasil (1980-1990):
Este trabalho é um recorte de uma pesquisa sobre a história do Conservatório de Música Popular de Curitiba (CMPB), que aborda um movimento de institucionalização da música popular nos espaços de ensino formal, observado no período entre o final da década de 1980 e início da década de 1990 em todo o país. Partindo de reflexões de autores como Renato Ortiz (1995) e Marcos Napolitano (2002), sobre a cultura nacional e a música brasileira, é possível traçar um cenário de transformação. Com o apoio de autores que mostram a história de conservatórios de música de concerto europeia, que no mesmo período abriram espaço para a música popular, este texto analisa alguns aspectos do ambiente no qual o CMPB está inserido.
Este trabajo presenta los resultados de un estudio comparativo sobre la música litoraleña, con un enfoque específico en la guarania y su transformación vocal a lo largo del tiempo. Mediante herramientas de análisis técnico-vocal aplicadas al repertorio popular, se realizó el estudio comparativo de distintas versiones de la canción "Ñane Aramboha", producidas en tres períodos históricos: 1930-1970, 1980-1990 y 2000-presente. El objetivo fue identificar cómo los comportamientos vocales e interpretativos de la guarania han evolucionado a lo largo de las décadas, describiendo cómo estos elementos se mantienen, transforman o desaparecen. Los resultados preliminares revelan diferencias significativas en los vibratos y algunos ajustes tímbricos y de sonoridad, observándose una transición hacia estilos más abiertos en las grabaciones de las décadas más recientes. Además del aspecto musical, se busca construir una narrativa que dialogue con los procesos históricos y socioculturales que llevaron a la guarania a su consagración como género emblemático del Paraguay.
Representações do feminino na obra de Fátima Guedes:
Este artigo analisa a canção “Cara a Máscara” da compositora carioca Fátima Guedes sob uma abordagem cancional e do gesto vocal, buscando compreender de que forma as questões de gênero atravessam suas composições e contribuem para a representação da subjetividade feminina na música popular brasileira. A investigação parte da constatação do apagamento de compositoras na historiografia da música popular e da necessidade de valorizar suas contribuições artísticas. O artigo divide-se em três partes: (1) fundamentação teórica sobre discussões de gênero e música popular brasileira; (2) estudo das bases analíticas da canção e do comportamento vocal, a partir da Semiótica da Canção, de Luiz Tatit, e da Semiótica do Canto Popular, de Regina Machado; e (3) análise da canção selecionada. Nossos resultados apontam para como, por meio da relação entre letra, melodia e interpretação vocal, Fátima Guedes articula narrativas que contribuem para a representação de um feminino plural e multifacetado na canção popular brasileira.
A presente comunicação trata essencialmente sobre a produção criativa da mestra paraibana Odete de Pilar. O trabalho objetiva refletir, no universo do coco e da ciranda da Paraíba, sobre criação musical na música participatória (Turino, 2009), aspectos criativos sob a ótica da “oralitura” e das “poéticas do tempo espiralar” de Martins (2021), possíveis relações de “autoralidade” e “movência” (Zumthor, 1993), e mais brevemente sobre a participação da mestra na indústria cultural. Metodologicamente, está assentado no trabalho de campo realizado até o momento, e na transcrição e análise de gravações. As conclusões possíveis são de uma reinvidicação da natureza criativa da mestra em um contexto de cultura tradicional, e da necessidade de enaltecimento de seu capital simbólico na participação cultural coletiva midiatizada
Free jazz, cena virtual de uma escuta pedagógica
Partindo da ideia de cena política ou virtual em Jacques Rancière, o artigo busca demonstrar como a improvisação coletiva pode contribuir para redefinir ao menos dois aspectos considerados importantes para uma educação emancipatória no contexto da América Latina. O primeiro diz respeito a uma mudança de paradigma na posição de autoridade do educador. O segundo implica na facilitação do acesso ao conhecimento. Essas ideias vão de encontro não somente a um resgate histórico do free jazz, estilo estadunidense de improvisação coletiva, mas também às práticas inclusivas com base na escuta pedagógica dos parâmetros sonoros.
Este artículo enfoca el tema de la cantautoría en el Uruguay, destacando a los músicos de la llamada “Generación del 77”, cuya producción inicia en el período de la dictadura cívico-militar en dicho país. Nos hace reflexionar sobre cómo el propio cantar – el mero timbre de la voz y la conducta vocal asociada – articula características estéticas que son producto de elecciones vinculadas a aspectos de la vida social y a los procesos que pautan la política y la cultura del momento histórico en que se concentra su creación musical, tomando los casos de Leo Maslíah y Fernando Cabrera como prioritarios al análisis. En paralelo a la discusión que parte de la narrativa contemporánea de la historiografía de la música popular del Uruguay y a la orientación del musicólogo Coriún Aharonián, el estudio utiliza las opiniones de los mismos músicos al respecto y opiniones de la crítica retiradas, principalmente, de la prensa especializada.
O presente trabalho busca compreender como determinadas dinâmicas de opressão de gênero podem atravessar práticas de ensino vocal, particularmente em contextos ligados ao canto na música brasileira popular (Ulhôa, 1999). O objetivo é identificar mecanismos de silenciamento e normatização presentes nas práticas pedagógicas vocais, bem como propor estratégias que favoreçam uma educação vocal comprometida com a agenda feminista decolonial. A pesquisa se fundamenta em um referencial teórico que entrecruza os campos da educação, da educação musical e dos estudos de gênero e sexualidade. São utilizadas frentes teóricas como feminismo decolonial (Lugones, 2020), pensamento decolonial (Mignolo, 2017) e discussões envolvendo ensino de música como cultura (Queiroz, 2017). Os resultados apontam para a permanência de lógicas patriarcais e coloniais nos modos de ensinar e avaliar o canto, privilegiando um ideal vocal normativo, eurocentrado e masculinista. Como conclusão, defendemos a construção de práticas pedagógicas vocais que acolham a pluralidade de vozes e subjetividades, tensionem os padrões hegemônicos e promovam espaços de escuta, criação e resistência nas experiências educativas em música.
Estudos de gênero e feminismos na música
Este trabalho integra uma pesquisa mais ampla que busca (re)conhecer a sociogênese do conhecimento acadêmico em Música no Brasil, na inter-relação com os Estudos de Gênero e Feminismos. Como primeira etapa, buscamos comunicações publicadas nos anais do Congresso da ANPPOM entre 2013 e 2023. De um total de 197 trabalhos inicialmente encontrados, selecionamos 165, publicados como comunicação em Subáreas, Simpósios Temáticos e Eixo Temático. Para iniciar nossa análise, definimos categorias, tais como autoria, filiação institucional, região geográfica, Subárea e/ou Simpósio Temático, nível de ensino e temática emergente em elementos pré-textuais — título, resumo e palavras-chaves. Como resultados, destacam-se as Subáreas da Educação Musical e Musicologia/Musicologia e Estética Musical, assim como Simpósios Temáticos vinculados a temáticas das relações de gênero e feminismos. Nas palavras-chaves, sobressaem-se cinco temáticas mais citadas: “gênero”, “mulheres”, “música brasileira e estudos de gênero”, “feminismos/s, funk, canção popular e performance” e “educação musical”. A maior parte dos trabalhos é oriunda de instituições de ensino superior, principalmente da região Sudeste, seguida do Nordeste. Esses trabalhos constituem espaço de expressão e resistência às desigualdades de gênero que atravessam culturas e relações sociais.
Ensino de música no conservatório e questões de gênero em demandas normativas e emancipatórias
Reflete-se sobre o ensino de música no conservatório e questões de gênero, fomentando-se a mediação pedagógica diante das demandas normativas e emancipatórias. São suscitados dados de uma pesquisa de doutorado já concluída (2020-2024) e diálogos com Jorge Luiz Schroeder e Silvia Cordeiro Nassif, especificamente sobre suas noções de “corporalidade musical” e “musicalidade”, que possibilitam aprofundamentos teóricos e analíticos sobre o ensino especializado de música e compreensões não pétreas sobre corpo, instrumento e música, assumindo-se o viés plurissignificativo e plurilinguístico das vivências e enunciados artístico-musicais, em relações estéticas e de ensino-aprendizagem. Os dados analisados possibilitaram demostrar que a disciplina de história da música vem sendo tomada para discutir questões relativas ao machismo, homofobia, invisibilidade e ausência das mulheres; e a disciplina de canto coral tem propiciado discussões sobre fisiologia da voz, transgeneridade e corpo. Constata-se que a politização quanto ao gênero pode se dar na potencialização da mediação pedagógica, que não deve ser romantizada, mas usada criteriosamente a favor da inclusão, diversidade e pluralidade dos corpos, músicas e instrumentos: pela propagação de conhecimentos técnicos, teóricos e práticos. Em termos mais abrangentes, o conservatório se evidencia enquanto espaço complexo, não generalizável, passível de críticas e entendimentos naquilo que diz respeito às normas binárias nas escolhas das modalidades (instrumentos e canto), repertórios, áreas de atuação e sentidos musicais, que podem ser lidos no amalgamento entre música e gênero.
Este trabalho propõe uma análise político-identitária de Geni, de Ópera do Malandro (1978), de Chico Buarque, considerando a construção e complexificação da personagem a partir da relação dramaturgia, música e cena, com enfoque na canção Geni e o Zepelim. Para isto, foi feito um estudo utilizando como material as interrelações entre estes vetores (propostas enquanto a polissemia estrutural [Gouveia, 2004]) na investigação do lugar de dissidência que Geni ocupa na peça e no contexto em que ela foi publicada, bem como os desdobramentos de seu discurso no imaginário social do “ser travesti” – com implicações artísticas e sociais que, a despeito da distância temporal, alcançam a contemporaneidade.
Música, envelhecimento e necessidades psicológicas básicas
Esta comunicação apresenta resultados parciais de uma dissertação de mestrado em andamento que investiga as motivações de mulheres com 60 anos ou mais para aprender violão em uma escola particular de música na cidade de Natal (RN). A pesquisa está ancorada na Teoria das Necessidades Psicológicas Básicas (autonomia, competência e pertencimento), proposta por Deci e Ryan, e adota uma abordagem qualitativa dividida em duas etapas: um questionário on-line (n=10) e entrevistas semiestruturadas com quatro alunas (duas já analisadas). Os dados evidenciam que as participantes valorizam a liberdade para escolher repertório e ritmo de aprendizagem, sentem orgulho do progresso técnico alcançado e reconhecem o papel central do acolhimento e da convivência intergeracional em sua permanência no curso. Para essas mulheres, o aprendizado do violão é um gesto de afirmação pessoal, realização de antigos desejos e construção de novas formas de pertencimento social. A análise parcial sugere que ambientes pedagógicos que atendem simultaneamente às três necessidades psicológicas básicas favorecem o engajamento e o bem-estar emocional das alunas idosas. Ao promover escuta ativa, respeito e vínculos afetivos, a escola estudada mostra que a educação musical pode ser um espaço de transformação e reconhecimento na velhice.
Experiências do I Encontro de Música, Educação e Gênero da UFPI
Este trabalho tem como objetivo geral apresentar algumas reflexões sobre as experiências do I Encontro de Música, Educação e Gênero da Universidade Federal do Piauí (EMEG/UFPI), realizado em 2025. Como objetivos específicos ele busca relatar as atividades desenvolvidas no evento em diálogo com as teorias contemporâneas de gênero e apresentar os encaminhamentos da primeira edição do EMEG/UFPI. O embasamento teórico se apoia em autoras que discutem questões de gênero e sexualidade, como Joan Scott (1986) e Judith Butler (2003), e autoras periféricas do Sul Global que ampliam os debates de gênero com as categorias raça/etnia e classe social, como Sueli Carneiro (2020) e Lélia González (2020). Também são referências autoras que discutem gênero, corpo e sexualidade na universidade, como Laila Rosa e Isabel Nogueira (2015). Destaca-se ainda a contribuição de Lucy Green (2001), cuja obra Música, género y educación inspirou o nome do evento e oferece uma perspectiva interdisciplinar entre Música, Gênero e Educação. Entre os encaminhamentos do I EMEG/UFPI, estão: elaboração de um relatório final; articulação com docentes, profissionais, estudantes e instituições para ampliar as discussões sobre gênero; produção de materiais educacionais e incentivo à pesquisa acadêmica com produção científica sobre o tema.
Sâmia Maria Costa Rodrigues Lima Cantuário
Mulheres na Licenciatura em Música EaD da UERN
Esta comunicação apresenta resultados parciais de uma pesquisa que visa analisar os desafios e as possibilidades de acesso à pesquisa acadêmica por mulheres cisgênero no curso de Licenciatura em Música na modalidade EaD da Universidade Estadual do Rio Grande do Norte – UERN. Com base na convivência cotidiana e na observação participante de três alunas, investiga como múltiplas jornadas, sobrecarga doméstica, maternidade atípica e limitações tecnológicas e logísticas influenciam suas trajetórias acadêmicas e seus primeiros passos na pesquisa. A análise se insere no contexto da implementação do novo marco regulatório da EaD (Decreto nº 12.456/2025), que redefine parâmetros de estrutura e funcionamento dos cursos superiores. Embora traga avanços, pode acentuar desigualdades se não forem criados incentivos específicos à pesquisa e à permanência de grupos vulnerabilizados. O estudo examina essas questões à luz da necessidade de políticas institucionais voltadas para a equidade e o estímulo à produção científica feminina. Para dar suporte à pesquisa, foram utilizados dados do IBGE que tratam da presença da mulher na educação superior e da sua dedicação aos cuidados domésticos e familiares. Apesar disso, enfrentam barreiras para a inserção científica, sobretudo em áreas com menor presença de mulheres. Propõe-se que as estratégias de incentivo à pesquisa considerem essas vivências múltiplas, promovendo condições mais equitativas para o engajamento e desenvolvimento acadêmico dessas futuras docentes.
Este estudo integra uma pesquisa mais ampla desenvolvida pelo Grupo de Pesquisa XXXXXXXXXX, que investiga as estratégias simbólicas do agronegócio nos campos da cultura, da educação e da música. O foco desta comunicação é a análise preliminar do clipe de duas canções do subgênero agronejo: “As menina da pecuária” (Ana Castela e Léo e Raphael) e “Os menino da pecuária” (Léo e Raphael). O objetivo é compreender como essas obras promovem modelos específicos de feminilidade e masculinidade sintonizados com os valores ideológicos do agronegócio, como produtividade, consumo, rusticidade e ostentação. As letras exaltam uma ruralidade modernizada, em que mulheres são erotizadas e domesticadas, e homens são viris, trabalhadores e bem-sucedidos. As canções, amplamente difundidas em plataformas digitais e eventos agropecuários, contribuem para a naturalização de papéis de gênero alinhados à lógica do agro, funcionando como dispositivos pedagógicos de formação afetiva e ideológica. O estudo propõe que a Educação Musical promova escutas críticas, problematizando os sentidos veiculados por esses repertórios e tensionando a hegemonia simbólica do agronegócio.
O artigo apresenta uma revisão bibliográfica que interliga feminismos e estudos decoloniais à educação musical e pedagogia vocal, com o objetivo de auxiliar educadores na ressignificação de suas práticas a partir dos debates sobre opressão de gênero e sexualidade. A fundamentação teórica inclui conceitos do feminismo decolonial (Lugones, 2020), do ecofeminismo (Dias, 2023; Colerato, 2021) e da educação musical contemporânea, como patriarcado musical (Queiroz, 2017, Green, 2017). A pesquisa examina de que maneira a opressão de gênero se manifesta no ensino do canto popular no Brasil e discute suas implicações para práticas pedagógicas mais inclusivas e emancipatórias.
Trajetórias de mulheres violonistas no Ensino Superior
O presente artigo integra um projeto de Iniciação Científica em andamento e tem como objetivo contribuir para as discussões sobre gênero e representatividade feminina na música. A pesquisa desenvolve um estudo de caso, cuja unidade de análise é composta por alunas do curso de Licenciatura em Música com Ênfase em Violão da Universidade XXXX ativas no período de 2006 a 2024. A coleta de dados foi realizada através de pesquisa documental e da aplicação de um questionário semi-aberto direcionado às alunas. A análise foi conduzida em duas partes: a primeira relativa aos dados quantitativos colhidos através dos documentos de registros acadêmicos, e a segunda relativa à parte aberta dos questionários, utilizando o método de análise de conteúdo proposto por Bardin. As análises foram feitas articulando referenciais teóricos como Green (1997), Bourdieu (2012), Neiva (2015), Amaral (2017) e Recôva (2019), visando compreender como a violência de gênero afeta a trajetória de mulheres violonistas no contexto acadêmico. Os resultados evidenciam a forma como as estudantes percebem suas experiências formativas e os papéis que lhes são atribuídos enquanto instrumentistas, destacando a importância de visibilizar as vozes e vivências de mulheres violonistas no ensino superior.
Tia Amélia - estratégias de ocupação dos espaços artísticos majoritariamente ocupados por homens
O presente artigo analisa as estratégias de ocupação dos espaços artísticos predominantemente ocupados por homens, utilizados por Tia Amélia, para firmar sua carreira desde meados da década de 1920 até o fim de sua vida artística no início da década de 1980. Para isso analisamos o contexto social, musical e feminista de cada período de sua vida, baseados em sua história de vida.
Este trabalho tem por objetivo refletir sobre a trajetória de Maria Helena da Costa, compositora brasileira que teve intensa atividade durante a década de 1970 e de quem não se tem informações atualmente. O texto é fundamentado nos estudos sobre biografia musical. A primeira parte apresenta uma narrativa biográfica parcial da compositora, a partir do rastreamento de informações em jornais, programas de concerto e depoimentos. A segunda parte apresenta uma descrição da obra de música-teatro Centone (1976), como forma de refletir sobre alguns aspectos de sua linguagem composicional.
Levantamento de obras para percussão orquestral escritas por mulheres
Este artigo resulta de uma pesquisa que realizou um levantamento de obras para percussão orquestral solo de mulheres latino-americanas e caribenhas. Além de inventariar, localizar e catalogar as obras, refletimos sobre a invisibilidade e ausência de compositoras mulheres no repertório canônico da música de concerto. Almejamos facilitar o acesso às obras das compositoras latino-americanas e caribenhas e contribuir para a superação da desigualdade de gênero na área de Música. A pesquisa é qualitativa e sua metodologia é exploratória, recorrendo a diversas fontes como acervos digitais, periódicos, bibliotecas e contato direto com compositoras, editoras e percussionistas. O trabalho dialoga com a literatura sobre música e mulheres, deparando-se, a partir disso, com duas questões: a invisibilidade das mulheres como compositoras na história da música e as dificuldades enfrentadas por mulheres nas práticas musicais, especificamente na área de percussão.
Violência simbólica de gênero contra mulheres musicistas compositoras: uma revisão de escopo
A violência simbólica de gênero contra mulheres musicistas compositoras é um tema complexo e faltam discussões aprofundadas sobre o tema. Tem como objetivo, mapear o estado da arte no campo de estudo sobre a violência simbólica de gênero contra mulheres compositoras. A metodologia aplicada foi a scoping review, em 10 bases de dados científicas, com os descritores violência de gênero, mulheres, música. Não foram encontrados artigos científicos sobre o assunto, mas foram analisadas produções correlatas que se aproximam da busca. Faz-se, portanto, necessária a produção de pesquisa acadêmica sobre a influência da violência simbólica de gênero no fazer musical feminino e suas implicações.
O presente artigo debate as análises historiográficas que vêm sendo realizadas na pesquisa em andamento sobre Zaíra de Oliveira, primeira cantora negra a se apresentar no Theatro Municipal do Rio de Janeiro e que teve papel importante na indústria fonográfica entre os anos de 1920 e 1940, sofrendo em sua última década de vida um expressivo apagamento. Com o objetivo de compreender os fatos que contribuíram para seu silenciamento, a pesquisa explora – através de levantamento documental e revisão bibliográfica – a historiografia da referida intérprete pelo prisma do feminismo negro, trazendo para a análise autoras expoentes do referido movimento (Ângela Davis, bell hooks, Patrícia Hill Collins, Djamila Ribeiro, Lélia Gonzalez). Neste processo, o estudo vem evidenciando a necessidade premente de reescrita das narrativas afrodiaspóricas, visando contextos raciais mais igualitários em nossa sociedade contemporânea.
Maestra Dinorá de Carvalho e a Orquestra Feminina de São Paulo: memória, protagonismo e apagamento histórico
Este artigo examina a atuação da maestra Dinorá de Carvalho (1895–1980) à frente da Orquestra Feminina de São Paulo, discutindo as condições de emergência, o protagonismo e o posterior apagamento histórico dessa formação pioneira. Embora reconhecida como compositora, pianista e educadora, sua contribuição como regente ainda é pouco explorada. Fundada na década de 1930, a Orquestra Feminina foi a primeira da América do Sul composta exclusivamente por mulheres, representando um marco na inserção feminina na música de concerto. A pesquisa adota abordagem histórica e documental, com base em recortes de jornais da época, programas de concerto e fontes secundárias. A análise revela aspectos do funcionamento da orquestra, repertório e recepção crítica, além dos mecanismos que levaram à sua invisibilização. Resgatar a atuação de Dinorá como regente contribui para uma memória musical mais inclusiva, reconhecendo o protagonismo feminino historicamente silenciado.
O objetivo deste trabalho é refletir sobre as relações entre cânone musical, performance e feminismo, propondo a ideia de uma performance feminista. O texto contextualiza o processo histórico de exclusão das mulheres na tradição da música clássica ocidental, problematiza a construção do cânone e do papel do performer e propõe como a performance pode atuar como um espaço de resistência e transformação.
Trajetória musical, mulheres do carimbó e feminismos
Este texto é uma reflexão que se deu a partir dos estudos abordados nas aulas da disciplina “Práticas musicais e feminismos” no Pragrama de Pós-Graduação em Música na Amazônia. Os autores e as autoras abordadas, bem como Joan Scott, Donna Haraway e os estudos sobre interseccionalidade de Kiberle Crenshaw, Carla Akotirene, Laila Rosa e Isabel Nogueira, nas quais abordam as perspectivas feministas e pós-coloniais. Assim, abordarei minha trajetória musical, trazendo reflexões das experiências desde a infância até o momento da elaboração deste artigo. Além disso, destaco a ideia de formar um grupo de mulheres para tocar carimbó em Santarém Novo, o grupo Manas do Zimba e o processo de aprendizado musical. A mudança musical aconteceu de forma individual e com o pensamento coletivo, como cada uma foi se especializando em um instrumento e contribuindo para crescimento do grupo. Nessa perspectiva enfatizo também minha atuação no fazer musical em consonância com os estudos feministas que trazem perspectivas sobre identidades culturais e a importância da diversidade de experiências. A trajetória de uma mulher notável, mestra Bigica, destacando as lutas das mulheres no carimbó, evidenciando a necessidade de reconhecer sua contribuição na música e na cultura. Essas reflexões culminaram em um desejo de tornar o espaço acadêmico mais inclusivo, reconhecendo e valorizando o trabalho de mulheres na música.
A densidade sonora como ferramenta de construção da estrutura do discurso musical orquestral na obra Soterofonia de Lindembergue Cardoso
Esta comunicação apresenta resultados parciais de uma pesquisa de mestrado em andamento voltada à investigação da densidade sonora no contexto da música orquestral. O estudo tem como objetivo compreender como o pensamento criativo composicional emprega a densidade sonora como recurso de estruturação formal e gestual do discurso musical. Para isso, adotou-se uma abordagem analítica de base estruturalista aplicada à obra Soterofonia, do compositor baiano Lindembergue Cardoso. A análise da primeira seção da obra foi conduzida por meio da extração de dados quantitativos e qualitativos, considerando os parâmetros de intensidade, timbre e âmbito sonoro. Os resultados obtidos evidenciam a relevância da densidade sonora na construção do formal e gestual do discurso sinfônico. As informações foram organizadas em gráficos vetoriais que integram diferentes índices mensuráveis do fenômeno sonoro e, articuladas com a interpretação qualitativa, permitem uma compreensão mais profunda do papel da densidade na orquestração, além de apontarem novas possibilidades para o pensamento criativo composicional/orquestral.
Convergências e divergências entre procedimentos organizacionais:
Este artigo realiza uma análise comparativa entre aspectos da Teoria Pós-Tonal, da Teoria dos Contornos e do Sistema Schillinger de Composição Musical, focando nas deferentes abordagens relativas ao parâmetro altura. O objetivo é identificar pontos de contato entre as referidas teorias para fundamentar uma possível e futura abordagem pedagógica mais plural e flexível no ensino de composição. A metodológica justapõe alguns dos procedimentos de cada teoria para agrupar e transformar o material sonoro. Os resultados apontam para semelhanças operacionais, revelando que, apesar das diferentes premissas, as teorias empregam alguns procedimentos semelhantes. Conclui-se que as convergências identificadas permitem a aplicação combinada dessas abordagens no ambiente de ensino, enriquecendo o repertório técnico-metodológico disponível e promovendo uma prática docente mais consciente e adaptável.
Este artigo apresenta um recorte da pesquisa de mestrado profissional do autor, centrada na elaboração de arranjos para violão solo a partir de obras de compositores oriundos da região sul fluminense do estado do Rio de Janeiro. O foco recai sobre a peça Jaama Frevo, de Marcelo Nami. O objetivo foi transcrever a obra, originalmente gravada com instrumentação variada, e arranjar para o violão solo. A metodologia adotada seguiu três etapas: transcrição auditiva a partir fonograma original, elaboração do arranjo e entrevista com o compositor. A escolha pela transcrição auditiva visou captar nuances interpretativas e estilísticas da gravação. A entrevista com Nami revelou suas inspirações pessoais e musicais, além de contextualizar a criação de Jaama Frevo, composta após uma experiência no Senegal. Conclui-se que o trabalho contribui para o avanço dos conhecimentos na área de processos criativos e tem potencial para expandir o repertório violonístico brasileiro, além de colocar em evidência obras de compositores oriundos de regiões afastadas dos grandes centros.
Este trabalho consiste em uma análise da abertura da ópera Guarany de Carlos Gomes, em comparação com a obra literária O Guarani de José de Alencar, sugerindo uma relação da imagem sonora presente na obra musical. Abordando a temática nacional na literatura romântica, a abertura traz elementos que ilustram o retrato de uma identidade nacional propagada para o mundo, fruto da miscigenação entre os portugueses e indígenas nativos. Essa narrativa permite que a abertura seja analisada considerando seu caráter imagético visual que cada uma de suas passagens representa, seja pelo uso dos leitmotivs (baseando-se na descrição de Hans von Wolzogen para tal análise) que caracterizam as personagens, os sentimentos ou locais, através dos temas principais, modulações, transições e expansões percebidas
Estratégias estruturais e traços latinoamericanos em Danza del viejo boyero de Alberto Ginastera
Resumo. Tendo por objetivo contextualizar e apresentar uma análise de Danza del viejo boyero, primeira peça da obra Danzas Argentinas (1937), de Alberto Ginastera, propomos uma visão geral de influências que moldaram seu estilo composicional e uma análise estrutural. A contextualização histórica parte do pressuposto de que a música na América Latina gerou propostas próprias, que estabelecem um jogo dialético entre o autóctone e o importado. Ginastera integra a quarta geração de compositores nacionalistas argentinos e fundiu elementos do folclore argentino com técnicas composicionais modernas, experimentando, ao longo de sua trajetória, uma transição por diferentes fases estilísticas. Assim, passou de um nacionalismo objetivo para um estilo mais subjetivo, chegando, por fim, ao que denominou período neoexpressionista. Nas Tres Danzas Argentinas, Ginastera explora padrões rítmicos associados a danças tradicionais argentinas, como a zamba e o malambo, combinados a uma escrita pianística virtuosística, que reflete, por meio de diferentes articulações, o caráter dos personagens e os cenários evocativos. Um gráfico neo-schenkeriano revela relações internas da música, uma vez que o compositor manteve um enfoque rigoroso na estrutura de suas composições.
Organização de alturas na obra Symphonies d’Instruments à vent, de Igor Stravinsky
Resumo. O presente trabalho propõe uma análise da obra Symphonies d’Instruments à vent (1920), de Igor Stravinsky, com foco em aspectos formais e no tratamento do material de alturas. A investigação contempla parâmetros concernentes tanto à segmentação e às funções formais, quanto ao material de alturas, incluindo coleções referenciais, esquemas bi-quintais e conjuntos de classes de alturas. A análise revela correlações significativas com obras do período russo do compositor, a partir da metodologia adotada. A fundamentação teórica baseia-se, sobretudo, na abordagem dos modelos bi-quintais, conforme apresentados por Joseph Straus (2014), utilizados como recursos analíticos centrais.
Este artigo analisa a peça coral Túntun Balágon (Firefly) de Nilo Alcala e Joey Vargas. O estudo explora a forma musical, técnicas composicionais e a temática textual da obra. Justifica-se pela necessidade de expandir a perspectiva acadêmica para além do repertório eurocêntrico, valorizando a música filipina. A metodologia aplica ferramentas analíticas ocidentais a uma obra não ocidental, buscando compreender a articulação de elementos pós-tonais com referências culturais filipinas, enriquecendo o cenário contemporâneo e testando a aplicabilidade de métodos.
Uma perspectiva histórico-analítica da orquestração na música orquestral brasileira
Este artigo apresenta uma revisão bibliográfica sistemática da produção analítica sobre música orquestral brasileira, com ênfase nas abordagens voltadas à orquestração. Diante da escassez de estudos específicos sobre esse tema, a pesquisa buscou mapear e classificar a literatura existente, destacando os principais compositores, recortes estéticos e tendências analíticas. Foram identificados 138 trabalhos referentes a 34 compositores, com especial atenção aos 20 textos focados em análise de orquestração. Os dados foram organizados em categorias temáticas, temporais e tipológicas, permitindo uma visão ampla e crítica. A análise revelou lacunas importantes, como a baixa incidência de estudos sobre compositores contemporâneos e a predominância de abordagens generalistas. Este levantamento busca contribuir para a ampliação do debate sobre a análise de música orquestral no Brasil, oferecendo subsídios para futuras investigações no campo da análise musical, da composição e da pedagogia da orquestração.
Um dos principais compositores brasileiros da virada do século XIX para o século XX, Henrique Oswald se destaca por sua refinada escrita para piano. Fortemente influenciado pelo romantismo europeu, compôs obras em diversos gêneros pianísticos consagrados no século XIX, como scherzi, noturnos e barcarolas. No presente artigo, temos por principal objetivo investigar procedimentos formais e harmônicos característicos de Oswald a partir da análise de suas três barcarolas para piano publicadas: Op. 4/5 (1887), Op. 14/4 (1890) e Sur la Plage, Op. 33/1 (1902). Valemo-nos, para a análise harmônica, tanto da abordagem funcional de Schoenberg (2004[1948]), como da abordagem linear de Berry (1987[1976]); e, na análise formal, de bases teóricas encontradas em Spencer & Temko (1994[1988]), em Schoenberg (1996[1937-1948]) e em Caplin (1998). As três barcarolas apresentam formas ternárias compostas, apresentando suas maiores diferenças formais, sobretudo, em suas respectivas seções de recapitulação. Há também uma aparente predileção por frases organizadas como sentenças. Quanto à sua linguagem harmônica, reconhecemos procedimentos típicos de uma tonalidade expandida, com harmonias resultantes de contrapontos cromáticos (cf. Berry 1987[1976]) e de encadeamentos parcimoniosos (cf. Cohn 2012), modulações para regiões de homônimas e relativas e usos heterodoxos de dissonâncias, que resultam em harmonias ambíguas. Com essas análises, pretendemos contribuir para o estudo da obra e da linguagem deste importante compositor, dando subsídios tanto para uma contextualização de sua técnica em meio aos demais compositores que o influenciaram, como para viabilizar estudos voltados a ainda outros gêneros praticados por Oswald.
Este artigo investiga o processo criativo e o desenvolvimento de uma arquitetura computacional para a elaboração da obra eletroacústica eco queen vs marks desenvolvida através de cadeias de Markov implementadas em Python. O objetivo é examinar como algoritmos probabilísticos podem ser empregados na criação musical contemporânea, integrando aspectos técnicos de extração de características espectrais, síntese concatenativa e análise de clusters. A metodologia combina fundamentação teórica sobre processos estocásticos em música com desenvolvimento prático de sistema de composição algorítmica. A obra resultante demonstra propriedades emergentes características da música eletroacústica, revelando potencial criativo da aleatoriedade controlada. Os resultados apontam para possibilidades expressivas na composição algorítmica, questionando paradigmas tradicionais de autoria musical.
Estratégias lineares no tema marcial da Sonata para violino e piano, de Galina Ustvolskaya
Este trabalho propõe uma análise de estratégias lineares no tema marcial da Sonata para violino e piano, de Galina Ustvolskaya (1952), valendo-se de recursos do gráfico em multiníveis segundo uma abordagem neo-schenkeriana. O objetivo central constitui em investigar os elementos estruturais e as relações contrapontísticas não ortodoxas que emergem da interação entre os conjuntos utilizados em um dos momentos mais decisivos da sonata: a seção marcial. A partir dessa abordagem, busca-se compreender com maior profundidade os procedimentos composicionais empregados por Ustvolskaya para sua articulação entre o idiossincrático e o convencional. Objetiva-se, ainda, identificar alguns dos recursos estruturais que permitiram a construção coesa dessa sonata, que se ancora na tradição harmônica, mas gera resultantes sonoras marcadas por forte dissonância e desafia as expectativas tradicionalmente associadas à forma sonata.
O presente artigo aborda o apagamento histórico do modalismo nos estudos teóricos da música ocidental, onde o viés eurocêntrico e evolucionista favoreceu o sistema tonal maior-menor como paradigma único. São examinadas as transformações da teoria musical desde os modos diatônicos eclesiásticos até a consolidação do sistema tonal. São apresentados autores e tratados que buscaram integrar os modos em uma abordagem harmônica mais ampla, bem como reflexões contemporâneas que indicam a necessidade de uma teoria modal funcional, capaz de abarcar práticas harmônicas modais presentes em gêneros musicais contemporâneos, além da inclusão do modalismo nos currículos acadêmicos com o mesmo rigor e profundidade aplicados à tonalidade.
O intervalo singular como articulador da funcionalidade harmônica
Este trabalho investiga o papel do intervalo singular — definido na escala diatônica como o intervalo de trítono — na articulação da funcionalidade harmônica em contextos modais. O trítono, por sua raridade e capacidade de fornecer referências intervalares, é crucial na percepção de centros tonais e hierarquias funcionais. A pesquisa critica a noção convencional de que os modos naturais seriam destituídos de progressão ou funcionalidade harmônica. A partir dos conceitos de funcionalidade intervalar e altura característica, o trabalho identifica, em cada modo, pares de acordes contendo essa altura-chave, constituindo assim a função Dominante. Conclui-se que a funcionalidade harmônica não é exclusiva do sistema tonal maior-menor, mas pode ser compreendida como um fenômeno intervalar e contextual mais amplo, sendo o trítono o agente principal na definição da função harmônica nos modos naturais.
Este trabalho faz parte de uma pesquisa que investiga processos interartísticos. Nele, objetiva-se identificar correspondências formais entre o poema Llegó con tres heridas , de Miguel Hernández, e o Preludio Epigramático No. 6 , de Leo Brouwer. A investigação parte do conceito de écfrase como a representação de uma obra composta em uma mídia por meio de outra, conforme proposto por Siglind Bruhn (2000), constituindo-se em uma pesquisa exploratória interdisciplinar. Identificaram-se três relações potenciais: a construção a partir de poucos elementos recorrentes, a reorganização destes elementos no decorrer do discurso poético e musical e a centralidade da ideia de tríade, sugerida pela imagem poética das “três feridas” (amor, morte e vida). Embora tais relações não sejam diretas ou inequívocas, a organização do discurso musical permite compreendê-lo como uma transposição do poema. Resultados preliminares indicam a necessidade de aprofundamento da pesquisa, a fim de identificar outras correspondências formais e investigar como ocorre a transposição de significados simbólicos entre as mídias. Além disso, pesquisas futuras poderão contemplar as possíveis implicações desta abordagem para a interpretação musical e para a compreensão da obra poética, bem como as relações entre o conceito de écfrase e outros conceitos da teoria e análise musicais.
Retrato é uma canção de Ronaldo Miranda para voz e piano com poesia de Cecília Meireles. A obra, escrita na juventude do compositor, possui uma estrutura complexa, embasada em diversos recursos estilísticos, harmônicos, melódicos e poéticos. Seguindo a tradição de canção de câmara brasileira, essa obra também possui algumas transposições alternativas para melhor adequação vocal, ressaltando ainda a influência que a mudança de tonalidade possui na percepção da mesma. Em virtude destas múltiplas questões, serão utilizados estudos de Gisele Pires Mota (2010), Luiz Gonzaga Marchezan (2008), Darcy Damasceno (1972) e Nicholas Cook (1998) para a análise texto-música desta canção.
Este artigo apresenta uma pesquisa em desenvolvimento que analisa comparativamente quatro orquestrações da canção Der Erlkönig, de Franz Schubert, realizadas por Hector Berlioz, Franz Liszt, Max Reger e João Pedro Oliveira. O recorte analítico concentra-se nos oito primeiros compassos da obra e foca nas diferentes soluções orquestrais aplicadas às transcrições. A investigação utiliza a metodologia das ações transcritivas, proposta pelos próprios autores (VASCONCELOS, MAIA, LANNA, 2024), a qual busca sistematizar os graus e tipos de intervenção presentes em processos de transcrição musical, entendendo-os como formas de leitura interpretativa e comentário composicional. A análise evidenciou quatro abordagens estéticas distintas, que revelam não apenas variações técnicas e estilísticas, mas também interpretações singulares da obra-fonte. A partir de uma mesma matriz poética, as versões analisadas manifestam tanto uma afinidade estética quanto a diversidade criativa. O estudo contribui para a ampliação da compreensão da canção original, ao passo que oferece subsídios para reflexões no campo da composição, análise e práticas de transcrição musical.
Contraste rítmico e suas implicações formais na Ciaccona de J. S. Bach
Este estudo apresenta uma análise da Ciaccona em Ré menor, BWV 1004 de J. S. Bach, com o objetivo de identificar o potencial do contraste rítmico na organização formal e nos agrupamentos internos das variações nas seções. Propõe identificar maneiras de como o gerenciamento dos padrões rítmicos, motívicos e de acentuação atuam para gerar contrastes capazes de indicar segmentações, e que, em nível mais profundo, também produzem elementos que unificam a obra. O conceito de contraste musical é delineado a partir de Schoenberg (1985), que o concebe como um dos fundamentos da lógica musical. Lester (1986) propõe o conceito de acento rítmico a ser utilizado neste estudo, que é o resultado da interação enfática de qualquer domínio musical sobre o ritmo. O estudo conclui que os contrastes rítmicos, que em sua totalidade incluem figurações características, diminuições de valores rítmicos e acentuações são potencialmente o elemento organizador das subdivisões internas das seções e os responsáveis pelo efeito último de acumulação que dão sentido direcional à obra.
Este artigo constitui-se de um recorte de pesquisa da relação texto-música através da investigação do uso de procedimentos e de figuras retórico-estilísticas presentes no repertório germânico barroco. Com o objetivo de compreender e exemplificar a aplicação da Retórica na Música sob as perspectivas composicional, poética, retórica e estilística, fora feito, aqui, um estudo de caso do Versus II da Cantata BWV 4 Christ lag in Todesbanden, de J.S. Bach, no qual realizamos, primeiramente, a tradução do texto para a língua portuguesa e, posteriormente, a análise retórico-musical da peça, utilizando um referencial teórico composto por Bartel (1997), Soares (2012, 2017) e Ciscar (2016). A partir da observação dos procedimentos e elementos retóricos utilizados, é possível uma melhor compreensão do processo composicional da obra, em consonância com a perspectiva teológica, estética e estilística da época e do próprio compositor, o que pode vir a contribuir com a prática interpretativa deste repertório.
O presente estudo visa clarificar a estrutura rítmica da introdução de Sleepwalkers (uma peça composta e gravada no ano de 1975 pelo grupo de rock progressivo Van der Graaf Generator) por meio de um conjunto de ferramentas analíticas apresentadas por Simha Arom, desenvolvidas inicialmente para o estudo de rítmicas da África Central. Ao longo do artigo, são discutidos diversos atributos rítmicos que compõe cinco grandes categorias analíticas (marcações, durações, morfologia, metricidade e estrutura), necessárias e suficientes para classificar figurações rítmicas diversas. Também são apresentados conceitos de outros autores, como a métrica aditiva/divisiva e uma variedade de tipos de acentos melódicos, em especial o acento de amplitude intervalar. Quatro possíveis arranjos são apresentados para a porção multiforme da figuração rítmica, das quais duas são mais evidentes à percepção, baseadas em agrupamentos com menor número de valores mínimos, o que torna mais racionalizável a proporcionalidade entre tais agrupamentos.
Este texto propõe uma reflexão sobre uma década de ações dedicadas ao violão no Centro de Pesquisa e Formação do Sesc São Paulo (CPF-Sesc). Articulando práticas pedagógicas, investigações historiográficas, experimentações com cordas dedilhadas antigas e redes de circulação latino-americanas, essa trajetória construiu um espaço plural de escuta e ressignificação do instrumento. O violão é abordado como linguagem em disputa, atravessado por tensões culturais, sociais e políticas que desafiam categorias fixas e convocam uma historiografia transversal. Problematizam-se os modos de apresentar, ensinar e pensar o instrumento em suas múltiplas temporalidades e territórios, propondo uma abordagem crítica para repensar as narrativas musicais brasileiras e latino-americanas.
A música na periferia da São Paulo colonial e imperial
Pouco se sabe sobre a atividade musical na periferia da São Paulo colonial e do primeiro império. Com o objetivo de esclarecer alguns dos seus aspectos possíveis de serem conhecidos, frente à escassez de documentação a respeito, efetuamos uma pesquisa nos censos históricos dos arrabaldes da capital paulista em busca dos músicos ali inscritos para, em seguida, cruzá-los com os registros paroquiais das referidas freguesias. O confronto desses dois tipos de fontes primárias nos permitiu reconstituir as trajetórias de fabricantes de violas, músicos indígenas e sineiros, sendo constatado que suas atividades musicais estão mais próximas de práticas profano-populares e/ou de oralidade do que da oficialidade eclesiástico-militar lusitana do período.
O conceito adorniano de radiofisionomia e sua aplicação na programação musical de uma Rádio Educativa
Conhecendo minimamente o pensamento de Adorno, é natural que se aponte alguns problemas ao utilizá-lo, principalmente em um contexto de educação musical: suas ideias escancaram certo elitismo e muitas críticas que, muitas vezes, não buscam apresentar soluções práticas aplicáveis. Partindo deste ponto, este trabalho objetiva demonstrar o porquê do conceito de radiofisionomia, desenvolvido por Adorno e presente no livro Current of Music, pode orientar o pensamento crítico-musical para a montagem de uma programação musical educativa. A radiofisionomia apresenta uma análise com perspectiva musical do fenômeno do rádio, além de demonstrar concretamente a impositividade do que Adorno define como a voz do rádio; apesar disso, apenas este conceito deixa lacunas em diversos questionamentos a respeito do rádio educativo. Por conta disso, concluiu-se que a melhor maneira de resolver os problemas conceituais de Adorno é, justamente, fazendo uso de sua obra, e a resolução para as lacunas conceituais da radiofisionomia é utilizar autores de outras áreas do conhecimento que auxiliem na construção de um pensamento estratégico, unindo música, comunicação e educação.
Perspectivas de povos indígenas como inspirações na obra de Heitor Villa-Lobos
Este trabalho tem como objetivo apresentar aspectos das manifestações musicais de povos indígenas brasileiros e identificar possíveis influências dessas expressões nas concepções musicais de Heitor Villa-Lobos. Para tanto, são discutidas algumas perspectivas de e sobre os povos originários, com destaque para o canto de fortalecimento espiritual Guarani, Ñande mbaraete'i katu. Isso posto, analisam-se possíveis ressonâncias dessas tradições na linguagem composicional de Villa-Lobos, incluindo exemplos da obra Distribuição de flôres. Ao final, pretende-se evidenciar intersecções entre expressões musicais indígenas e a obra de Villa-Lobos, contribuindo para a valorização e compreensão da diversidade sonora dos povos originários.
Diálogos entre sonoridades modernas e antigas
A Missa Orbis Factor (1969) de Aylton Escobar (1934-) foi vencedora do prêmio do público e do júri no 2º Festival de Música de Guanabara em 1970, com estética bastante experimental, estruturada por texturas densas e dissonantes. O objetivo do presente trabalho é relacionar as sonoridades dessa obra com as sonoridades da música sacra antiga, especificamente dos períodos medieval e renascentista. A partir de uma revisão das principais sonoridades da música litúrgica desses períodos, como cantochão, recitativos, organum, motetos e madrigais, os quatro movimentos da Missa Orbis Factor foram analisados com base na construção de suas sonoridades e como elas se relacionam às sonoridades antigas. Escobar parte de sonoridades simples como o recto tonos para construir texturas complexas. Uma longa seção inspirada na antífona estrutura o movimento Gloria. O movimento Sanctus-Benedictus apresenta caráter ora imitativo, ora como organum. O último movimento, Agnus Dei, introduz um trecho de poesia de Mário de Andrade, relacionando esse movimento ao moteto. Conclui-se que, embora a sonoridade da Missa Orbis pareça distante da sonoridade litúrgica tradicional, sua linguagem proporciona não uma ruptura, mas sim uma continuação e extrapolação das sonoridades antigas.
Curt Lange e o Interamericanismo Musical
Fazendo uso de metodológicas ligadas do chamado contextualismo linguístico de nomes como Poccok e Skinner o artigo apresenta a interseção de dois projetos americanistas nas décadas de 1930 e 1940, ligando assim as atividades de Lange e seu Americanismo Musical à geração de compositores estadunidenses americanistas que lutavam neste período para sair do processo de invisibilização de sua produção composicional, vinculados a pessoa de Charles Seeger e sua função institucional junto a Política da Boa Vizinhança. Este encontro entre americanismos, o Interamericanismo Musical favoreceu a presença desta geração no contexto das práticas musicais da América Latina e facilitou em contrapartida a realização dos empreendimentos musicológicos de Curt Lange.
En Brasil, las investigaciones sobre el teatro español se concentran, en su mayoría, en el período posterior a la proclamación de la República (1889), con escasas menciones a la llegada de la zarzuela­ al país. En general, se mantiene la idea de que la zarzuela fue introducida por José Amat, cuando El Duende, con libreto de Luis de Olona y música de Rafael Hernando, se estrenó en el Gymnásio Dramático en 1856, con diez funciones y gran éxito, poco antes de la creación de la Academia Imperial de Música y Ópera Nacional. Esta comunicación propone revisar los pocos estudios existentes sobre el teatro español en Brasil, actualizando la información disponible sobre un género que, junto con la ópera italiana, ejerció una influencia considerable en la cultura lírica del país. La investigación también demuestra que ya se delineaba en Brasil un escenario favorable al teatro español —tanto hablado como cantado— incluso antes del proyecto impulsado por Manuel de Araújo Porto-Alegre y José Amat. La investigación se basa principalmente en fuentes de la Hemeroteca Digital de las Bibliotecas Nacionales de Brasil y de España.
Este trabalho analisa o pensamento estético e a atuação editorial de Ferruccio Busoni a partir de sua edição de O Cravo Bem Temperado de J.S. Bach, com foco no Prelúdio BWV 847. O objetivo é examinar como suas decisões editoriais e seu ensaio Sketch of a New Esthetic of Music (1911) revelam uma concepção de música que desafia a noção de obra como entidade fixa representada na partitura, opondo-se aos ideais de fidelidade à obra (Werktreue) em ascensão no início do século XX. A partir da análise crítica de fontes primárias e secundárias, bem como de elementos musicais, são abordados os *Études* compostos por Busoni sobre o referido prelúdio. Esses estudos ilustram uma práxis editorial que evidencia a estreita relação entre estética e prática musical. Para Busoni, compor, interpretar ou editar são atos de organização de uma música preexistente situada em um plano metafísico, o que põe em questão a autoridade da partitura como suporte exclusivo da obra. Conclui-se que a proposta de Busoni dissolve as fronteiras entre compositor, intérprete e editor, concebendo a performance e a edição como instâncias de criação.
O harmônio foi amplamente utilizado no Brasil nos séculos XIX e XX, mas ainda carece de atenção acadêmica. Este estudo busca identificar, mapear e analisar sua presença em Santa Catarina, considerando aspectos técnicos, históricos, litúrgicos e culturais. A pesquisa baseia-se em análises organológicas e documentais, com a localização de 101 instrumentos no Estado e a análise de vinte harmônios. Os dados revelam uma grande diversidade de modelos e usos. Também foram encontradas fontes de repertório fora do Estado, como obras de Paulino Chaves, Glauco Velásquez e João Baptista Lehmann. Os resultados reforçam o papel do harmônio como instrumento funcional, acessível e expressivo, contribuindo para a valorização do patrimônio organológico nacional e abrindo caminho para estudos futuros sobre repertório, prática e preservação.
Este artigo analisa a exposição museológica “Sinfonia Visual na Belle Époque: Música, Design e Arte nas partituras publicadas do compositor paraense Manuel Castelo Branco (1867-1926)”, realizada em 2025 no 51º Encontro de Artes da Universidade Federal do Pará (ENARTE51), promovido pela Escola de Música da UFPa, sob a perspectiva de seu papel como um agente epistêmico. Busca-se apresentar como a estratégia curatorial empregada foi capaz de transformar um acervo musical histórico em um corpo de conhecimento acessível e gerador de insights significativos para o público. Para tanto, aplicamos o modelo “4Cs", de Rogers (2024), pautado nos seguintes aspectos: Transmissível (Conveyance), Contextual (Contextual), Contributivo (Contributive) e Crítico (Critical). Conclui-se que a exposição demonstrou potencial para transcender a simples transmissão de informações sobre o compositor Manuel Castelo Branco e o período da Belle Époque paraense, conseguindo, de forma ativa, contextualizar as obras em seu tempo e espaço, contribuir com novas perspectivas interpretativas sobre o patrimônio musical e fomentar o pensamento crítico dos visitantes sobre a intersecção entre arte, história e sociedade.
Beethoven como referência estética na crítica musical de Robert Schumann
O presente artigo investiga o papel de Beethoven como referência estética nos escritos críticos de Robert Schumann, publicados no periódico Neue Zeitschrift für Musik. Partindo do ideal schumanniano de uma “nova era poética” na música, analisa-se como a figura de Beethoven é mobilizada como parâmetro crítico para a avaliação de compositores contemporâneos. Através da análise de resenhas e ensaios publicados entre 1834 e 1836, observa-se que o legado beethoveniano cumpre uma dupla função: por um lado, representa a culminação de uma tradição; por outro, funciona como impulso para sua superação, alinhando-se às demandas românticas de originalidade e expressão individual. A análise aponta, assim, para a centralidade de Beethoven na articulação entre memória histórica e projeto estético na crítica musical de Schumann.
Americanismo Musical às margens do Brasil
O presente trabalho trata das excursões do musicólogo Francisco Curt Lange e da delegação de membros do Instituto Interamericano de Musicologia à cidade de Pelotas, no extremo sul do Brasil. Para tanto, foi realizado um levantamento bibliográfico e análise de fontes primárias, como correspondências, programas e autógrafos de concerto e recortes de jornais, encontrados no Acervo Histórico do Centro de Documentação Musical da UFPel. Observou-se que a parceria interinstitucional estabelecida entre Lemos e Lange constituiu um importante passo para uma integração da economia artística na Região Platina, na direção de uma descentralização da prática artística para as regiões fronteiriças "apartadas" dos centros nacionais.
Os músicos baianos no período Independência do Brasil a partir de dados hemerográficos
Os produtos artísticos gerados a partir da história estão intimamente ligados à expressão individual do artista, porém, também são inerentes às circunstâncias que os cercam. Dessa forma, no Brasil a arte não ocupou um papel inerte no âmbito social e político, pelo contrário, ela é fluida e traz recortes em uma linguagem que, em alguns casos, transcendeu as palavras e mostrou as dinâmicas sociais da época. Partindo desse pressuposto, este trabalho buscou analisar os papéis sociais dos músicos baianos no período da Independência do Brasil a partir de dados hemerográficos do período. Os objetivos específicos desta pesquisa consistem em: a) analisar as contribuições artísticas dos músicos baianos no contexto da independência; b) identificar as influências que suas composições exerceram durante o período; e c) investigar de que forma o cenário político e social influenciou a criação musical desses compositores. A metodologia assenta-se nos fundamentos da pesquisa qualitativa, e no método bibliográfico, quanto ao seu procedimento. Quanto à fundamentação teórica, o artigo foi amparado em: Neves (2011), Silva (1878-79), Mendes (2012), Querino (1911), Marques (2012). Percebeu-se que, além de ter uma ampla participação nos conflitos da Independência, a antiga província da Bahia foi palco de movimentações artísticas e musicais que refletiam bem o contexto histórico da época. Sendo assim, a função social da música ultrapassa o plano religioso e passa a atuar também no campo cívico e patriótico de uma colônia que sutilmente iniciava a busca por sua independência.
Dmitri Shostakovich na imprensa brasileira nos anos 1940
A presente pesquisa apresenta um panorama da repercussão em torno da imagem do compositor soviético Dmitri Shostakovich na imprensa brasileira, fazendo uma breve recapitulação desde 1942, ano da divulgação da estreia de sua Sétima Sinfonia nos Estados Unidos, e uma análise inicial dos anos 1948 e 1949, período em que participou da Conferência Cultural e Científica pela Paz Mundial que foi realizada em Nova York. Esta comunicação se propõe uma atualização e expansão das análises já iniciadas e disponíveis na dissertação de mestrado (XXX – 1942-1947), acrescentando um texto de Mário de Andrade (1943) e as publicações dos jornais Correio da Manhã e Diário de Notícias nos anos de 1948 e 1949 localizados na busca por “Shostakovich” na hemeroteca digital da Biblioteca Nacional, visando analisar a relação entre música e política em torno deste compositor e suas obras.
Mapeamento de Grupos de Pesquisa ligados a Musicologia no Brasil
Mapeamento de 77 Grupos de Pesquisa brasileiros ligados a Musicologia registrados no Diretório de Grupos de Pesquisa do Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico, realizado na primeira semana de junho de 2025. Por aparentemente ser a primeira iniciativa publicada dessa natureza, o levantamento foi realizado com o intuito de ser o mais abrangente possível, a partir da busca pelo termo “musicologi” e sem filtros. Além da listagem dos 77 Grupos, são apontadas suas características gerais, sua proporcionalidade frente às áreas de conhecimento e à geografia brasileira, e sua granularidade temática. As discussões levantadas foram impactadas por uma mudança recente no sistema do Diretório, que causou uma divergência significativa nos resultados encontrados. Por causa disso, também é indicada, na comunicação, a necessidade de um meio de publicação de dados para a área de Música.
Neoclassicismo de Brenno Blauth e o Pós-modernismo de Almeida Prado nas suas Sonatas para Viola e Piano
Esta pesquisa tem como objetivo principal apresentar duas sonatas brasileiras para viola de piano que representam exemplos do estilo neoclássico e pós-moderno no gênero no século XX. Após um levantamento dessas obras compostas a partir de 1950, Brenno Blauth (1931-1993) e Almeida Prado (1943-2010) se destacam pela forma que exploraram, cada um à sua maneira, as diversas possibilidades sonoras do duo. Na Sonata T.22 (1964), Blauth se utiliza de uma escrita neoclássica permeada pelo nacionalismo, com destaque ao uso de toda tessitura (ou extensão) da viola. A obra trata os instrumentos de acordo com a tradição musical, sem utilizar quaisquer efeitos especiais ou técnicas estendidas em ambos os instrumentos. Já na Sonata nº1 (1983), Almeida Prado não se utiliza de elementos nacionais e se expressa através de uma escrita pós-moderna caracterizada pela exploração das ressonâncias. A metodologia contou com uma revisão bibliográfica da literatura voltada para viola e piano no Brasil, a realização de um levantamento de sonatas brasileiras para viola de piano compostas a partir de 1950 e análises estilísticas das sonatas selecionadas. Assim, foi possível concluir que as sonatas para viola e piano de Blauth e Almeida Prado representam a diversidade, inovação e a riqueza estilística do gênero no Brasil por demostrar exemplos claros de neoclassicismo e pós-modernismo no repertório para o duo, respectivamente.
Este artigo investiga o contexto histórico e os processos de fabricação que possibilitaram o surgimento do violão tenor, instrumento híbrido desenvolvido nos Estados Unidos em 1925. A análise crítica de artigos e anúncios publicados em periódicos como The Cadenza e The Crescendo — referências centrais do movimento BMG (Banjo, Mandolin, Guitar) — evidencia que o violão tenor foi concebido como uma adaptação do banjo tenor, voltada aos músicos que já dominavam este instrumento. A proposta dos fabricantes era oferecer uma alternativa de timbre que se aproximasse do violão/guitarra tradicional, sem demandar alterações significativas na técnica de execução. Seu aparecimento está relacionado ao declínio do banjo de cinco cordas e à consolidação do banjo tenor, impulsionado pelas exigências das jazz dance bands da época.
O artigo realiza uma historiografia dos primeiros anos das práticas musicais dos anarquistas no Rio de Janeiro. Utilizando como fonte de pesquisa os periódicos da época e a bibliografia sobre o tema, é possível localizar o momento da estréia dos principais hinos, a formação dos primeiros grupos musicais, a participação musical nas manifestações de protesto no 1o de maio (dia do trabalhador) e a realização dos primeiros festivais de propaganda em associações e sindicatos operários da cidade.
O trabalho apresenta um panorama dos 50 anos da Orquestra Sinfônica da Universidade de São Paulo (OSUSP), analisando seus programas de concerto. O objetivo principal é investigar as tendências e transformações na programação da OSUSP entre 1975 e 2024, compreendendo suas especificidades enquanto orquestra universitária. A pesquisa adota metodologia quantitativa baseada em banco de dados construído a partir de 1196 concertos, com análise de repertório, gênero, nacionalidade e época dos compositores, regentes e solistas. Os resultados indicam forte presença da música brasileira ao longo da história da OSUSP, especialmente ligada à atuação do maestro fundador Camargo Guarnieri, mas também revelam predomínio do repertório ligado ao cânone europeu. Observou-se também baixa representatividade feminina entre compositores e regentes. Conclui-se que a OSUSP equilibra tradição e inovação, promovendo música nacional e latino-americana em um ambiente acadêmico, ainda que reflita desigualdades estruturais do meio sinfônico.
O ensino do contrabaixo na região nordeste
Este artigo apresenta uma reflexão histórica a respeito do ensino do contrabaixo acústico na região Nordeste do Brasil. Para tanto, foi feito um levantamento a respeito das escolas de músicas que oferecem o ensino formal e totalmente ligado a performance do instrumento nos mais diversos níveis: conservatorial, técnico, graduação e pós-graduação. A metodologia desta pesquisa consiste em investigações documentais e bibliográficas, consultas às páginas virtuais das instituições e consultas por e-mail, WhatsApp e ligações telefônicas a agentes que, de forma ativa ou passiva, participaram da implantação e consolidação desses cursos. Por fim, foi realizada uma conexão entre os estados que possuem uma escola formal do ensino do contrabaixo e os que possuem pelo menos uma orquestra sinfônica ligada ao poder público.
A recepção da música de Anton Webern na vanguarda do pós-Guerra
Na década de 1950, a obra tardia do compositor austríaco Anton Webern serviu de ponto de partida para dois projetos estéticos diametralmente opostos. Para Herbert Eimert, Pierre Boulez e Karlheinz Stockhausen, associados à Escola de Darmstadt, Webern serviu de modelo para a intensificação do controle composicional sobre os diferentes parâmetros do som. Já para John Cage, figura central da Escola de Nova Iorque, Webern anunciava a possibilidade de uma experiência do som enquanto pura natureza, intocado pela intenção composicional. No que se segue, explicitamos esse contraste entre a recepção europeia e a norte-americana da música de Webern. Além disso, mostramos que a interpretação de sua obra desenvolvida pelo filósofo Theodor Adorno nos ajuda a compreender como os compositores do período puderam tirar dela consequências tão distintas. Tendo como base o conceito de dominação da natureza e uma compreensão dialética da relação entre técnica e expressão, concluímos que a música de Webern se vale do controle composicional do material (prezado por Boulez e Stockhausen) para chegar a uma imagem da natureza sonora intocada (prezada por Cage). Ambos os lados se apropriam de Webern de modo plausível, porém unilateral, destacando somente os aspectos mais adequados aos respectivos projetos estéticos.
Programas da Semana Santa de São João del-Rei (MG) entre 1884 e 2025
A Semana Santa de São João del-Rei (MG) é marcada por intensa prática musical, integrando cerimônias litúrgicas e procissões com a participação de corporações musicais, como a Orquestra Ribeiro Bastos e as bandas locais. Entre os documentos que registram essa prática, destacam-se os programas que, além de orientar os fiéis quanto aos horários e locais das cerimônias, apresentam o repertório musical executado. Este trabalho tem como objetivo analisar os repertórios presentes nesses programas, abrangendo o período de 1884 a 2025. A pesquisa baseia-se na análise de mais de cem programas e registros de jornais, organizados em planilha e classificados em três categorias: locais, brasileiros e estrangeiros. Os dados foram normalizados por década, gerando um gráfico que evidencia transformações significativas no perfil dos compositores executados. Os resultados revelam a presença contínua de José Maria Xavier desde o século XIX, a predominância de compositores estrangeiros até a década de 1960, a redução desse grupo nas décadas seguintes e o crescimento progressivo de brasileiros e locais, consolidado a partir da década de 1980 pela redefinição de repertório deliberadamente promovida por José Maria Neves a partir de 1978. Conclui-se que os programas da Semana Santa constituem fontes relevantes para compreender escolhas estéticas e transformações da prática musical sanjoanense.
José Siqueira e o patrimônio musical brasileiro
Este trabalho versa sobre reflexões acerca de um estudo musicológico da obra I Sonata para Violoncelo e Piano do compositor paraibano José Siqueira (1907-1985), no sentido de realização de uma edição crítica da obra. Para isso, é tomada como fonte musicográfica três manuscritos autógrafos do próprio compositor. Esta investigação busca esclarecer sobre as referências que influenciaram Siqueira a escrever a referida Sonata, através de seus relatos sobre sua pesquisa composicional no Nordeste do Brasil que resultou nesta obra, como também em outras, com fortes traços oriundos das manifestações populares, das cantigas com também dos ritmos das práticas das religiões de matriz africana, mais especificamente, o Candomblé. O estudo ainda revela a importância da manutenção dos acervos, em especial os pessoais, ao considerarmos que as fontes foram obtidas através de arquivos privados de violoncelistas brasileiros.
Amélia Brandão Nery antes da profissionalização
Este artigo investiga a atuação de Amélia Brandão Nery (1897-1983) na década de 1910. Tendo como ponto de partida a ausência de informações sobre sua atuação musical nesse período, o trabalho busca compreender de que maneira a imprensa escrita da época registrou sua presença pública. O objetivo central é identificar os papéis sociais atribuídos a Amélia antes de sua profissionalização, analisando como gênero, religiosidade e contexto familiar influenciaram sua visibilidade enquanto artista. A pesquisa fundamenta-se em uma análise documental de quatro notícias publicadas entre 1910 e 1920 e os resultados mostram que Amélia foi mencionada na imprensa principalmente em contextos ligados à maternidade, ao papel de esposa e a atividades religiosas. A única referência musical do período aponta para uma composição publicada em 1916, mas sem maiores desdobramentos. Conclui-se que Amélia teve sua atuação artística condicionada pelas estruturas sociais e familiares da época, sendo visibilizada publicamente em papéis considerados socialmente adequados às mulheres. A escassez de registros não indica inatividade, mas sim os limites impostos à atuação feminina no campo musical. O estudo indica, assim, uma fase de pré-profissionalização e aponta caminhos para investigações futuras sobre sua trajetória.
O poderoso discurso de um audacioso argumento
Os cinco concertos para violino e orquestra de Wolfgang Amadeus Mozart são obras modelares da literatura violinística e, por isso, alvo de intensas pesquisas e interpretações. No entanto, suas cadenze ad libitum representam um desafio estético, uma vez que, ao contrário dos concertos para pianoforte, não há registros autorais dessas inserções. A adoção de cadenze anacrônicas, muitas vezes compostas no século XX, pode destoar do discurso musical original. Este trabalho tem por objetivo investigar a composição de cadenze ad libitum nos concertos de Mozart à luz da retórica clássica, especialmente da Dispositio, parte que organiza os argumentos no discurso, conforme descrita no Ad Herenium (2005 [>86 a.C. e <82 a.C.], p. 169). Parte-se da hipótese de que a cadenza opera como um microdiscurso musical, com estrutura interna e função autônoma, ainda que inserida no contexto do movimento. A pesquisa, de natureza prática e teórica, integra as quatro virtudes elocutivas de matriz aristotélica como parâmetros para análise e criação. A abordagem metodológica combina a análise conformacional com princípios generativos, permitindo o estudo comparado de cadenze de Mozart para pianoforte e a proposição de modelos violinísticos historicamente informados. Como resultado parcial, foram elaborados modelos de cadenze para o Concerto nº 2 em Ré maior, K. 211, cuja análise revela o potencial expressivo da Dispositio no contexto retórico do concerto.
Este artigo examina a presença da música orquestral brasileira no repertório da Orquestra Filarmônica de Minas Gerais, com ênfase no papel do Festival Tinta Fresca como vetor de difusão e renovação do repertório nacional. A partir do levantamento de dados institucionais e fontes públicas, foram identificadas 227 obras orquestrais originais de 76 compositores brasileiros, revelando forte predominância de autores do Sudeste. O estudo mostra que o festival tem sido decisivo na renovação do repertório da orquestra, promovendo a estreia de 68 obras inéditas de 33 compositores contemporâneos de diferentes regiões do país. A análise sugere que, apesar dos avanços, há necessidade de estratégias mais inclusivas no campo da curadoria orquestral. O artigo contribui para a reflexão sobre políticas de programação, circulação de repertórios e para a documentação do repertório sinfônico atual.
Miguel Archanjo Benício de Assumpção Dultra (1812-1875), um músico ituano, artista negro, multifacetado viveu e atuou em Itu até 1845, quando transfere-se para Piracicaba e desenvolve suas habilidades artísticas ainda mais proficuamente. A Modinha composta em S. Paulo em 10 de Junho de 1847 se apresenta como uma de suas obras mais expressivas, com música e texto de sua autoria. Assim, a análise documental da fonte primária, como também a análise e a transcrição de Modinha permitem investigar os aspectos musicais, textuais e histórico-contextuais da obra, possibilitando também uma compreensão maior das múltiplas atividades artísticas desenvolvidas por Dultra no interior da Província de São Paulo. Por fim, a transcrição musicológica apresenta esta obra de Miguel Dultra para que seja lida e realizada, o que enriquece os conhecimentos sobre a música paulista oitocentista e traz à luz, como parte de um patrimônio imaterial, uma obra que se destaca entre as composições Dultra, não somente pelo que representa como um dos gêneros expoentes da música brasileira nesse período, a modinha, mas também pelo que contribui para o conhecimento acerca da produção e atividade artística multifacetada de um compositor paulista provinciano no século XIX.
O redirecionamento da pesquisa sobre a Missa De Profundis de Dinorá de Carvalho a partir da descoberta de novas fontes
Esta comunicação discorre sobre o redirecionamento da pesquisa acerca da Missa De Profundis da compositora mineira Dinorá de Carvalho após a descoberta de novas fontes, discorrendo sobre a sua origem e conteúdo, além da sua relação com as fontes precedentes. Auxiliado por autores como FIGUEIREDO (2017) e GRIER (1996), o texto tem o objetivo de colocar em perspectiva cada fase que envolveu a busca pelas fontes da obra e como a comparação entre elas apontou as últimas fontes descobertas como determinantes no processo de recuperação da Missa e da elaboração de uma edição crítica.
Indícios gregorianos nos martelos da cantoria de viola
À luz dos documentos históricos mormente relacionados à Companhia de Jesus que relatam o uso e o ensino do canto gregoriano por membros e associados a ordens católicas no processo de catequese de ameríndios durante os primeiros séculos do Brasil colonial, desde o princípio do século XX, surgiram textos musicológicos indicando o que seriam vestígios da música litúrgica romana em características composicionais de repertórios nacionais autóctones orais. Embora não se restringindo totalmente, tais traços foram sobretudo reconhecidos em culturas musicais típicas ou oriundas da região Nordeste, concernentes a desenho melódico, escala e ritmo. Tendo tais dados históricos e tais apontamentos em vista, a presente investigação se propôs a, bem como desenvolver um estado da arte sobre o debate acadêmico, sugerir o que seria um resíduo pontual da música da Igreja de Roma na música nordestina, identificando similaridades composicionais entre as fórmulas recitativas para a poesia solene do rito cristão e as melodias nas quais os repentistas da cantoria de viola improvisam os versos decassílabos dessa prática poético-musical. Para tanto, analisou-se transcrições de martelos agalopados e motes em dez de desde o princípio do século XX discriminando-se o que seriam os segmentos análogos aos elementos constitutivos dos tons gregorianos e distribuindo-os segundo as escalas e os âmbitos dos modos eclesiásticos. Embora não tivesse sido possível alegar convictamente ligação histórica, foi entendido que tais coincidências sobrepostas poderiam ser interpretadas como potenciais vestígios ainda não tão difusos e dissolvidos da pretérita perpetuação do repertório sacro entre a população brasileira.
Philippe Meyohas Martins Saraiva Pereira
Esta comunicação propõe uma análise documental e historiográfica sobre o processo de institucionalização da Orquestra Sinfônica Municipal de São Paulo (OSM), centrando-se na tramitação do projeto de lei nº 39-49 na Câmara Municipal de São Paulo ao longo de 1949. Por meio da leitura das atas legislativas, busca-se questionar os mecanismos políticos que fundamentaram a criação jurídica da orquestra, revelando conflitos e estratégias que envolveram artistas, legisladores e representantes do poder executivo. A hipótese central é a de que a institucionalização da OSM não corresponde a um ato inaugural, mas sim à formalização de um organismo musical que já atuava na cidade sob outras formas. O trabalho fundamenta-se teoricamente na historiografia das ausências e na ideia de documento como vestígio (Rousso, 1997), bem como em abordagens que ampliam a noção de fontes musicais para além do musicográfico (Garcia, 2008; Castagna, 2020). Os resultados evidenciam não apenas o caráter politicamente negociado da criação da orquestra, mas também as tensões entre direito trabalhista, financiamento público e legitimidade do trabalho musical. Conclui-se que a análise das atas oferece um campo fecundo para pensar a música como política pública e a cultura como arena de disputas institucionais, revelando memórias políticas que desafiam narrativas lineares de fundação e continuidade.
Os arranjos corais de Reginaldo Carvalho
Reginaldo Carvalho (Guarabira-PB, 1932 – João Pessoa-PB, 2013) exerceu intensa atividade como compositor e regente coral, tendo escrito várias obras originais e arranjos para diferentes agrupamentos vocais. Em estudos anteriores (XXXX, 2021), focamos nossa atenção na análise do repertório sacro que ele escreveu entre 1946 e 1975. Em nossa abordagem, tomamos como referência as informações contidas em dois documentos, quais sejam, o Catálogo de Composições Musicais de Reginaldo Carvalho (CCMRC, 1995) e o Catálogo de Composições Musicais para Canto Coral (CCMCC, sem data), ambos produzidos pelo compositor. O objetivo deste trabalho, fruto de uma pesquisa mais ampla e ainda em andamento, é catalogar os arranjos corais seculares de Reginaldo Carvalho produzidos entre 1946 e 1956, tomando como base tais fontes, a fim de mapear a produção do compositor na década em destaque. Os resultados indicam que Reginaldo Carvalho escreveu arranjos em diferentes localidades, empregando técnicas distintas, dentre as quais acordes de sexta aumentada, dialogando com a tradição e modernidade.
Família Wanderley nas bandas militares da Bahia (1910-1935)
Este trabalho analisa a atuação dos maestros João Antônio Wanderley e seu filho, Claudionor Wanderley entre 1910 e 1935. Ambos lideraram bandas militares — da Polícia Militar e do Corpo de Bombeiros da Bahia respectivamente— e atuaram em diversos espaços sociomusicais, como teatros, retretas, festas cívicas, fonogramas e cinemas. A hipótese sustentada é que essas bandas não foram apenas instrumentos de propaganda estatal, mas também meios de expressão popular em um contexto marcado pelo projeto de embranquecimento da Primeira República (COUTO, 2010). A metodologia combina análise hemerográfica, iconográfica, fonográfica e musicográfica, com base no paradigma indiciário (GINZBURG, 1989; CASTAGNA, 2024) e numa hermenêutica da memória ferida (RICOEUR, 2020). Foram examinadas partituras do acervo Impressão Musical na Bahia, fonogramas da Casa Edison e periódicos como Careta, Excelsior e Renascença da Bahia. Os resultados indicam que os Wanderleys contribuíram para a consolidação de repertórios híbridos em Salvador (BA) — como sambas, maxixes e canções-chôro — em espaços de circulação institucional, popular e de elite.
Este artigo analisa a contribuição de Vicente Juarimbu Salles (1931–2013) para a história da música na Amazônia, destacando sua atuação como pesquisador, colecionador e difusor de documentos musicais. Salles foi um intelectual comprometido com o resgate e a valorização das expressões culturais da região Norte, em especial da produção musical paraense dos séculos XIX e XX. A partir de uma abordagem qualitativa e documental, o estudo toma como base a produção bibliográfica do autor e o Acervo Musical da Coleção Vicente Salles, atualmente sob a guarda do Museu da Universidade Federal do Pará (MUFPA). São analisados os métodos de coleta, tratamento e difusão de documentos aplicados por Salles, bem como o conteúdo e a relevância de suas publicações — livros, microedições, partituras e registros sonoros — que constituem importante patrimônio da musicologia histórica e da etnomusicologia brasileira. O artigo também evidencia a importância da atuação de Salles na preservação de obras de compositores/as locais e na revelação de fatos históricos pouco conhecidos, como a prática do canto orfeônico no Pará ainda no século XIX. Conclui-se que sua obra representa o maior esforço individual de preservação e divulgação da história da música amazônica, sendo referência fundamental para os estudos sobre cultura, memória e música no Brasil.
Este trabalho propõe uma edição de obras para piano de José Brazilício de Souza (1854–1910), contribuindo para a valorização de um repertório brasileiro oitocentista ainda pouco explorado. A pesquisa articula fundamentos da crítica textual — conforme os modelos de Lachmann, Bédier, Pasquali e Greg — às especificidades da edição musical, com base nas contribuições de Feder, Grier, Cambraia e Figueiredo. Trata-se de um estudo exploratório de base empírica, que envolve levantamento de fontes manuscritas, transcrição crítica e discussão metodológica das tipologias editoriais. O corpus é composto por 16 peças originais para piano, entre valsas, polcas, mazurcas, havaneiras e schottisches, preservadas no Museu Histórico de Santa Catarina e na coleção particular da família Souza. A metodologia adotada compreendeu a identificação dos testemunhos, a transcrição em notação moderna e a anotação crítica das variantes, priorizando a clareza interpretativa e a fidelidade às fontes. As intervenções editoriais foram justificadas por paralelismos internos e registradas em notas críticas. Como resultado, a edição evidencia a inventividade harmônica e melódica de Brazilício, inserindo sua obra no debate sobre a prática musical de salão no Brasil do século XIX. Conclui-se que a crítica textual aplicada à música possibilita não apenas reconstruir textos historicamente coerentes, mas também promover a circulação contemporânea de repertórios negligenciados, ampliando os horizontes da pesquisa, da performance e do ensino musical no país. A edição proposta constitui, assim, um gesto de mediação crítica entre o documento histórico e sua fruição artística atual.
Elementos musicais nas suítes IV e VII das Cantigas Folclóricas do Brasil de José Siqueira
Este artigo discute as suítes IV e VII das Cantigas Folclóricas do Brasil de José Siqueira, escritas em 1972. O objetivo deste artigo é mostrar como o compositor utilizou elementos musicais de tradições orais brasileiras, juntamente com a tradição clássica ocidental, na composição dessas obras. Embora nos últimos anos temos visto várias publicações sobre a música de Siqueira, nossa revisão de literatura mostrou que há apenas duas publicações que discutem suas obras corais. Nossa análise foca nos aspectos musicais dessas suítes e são baseadas no Sistema Trimodal concebido pelo próprio Siqueira. As análises mostraram a presença frequente de cromatismo, síncope, forte vitalidade rítmica e grande variedade em termos de dinâmicas de intensidade. Tentando escapar das restrições do sistema tonal, Siqueira harmoniza as linhas vocais e instrumentais através da sobreposição de intervalos de 2ª, 4ª e 5ª, como defendido pelo compositor em seu Sistema Trimodal. Nossa análise mostrou como o estilo composicional de José Siqueira abrange múltiplas tendências, que refletem sua curiosidade e atração pelas tradições orais brasileiras. Nas suítes IV e VII, ele se esforçou para atingir seus objetivos como compositor: refletir o Brasil e uma espécie de identidade nacional brasileira. Ao mesmo tempo, Siqueira estava claramente experimentando e tentando unir o universal ao nacionalista: em torno das melodias principais das suítes, derivadas de tradições orais brasileiras, ele constrói universos musicais diversos em uma linguagem composicional moderna e clara.
O estudo da saraswati veena e da música carnática no sul da Índia
Atualmente são utilizados diversos sistemas de ensino da música tradicional indiana, muitas destas influenciadas pela perspectiva dos colonizadores britânicos, que passaram a ter maior participação na cultura indiana a partir do século XVIII, porém diversos músicos e professores propõem a recriação de tradições no ensino musical. Na aprendizagem da música tradicional do Sul da Índia na cidade de Thanjavur (Tamil Nadu), é comum metodologias que utilizam exercícios de canto durante todo processo de aprendizagem de instrumentos melódicos. São realizados exercícios como swaravalis e alankaras, através de diferentes padrões de execução de escalas musicais, assim como a inserção de peças musicais simples, compostas para integrar o processo de educação musical (geetham), de forma geral inseridas no contexto religioso do hinduísmo. Gradualmente vão se desenvolvendo outros repertórios, com maior complexidade técnica nos aspectos melódicos (Ragam) e rítmicos (Talam) – Um desses sistemas de ensino foi sistematizado por Purandara Dasa (c. 1484 – 1564 EC). Este é um breve relato sobre o processo de aprendizagem de música carnática e do instrumento saraswati veena, perpassando elementos técnicos e do contexto cultural em que a música está inserida. A aprendizagem de um instrumento musical permite um contato mais profundo com a cultura, através da relação entre pesquisador e os agentes que produzem e ensinam tal música, conforme propõem os etnomusicólogos Mantle Hood e Bruno Nettl . A coleta de dados exposto neste trabalho referem-se a observação-participante do pesquisador durante estudo de música carnática na Índia, nos anos de 2019, 2020 e 2024.
Reflexos de colonialidade nas práticas de coleta musical: uma análise da relação entre informantes e folcloristas
Este artigo apresenta uma reflexão sobre a relação entre os “informantes” Adrovaldo Martins dos Santos e Waldemar Ferreira dos Santos e compositor Camargo Guarnieri durante II Congresso Afrobrasileiro de 1937, visando compreender o exercício de “coleta musical” praticados pelos folcloristas na época como uma prática colonial. Propomos, assim, abandonar a nomenclatura redutora “informante” e reconhecer tais sujeitos como coautores do saber musical transmitido. Como referência deste assunto, será utilizado o volume I do Acervo de Pesquisas Folclóricas, chamado “Melodias Registradas por Meios Não Mecânicos” publicado por Oneyda de Alvarenga em 1946, com ênfase na Coleção III transcrita por Guarnieri. Outro material de pesquisa utilizado é a obra “Dois Corais mistos: Obialá Koro Yemanjá Oto” de Kilsa Setti, publicado em 1958.
Oficina como forma de vida: formação musical e criação situada na Música Universal
O presente trabalho analisa uma "Oficina de Música Universal", conduzida por Itiberê Zwarg e disponível em vídeo no YouTube, para compreender suas principais características formativas, estéticas e relacionais. A investigação, de caráter exploratório, constitui uma etapa de uma pesquisa de doutorado em curso e adota uma abordagem qualitativa, com base na transcrição das falas e na observação dos procedimentos adotados ao longo da atividade, em diálogo com reflexões críticas sobre a colonialidade do saber no campo da música e à noção de práxis sonora, aqui mobilizada como perspectiva para observar a dimensão política inerente à prática musical. A análise identifica deslocamentos em relação a paradigmas hegemônicos da formação institucionalizada, notadamente a recusa da escrita como suporte central, a integração entre criação e formação, a valorização do corpo, do erro e da improvisação, bem como a reconfiguração do tempo formativo em uma perspectiva não produtivista. Conclui-se que, embora articule críticas aos modelos dominantes, a prática analisada — vinculada à Música Universal, perspectiva musical e ideológica formulada por Hermeto Pascoal e continuada por Itiberê, entre outros — não se configura como ruptura, mas como afirmação situada de outra lógica criativa e formativa, que propõe, por meio do fazer, modos de viver, formar-se e conviver que desafiam os critérios de legitimidade do saber musical. Seus efeitos e seus possíveis limites deverão ser explorados em investigações futuras.
O PD enquanto acessibilidade à práticas anti-hegemônicas
A proposta presente no trabalho é propor a possibilidade do sofware livre Pure Data se apresentar enquanto aparato na didática musical decolonial. Relações entre multiletramento na síntese sonora experimental eletrônica e educação musical decolonial serão abordadas, incitando discussões sobre acessibilidade, o conceito de aparato em música e alternativas anti-hegemônicas do fazer musical, para além da dicotomia erudito e popular. A contextualização do estado da arte no Brasil será feita a partir da análise e comparação bibliográfica.
Tribo carnavalesca Comanches: ressonâncias de uma resistência afro-indígena no carnaval gaúcho
As Tribos Carnavalescas constituem expressivas manifestações culturais do Carnaval de Porto Alegre, revelando, em sua tessitura simbólica e performativa, traços de uma complexa e pouco visibilizada relação afro-indígena no contexto urbano do sul do Brasil. Desde sua emergência no cenário carnavalesco porto-alegrense, ao longo do século XX, 17 Tribos foram formadas, das quais apenas a Tribo Carnavalesca Comanches permanece em atividade. Este trabalho tem por objetivo investigar, por meio de uma densa etnografia realizada entre os anos de 2022 e 2024, os modos de existência e resistência dessa única Tribo em atividade, inserida em um contexto marcado por processos históricos de marginalização, gentrificação e apagamento das expressões culturais negras. A partir de imersões em campo, entrevistas, análise de performances e articulações comunitárias, são discutidos os mecanismos socioculturais de resistência mobilizados pela Tribo Comanches, além de suas dinâmicas organizacionais e categorias nativas. A investigação também problematiza a relação afro-indígena no âmbito das Tribos, a partir de perspectivas transétnicas, interculturais e sonoro-performativas, destacando as ressonâncias históricas, geográficas e identitárias desse fenômeno. Os resultados apontam para a urgência do reconhecimento das Tribos Carnavalescas como patrimônio imaterial, evidenciando sua relevância enquanto espaço de afirmação identitária, assim como a própria resistência cultural promovida pela Tribo, diante das transformações sociais que atravessam o campo da cultura popular brasileira, especialmente no contexto gaúcho.
O O mestre de cultura no processo de transmissão de saberes e fazeres do reisado de congo
O trabalho apresenta um recorte da pesquisa de mestrado "Saberes e Fazeres Musicais do Reisado de Congo do Mestre Aldenir: uma proposta decolonial para a educação musical ativa”, elencando as habilidades desempenhadas pelo Mestre Aldenir em seu ofício de salvaguardar e transmitir os conhecimentos do Reisado de Congo, folguedo que emerge do território do Cariri cearense. Com o objetivo de observar e discutir os elementos intrínsecos ao fazer do Mestre que alicerçaram a elaboração de um percurso teórico-metodológico decolonial para o ensino e aprendizagem de música, o artigo expõem os dados coletados de forma etnográfica no terreiro do Mestre, durante ensaios e apresentações, em conversas com os brincantes e o próprio Mestre, ao longo dos dois anos da pesquisa. Mestre Aldenir exerce amplas capacidades, sendo algumas delas artísticas, sociais e religiosas, que apontam possíveis percursos para a formação de educadores e educadoras musicais mais diversos e dialógicos, dispostos a interpelarem as abordagens hegemônicas de matriz eurocêntrica.
O O reflexo da colonialidade nas práticas de música sinfônica em projetos sociais, localizados na cidade do Rio de Janeiro (RJ)
. Este trabalho pretende fazer uma breve discussão sobre os aspectos da colonialidade que refletem na prática de música sinfônica em projetos sociais, na cidade do Rio de Janeiro (RJ) e que atualmente tem-se reconfigurado através de um ensino de música contra hegemônico. Essa discussão ocorreu dentro do campo da etnomusicologia, campo constituído pela antropologia e pela musicologia, trazendo assim a possibilidade de estudar a música dentro da cultura (Merriam, 1964). Nesse sentido, dentro da área musical, a etnomusicologia traz diversas contribuições por haver a compreensão das chamadas questões sociais (racismo, machismo, classicismo, entre outros) dentro da prática musical de diversas sociedades. Assim, torna-se um campo de importante reflexão sobre a prática de projetos sociais de prática de música sinfônica no Rio de Janeiro (RJ), que está majoritariamente localizado em favelas e periferias, compostos em grande parte por pessoas negras atravessadas por diversas problemáticas da colonialidade. Dessa forma, para que haja a compreensão sobre as possibilidades e problemáticas que atravessam essas práticas de ensino musical sinfônico em projetos sociais e suas novas abordagens é necessário o debate sobre colonialidade. Este trabalho partirá de algumas reflexões sobre a colonialidade através destes autores: Quijano, Mignolo e Walsh. Com isso, pode-se refletir sobre a colonialidade nas práticas de música sinfônica nesses locais e das possibilidades que estão se constituindo para o enfrentamento, trazendo novas perspectivas para o ensino de música.
Textos musicais de mbira em Moçambique na contemporaneidade
Este artigo analisa os textos da música de mbira em Moçambique, com vista compreender como são abordados os assuntos inerentes aos direitos humanos nesta prática musical na contemporaneidade. A obtenção dos textos musicais foi conduzida por via de trabalho de campo que permitiu uma interação humana e compreensão holística da cultura moçambicana. Os assuntos textuais foram analizados à luz das teorias pós-coloniais, emergindo vozes excluídas das narrativas históricas dominantes. Como resultado, foi compeendido que os textos da música de mbira na contemporaneidade moçambicana abordam sobre direitos humanos perpassando por Ubuntu, dogmas de certo etnias, ancestralidade africana, natureza, desigualidade e o colonialismo. Conclui-se que embora ainda hajam resquícios do colonialismo, as pessoas agem para além da matriz universal, reinventando a tradição africana na busca por seus direitos humanos.
O Apagamento de Johnny Alf, Leny Andrade e Alaíde Costa no caldeirão de preconceitos da bossa nova e sambajazz
Este artigo analisa os mecanismos de visibilidade desigual e apagamento histórico enfrentados por Johnny Alf, Leny Andrade e Alaíde Costa na consolidação da bossa nova e do sambajazz. Com base em conceitos como apropriação cultural (William, 2020), racismo estético (Xavier, 2025) e racismo cordial (Rodrigues, 1995), discute-se como os meios de comunicação contribuíram para a marginalização de contribuições negras ao gênero. Embora sustentados por elementos da diáspora africana, a bossa nova e o sambajazz foram moldados por hierarquias raciais e outros marcadores de exclusão — como misoginia, homofobia e gordofobia. A pesquisa, apoiada na literatura de textos, entrevistas em vídeos, fotos, registros fonográficos, evidencia a centralidade estética e histórica desses artistas e propõe uma revisão crítica das narrativas consagradas, contribuindo para reconfigurar os paradigmas de modernidade musical brasileira.
Ancestralidades no método UPB e sua aplicabilidade para a educação básica
Criado pelo Maestro Letieres Leite, o método Universo Percussivo Baiano (UPB) evidencia metodologias oriundas de práticas culturais que geram a música brasileira afro-originada para a educação musical. O método apresenta quatro princípios que fundamentam sua prática: 1) aprendizagem coletiva como agregadora, 2) clave rítmica e sua circularidade, 3) oralidade e seus processos de transformação entre os ritos e os gêneros da música popular e 4) historicidade das culturas musicais. Ele agrega o uso da escrita europeia como meio de transmissão e memória enquanto questiona a metodologia de ensino iniciada pela escrita, baseada na abstração racional da música, quanto à sua inadequação como princípio da aprendizagem da música brasileira afro- originada, baseada na corporalidade. Os objetivos da pesquisa, resultante de dissertação de mestrado, residiram em avaliar a adequação deste método ao ensino da música afro- originada. Consideramos bases epistemológicas voltadas à natureza antropológica e social do fazer musical, que tratam música como fruto de práticas e comportamentos, integrando-os à educação musical. Partimos de estudos de Édouard Glissant, Kofi Agawu e dos materiais didáticos de Letieres Leite. Pôde-se concluir que esta educação proposta pelo método UPB traz à tona práticas culturais de ancestralidades fundadas nas africanidades, o que nos permite incluir nas instituições de ensino a parte formadora do povo brasileiro que sofre apagamento; bem como que esta ação nos proporciona um ganho no conhecimento a que podemos ter acesso, aplicando novos conceitos, como corpo-partitura, clave consciente e roda banto e seus aspectos emancipadores da criatividade em um contexto coletivo.
Contracolonialismo e música experimental
Este artigo traz à tona a discussão sobre a música experimental, com sua história e personagens hegemônicos, em uma perspectiva advinda do contracolonialismo, proposto por Nego Bispo (2015) e adotado em obras de Ailton Krenak (2019,2020,2022) Narrando e refletindo sobre essa música é notável uma predominância de um perfil homogêneo de personagens, sendo quase todos brancos, homens, da classe média, europeus ou norte-americanos. Essa música tende a desprezar qualquer manifestação que não esteja intimamente ligada a música de concerto eurocêntrica. Apesar de iniciativas recentes no Brasil em busca de hibridismos e ampliação de sua narrativa para ser menos excludente, a música experimental perpetua sua postura colonialista.
Este artigo discute a ancestralização como categoria político-epistêmica fundamental para compreender os modos de saber, ensinar e criar nas musicalidades afro-diaspóricas, com ênfase no candomblé. Com base no conceito de musipensar, articulado entre vivência ritual e reflexão acadêmica, propõe-se uma pedagogia enraizada na oralidade, corporeidade e temporalidade espiralar. Dispositivos como rodar a base são compreendidos como tecnologias composicionais de reinvenção com fundamento, que expressam uma epistemologia encarnada e relacional. A ancestralização é entendida como processo contínuo de atualização criativa, legitimada pela senioridade e pela escuta coletiva. O artigo aponta para a necessidade de uma pedagogia decolonial que reconheça os saberes dos tamboreros como formas legítimas de conhecimento e defende políticas de valorização dessas práticas e mestres.
Gravações comerciais do início do século XX como fontes de estudo entre música e racialização
Este artigo investiga como as gravações comerciais realizadas no Brasil em formato de 78 rpm podem ser utilizadas como fontes para o estudo das relações entre música e racialização. A partir da análise de fonogramas em 78 rpm, defende-se que a indústria fonográfica brasileira foi atravessada, desde seus primórdios, pela construção de “linhas de cor sonoras” – dispositivos que atribuíam valores pejorativos a timbres, vozes e repertórios associados a artistas e práticas musicais afro-brasileiras. Apesar disso, argumenta-se que o período das gravações mecânicas, marcado pelo predomínio da Casa Edison, apresentou certa porosidade que permitiu a inserção de práticas musicais afro-brasileiras no circuito comercial, ainda que mediadas por estratégias de “domesticação” e controle sonoro. O artigo combina abordagens da etnomusicologia, dos estudos culturais e da história social da música, dialogando com autores como Jennifer Stoever (2016) e Santos Santos (2020), além de recorrer a registros fonográficos históricos, charges de época e fotografias de grupos musicais negros. Conclui-se que tais gravações, embora inseridas em uma lógica comercial, constituem documentos históricos valiosos para a compreensão dos processos de construção e contestação de identidades raciais por meio do som na sociedade brasileira do início do século XX.
O presente trabalho é uma incursão na Hemeroteca Digital da Biblioteca Nacional, apresentando resultados obtidos a partir de pesquisa sobre a repercussão da Orquestra Afro-Brasileira, do maestro Abigail Moura, na imprensa durante a década de 1950. Essa década representou um auge do grupo, devido à ampla cobertura jornalística que recebeu, à sua própria atividade e devido ao fato de ter lançado dois discos nesse período. O objetivo deste trabalho é apresentar de forma concisa e organizada os dados mais relevantes encontrados no escopo da pesquisa, oferecendo uma visão panorâmica da atividade do coletivo na década de 1950, situada na segunda fase do movimento negro, conforme a divisão de Petrônio Domingues. O texto está estruturado da seguinte forma: apresentações públicas do grupo; integrantes; repertório; e matérias, reportagens e críticas na imprensa nacional e internacional. A Hemeroteca Digital tem se mostrado uma fonte promissora para a pesquisa de biografias musicais eclipsadas.
Cruzamentos da música africana em minha trajetória musical
No presente artigo, tento registrar um pouco da minha trajetória musical, no sentido das descobertas em torno das musicalidades africanas, suas práticas instrumentais e alguns conceitos e características especificas desses fazeres musicais. Nesse sentido, também será abordado o ressurgimento no Brasil contemporâneo, da Mbira, instrumento musical melódico milenar africano, originário da região situada entre as margens do rio Zambezi e do rio Limpopo na África Austral, mais especificamente, Zimbabwe e Moçambique, que já foi muito popular nos períodos Colonial e Imperial brasileiros até o final do século XIX, sob o nome genérico de “marimba” (na verdade, vários instrumentos da família dos Lamelofones: Sanza, Kisanji, Karimba, Kalimba, Nsansi, Malimba, Mbira, etc), ver SILVA, 1995; RICCIARDI, 2000; GALANTE, 2015 e NASCIMENTO, 2020. Também descrevemos algumas ações pedagógico-musicais, que pretendem divulgar essa musicalidade e cultura instrumental, por meio de workshops de mbira nyunganyunga na Bahia, e assim, promover uma partilha de saberes musicais, reflexões e debates, diante da invisibilidade e apagamento histórico acerca das músicas do Continente Africano no Brasil.
Ensino e aprendizagem nas práticas tradicionais
O projeto de pesquisa “Ensino e aprendizagem nas práticas tradicionais: O toque dos atabaques no candomblé ketu” em desenvolvimento a partir da Escola de Comunicação e Arte através do programa de iniciação científica da Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo, sob orientação do Prof. Dr Paulo de Tarso Camargo Cambraia Salles tem como objetivo buscar elementos para se pensar e fazer a educação musical engajada com a educação antirracista. Para tanto, toma-se como foco de estudo o candomblé de nação ketu, visto que neste ambiente e cultura a música é um elemento de suma importância, que tem o seu sentido totalmente atrelado a outros elementos, como o corpo, dança, narrativas míticas e o sagrado. O estudo em andamento desde dezembro de 2024 tem como procedimento metodológico uma revisão bibliográfica e pesquisa de campo, que está sendo realizada no afoxé “Ọmọdé Ọba”, no projeto “Na Batida do Atorí” e na casa de candomblé Ilé Ìyá Ojú Omi Àṣẹ Ayra Nlá e posteriormente, a partir dessas experiências pretende-se elaborar atividades pedagógicas voltadas para o ensino musical. Nesta apresentação, demonstra-se as primeiras experiências do projeto em desenvolvimento
Aquilombamento sonoro e processos criativos: oralidade musical em Palmares
Como resultado do meu Trabalho de Conclusão de Curso em Licenciatura em Música, propõe-se uma reflexão crítica sobre os limites e possibilidades da formação musical no Brasil a partir de epistemologias afrorreferenciadas. Fundamentado em uma perspectiva interseccional e contracolonial, o texto apresenta o conceito de aquilombamento sonoro como uma chave teórico-metodológica para pensar práticas pedagógicas e processos criativos baseados em oralidades, corporeidades e experiências negras. A noção de quilombo, aqui compreendida como tecnologia ancestral e horizonte político de resistência, atravessa a discussão sobre musicalidade, território, memória e criação coletiva. A pesquisa culmina na descrição do processo criativo de uma performance artística realizada como defesa de TCC, tensionando as fronteiras entre arte, política e educação musical. Portanto, este trabalho defende a urgência de romper com os paradigmas eurocentrados que estruturam o ensino de música no país, propondo outras possibilidades de escuta, produção e transmissão de saberes.
Hip Hop e Educação Musical: Uma revisão de literatura a partir de teses, dissertações, publicações da ABEM e da ANPPOM entre 2000 e 2024
Esta pesquisa teve como objetivo investigar as publicações (anais de congressos, livros e periódicos) da ABEM e da ANPPOM bem como TCCs, teses e dissertações nos últimos 24 anos que abordam Hip Hop e Educação Musical. Alguns pesquisadores com estudos recentes sobre o tema têm apontado a quase ausência de publicações e, com base nessa preocupação, busquei analisar quantas e quais publicações sobre Hip Hop e Educação Musical já haviam sido produzidas, bem como as discussões apresentadas por esses pesquisadores em seus trabalhos. Seguindo uma metodologia de revisão bibliográfica, esta pesquisa pretende contribuir para os estudos sobre o tema, facilitando a identificação e a localização dessas publicações. Por ora, a revisão bibliográfica limitou-se deliberadamente à área da Educação Musical, com a possibilidade de ampliar o escopo de análise no futuro. A pesquisa observou um número considerável de publicações, ainda que em intervalos irregulares, desde a década de 2000 até o presente.
Xxx, Xxx xx xx xx-um estudo de caso da ortografia e transcrição fonética do yorubá a partir da Inteligência Artificial
Resumo. Este trabalho apresenta um estudo de caso da aplicação do Alfabeto Fonético Internacional para auxílio da pronúncia e dicção em uma composição musical. O trabalho reúne duas etapas de pesquisa relacionadas à musicalidade das tradições afro-diaspóricas produzidas em yorubá. A primeira etapa consta do processo de composição de uma obra musical para coro misto à capela. O seu processo criativo foi documentado a partir de auto etnografia. O processo se deu mediante pesquisa de campo com visitação ao terreiro de candomblé Ilê Axé Oyá Garà Izô (no qual o compositor é membro) para a escuta de itãs. A segunda parte, realizada por outro autor, consiste na revisão ortográfica e da transcrição fonética do yorubá feita pelo compositor através da Inteligência Artificial. Os textos revisados pelo segundo autor serão integrados à partitura encaminhada aos intérpretes. O trabalho propõe uma discussão dos aspectos relacionados ao yorubá e as relações desta língua utiliza nos terreiros quando em contato com o português brasileiro. Os resultados apontados apresentam os desafios encontrados na produção musical afro-diaspórica de base yorubá no Brasil.
Juventude negra, pertencimento e criação musical: análise do projeto de extensão “XXXXXXX” realizado com estudantes de Ensino Médio Integrado da rede Federal à luz da Pedagogia Hip Hop
As práticas músicas que contemplam as culturais juvenis, sobretudo em espaço escolar institucionalizado (ANDRADE, 1999; SOUZA, 2011, AMARAL,2018; DIAS, LIMA, SANTOS, 2024) tem cooperado para a compreensão da potência educacional da cultura Hip Hop e tem crescido exponencialmente as produções sobre a Pedagogia Hip Hop na Brasil e no Mundo. Este trabalho versa sobre uma experiência educativa com estudantes do Ensino Médio Integrado da rede Federal resultando de um projeto de extensão denominado XXXXXXX. O projeto teve como objetivo a integração hip-hoppers da cidade de XXXXX com estudantes da instituição, através da proposta de oficinas dos elementos do Hip Hop, em especial de MC e DJ. Com adesão voluntária, o projeto teve excelente aceitação por parte da comunidade estudantil, que, a partir das oficinas, se viram protagonistas de um processo de educacional que rompeu com as normativas dos currículos tradicionais no ensino de Arte. A efetiva participação desses/as estudantes garantiu uma produção musical surpreendente e a afirmação de identidades negras com a prática de um gênero musical afrodiaspórico. O projeto também promoveu a inclusão de estudantes atendidos pelo AEE que a todo momento se sentiram parte integrante das oficinas e foram acolhidos por oficinistas e demais estudantes. O caráter educativo do Movimento Hip Hop proporciona inúmeros benefícios como: sociabilidade, promoção do bem estar, inclusão e criatividade. O projeto foi contemplado com fomento financeiro pela Pró-Reitoria de Extensão e culminou em uma apresentação dos resultados das oficinas de musica e dança (break).
Contra o negrocídio em favor da negropolítica: perspectivas político-metodológico-epistemológicas na pesquisa em etnomusicologia
Esse artigo resulta da pesquisa de doutorado concluída e objetiva apresentar questões, inflexões e perspectivas político-metodológico-epistemológicas desde um viés etnomusicológico, para refletirmos sobre a produção de conhecimento nesse campo e no da área música como um todo. Por assim dizer, aponta-se os epistemicídios presentes no campo da música, nos processos de produção de conhecimento e destaca os percursos utilizados na pesquisa. Esses, são endossados pela dimensão política articulada por pessoas e pelos grupos, organizações e coletivos que compuseram/compõem os movimentos de luta do povo negro brasileiro (Gomes, 2017), ao tratarem do percurso de mudança entre a equivocada ideia de mito da democracia racial (A. Nascimento, 2017) para a denúncia do racismo estrutural (Almeida, 2019). Em dimensões de resultado, que trazemos para esse texto, são as composições das bases metodológicas e epistemológicas que construímos na pesquisa.
Apontamentos para uma análise retórica de A-ronne
Este artigo comenta a obra A-Ronne – for eight singers (1974–1975), de Luciano Berio, com base em declarações do compositor e em estudos analíticos recentes. O objetivo é examinar os fundamentos estruturais, performativos e estilísticos da peça, compreendendo seu funcionamento como “teatro do ouvido”, uma relação reivindicada pelo próprio compositor com o madrigale rappresentativo do Renascimento tardio. Desenvolvida a partir das conquistas técnico-expressivas de Sequenza III (1965–66), a obra articula procedimentos de fragmentação textual, colagem e variação fonética em uma forma cíclica e polifônica. A estrutura ternária do poema de Sanguineti, os procedimentos de repetição e a ênfase na expressividade dos gestos vocais tornam pertinente uma leitura retórica da obra. A partir das cinco partes da retórica clássica — inventio, dispositio, elocutio, memoria e actio —, o artigo propõe apontamentos para uma análise possível, destacando a dramaturgia vocal como gramática performativa da escuta.
Aspectos da teoria dos contornos aplicados na composição da peça xxxxxxxx para banda show
Este trabalho é fruto de uma pesquisa de mestrado que propõe a composição de uma peça original para uma drums corps (banda show) incorporando duas perspectivas de abordagens composicional: a Teoria dos Contornos (TC) e gesto musical. Na Introdução, apresentaremos aspectos gerais e características das bandas show. A fundamentação teórica está baseada na descrição dos procedimentos, referentes à Teoria dos Contornos (Morris, 1987; Sampaio, 2012), que serão utilizados na composição da peça. Na metodologia, abordaremos aspectos relacionados à extração de contornos a partir de fotografia e a materialização dos contornos na forma de gestos musicais utilizados no planejamento composicional. Os resultados preliminares apontam que a Teoria dos Contornos dará subsídios suficientes para organizar o planejamento composicional de forma que evidencie a coerência e a coesão na macro estrutura da obra.
A dimensão estético-política do debate sobre transcrição musical no Brasil
Por meio de uma revisão bibliográfica dos trabalhos mais citados sobre transcrição musical no Brasil (os trabalhos de Flávia Pereira, Victor Melo Vale e João Victor Bota), constatamos um consenso em caracterizá-la pela alteração do meio instrumental e pela manutenção da fidelidade à obra original, embora haja divergências sobre sua definição e sobre os limites impostos pelo conceito de fidelidade. Os autores recorrem à aproximação com a tradução poética para tentar resolver o problema, normalmente focalizando aspectos técnicos. Com o objetivo de redirecionar os termos do debate e abordar a dimensão estético-político que orienta a perspectiva destes autores, analisamos tais propostas tendo como referencial conceitual os regimes de identificação das artes, do filósofo Jacques Rancière. Concluímos que a transcrição musical não se limita a um problema técnico ou de linguagem: há uma tensão inerente ao jogo da transcrição dentro do regime estético das artes (que organiza as maneiras de fazer, formas de visibilidade e modos de conceituação das práticas artísticas desde a “revolução estética”), tensão que dois dos autores mencionados tentam resolver recorrendo a lógicas inerentes aos regimes anteriores (ético e poético ou representativo); somente um demonstra uma concepção influenciado por este regime, colocando mais ênfase nas idiossincrasias do trabalho do transcritor do que na proposição de parâmetros para a identificação e delimitação da prática.
O belting é uma técnica vocal amplamente empregada no teatro musical, reconhecida por sua projeção, intensidade e clareza textual. No entanto, os mecanismos articulatórios que sustentam sua produção permanecem pouco descritos, sobretudo quanto ao papel dos lábios. Este estudo-piloto investigou a influência de ajustes labiais sobre parâmetros acústicos no belting, utilizando análise tridimensional de movimento facial (Optotrak Certus) e medidas acústicas (formantes, RMS, jitter, shimmer, CPP e HNR). Uma cantora realizou emissões sustentadas das vogais /a/, /ɛ/, /e/ e /i/ entre Fá4 e Fá5, nos modos neutral e belting. Os resultados mostraram que o belting envolve aumentos sistemáticos na abertura labial horizontal — especialmente em vogais anteriores — e variações verticais moduladas por vogal e região da tessitura. As análises acústicas revelaram elevação de formantes superiores, incremento de RMS e alterações nos índices de estabilidade glótica, com destaque para a vogal /i/ em registros agudos. Correlações positivas entre expansão labial e parâmetros espectrais sugerem que ajustes biomecânicos contribuem diretamente para a projeção e brilho característicos do belting.
Uma engenharia de sistemas composicionais contemplando a criação de um modelo monoparamétrico e sua aplicação no planejamento de Zaíra, a Rainha
A teoria dos Sistemas Composicionais permite o desenvolvimento de várias tipologias de sistema (xxx, 2020), sendo possível criar sistemas a partir de modelos sistêmicos que descrevem a estrutura de alguma obra musical selecionada (xxx, 2017) em relação a um ou vários parâmetros musicais. Na especificação do sistema composicional do presente trabalho, optamos pela definição de um sistema monoparamétrico modelado com foco no comportamento de um de seus parâmetros, com o objetivo de aplicá-lo no planejamento composicional de uma nova obra Zaíra, a rainha. Na primeira etapa da modelagem sistêmica elegemos como escopo paramétrico a altura, selecionando, então, uma ferramenta analítica que evidenciasse algum padrão traduzido em objetos abstratos desse parâmetro. Assim, o modelo sistêmico Pluft-M foi construído, produzindo uma matriz de transição probabilística de acordo com o escopo paramétrico adotado. A metodologia de planejamento composicional envolvendo o sistema especificado abrangeu três etapas: a particularização, a aplicação e a complementação. Nas fases de particularização e aplicação obtivemos respectivamente o contorno melódico (parâmetro abstrato) e as alturas correspondentes ao contorno (parâmetros de superfície), sem definição dos demais parâmetros, que foram suprimidos do sistema monoparamétrico. Somente na fase de complementação foram adicionados os outros parâmetros, como ritmo, forma, dinâmica, entre outros. O resultado dessa estratégia caracterizou-se pela flexibilidade na escolha dos demais parâmetros não definidos pelo sistema monoparamétrico, possibilitando alternativas que intensificaram o contraste entre os segmentos de alturas produzidos na etapa de aplicação.
Este artigo investiga como o conceito de transdução pode descrever as afetações geradas nas relações entre performers e sistemas interativos em obras musicais contemporâneas. A partir de uma abordagem teórico-analítica que articula referências da filosofia da técnica, sonologia e estudos da performance, são analisadas duas obras: Lady’s Glove, de Laetitia Sonami, e Schwarzwälder Kirschtorte, de Valéria Bonafé e Rogério Costa. Ambas mobilizam sistemas interativos em tempo real, explorando camadas de gesto, escuta, memória e resposta sensível. Com base nessas análises, propõe-se a transdução como um processo relacional e perceptivo, em que gesto e som se coafetam, e performer e sistema se constituem mutuamente. Conclui-se que ambientes performativos cocriativos, nos quais há abertura à instabilidade, à escuta ativa e à retroalimentação, são aqueles em que a transdução se manifesta com maior densidade, permitindo compreendê-la como ferramenta analítica e modo de criação na música contemporânea.
Sonus ex machina: autonomia sonora em sintetizadores modulares na exposição Knob Detox
Investigamos aqui estratégias de composição autogenerativa com sintetizadores modulares, com base na exposição Knob Detox. Parte-se da questão: até que ponto sistemas modulares podem gerar música com mínima intervenção humana? Entende-se autogeneratividade como descentralização do criador e ativação de variações formais e texturais contínuas, a partir de condições previamente estabelecidas. A metodologia adotada é a pesquisa artística, com ênfase na autoetnografia colaborativa. Foram analisadas sete obras apresentadas na exposição. Os resultados apontam quais estratégias dentro do universo de modulares favorecem a emergência de tal música.
Cartografias entre dois pontos que seguram as cordas de um cello e uma linha de código
Este artigo explora a criação colaborativa de uma peça para violoncelo e sistemas interativos no ambiente SuperCollider, abordando múltiplas questões que emergem do processo. Com foco na interação entre performer e eletrônica em tempo real e nas noções de temporalidade na música, a pesquisa propõe uma cartografia do processo criativo, integrando prática e teoria. O método parte de conversas, trocas de materiais e experimentações, mapeando sons produzidos pelo violoncelo. Decisões composicionais baseiam-se em referências como Trevor Wishart e o minimalismo de Reich, explorando técnicas como delay reverso, que possibilita uma interação entre o som atual e o som passado do performer. Teorias de Simondon e Assis sobre transdução e micro-haecceidade informam o trabalho, expandindo a compreensão da performance musical como um processo contínuo de captura de forças e fluxos energéticos.
Este trabalho investiga as práticas musicais mediadas por videogames, com foco na relação entre interatividade, trilha sonora e agência do jogador. A partir de autores como Collins, Nyman, Villberg e Keller, propõe-se que jogar pode ser entendido como uma prática musical não tradicional, marcada por indeterminação e simulação sonora. Jogos de ritmo musical, como Guitar Hero, promovem uma experiência de performance simulada, baseada na reprodução perfeita de trilhas pré-gravadas, configurando um simulacro da prática musical. A música nos games se apresenta como um sistema dinâmico e não-linear, no qual o som emerge de forma responsiva às ações do jogador. Essa prática amplia a noção de instrumento e desafia os papéis tradicionais de compositor, intérprete e ouvinte. Argumenta-se que o jogador deve ser compreendido como agente interativo, cuja manipulação sonora resulta em experiências musicais singulares.
Intertextualidade musical na perspectiva das proporções revisionárias de Harold Bloom
Este trabalho investiga a teoria da influência literária formulada por Harold Bloom com foco na aplicação dessa teoria à composição musical. O objetivo é demonstrar como as seis “proporções revisionárias” — Clinamen, Tessera, Kenosis, Daemonização, Askesis e Apophrades — podem ser associadas a tropos retóricos, mecanismos de defesa psíquicos freudianos e, por fim, a procedimentos composicionais na música do século XX. A base teórica integra crítica literária, figuras retóricas e psicanálise, conforme articuladas por Bloom e Laplanche e Pontalis. O método consiste no exame conceitual de cada proporção, seguida de exemplos musicais para ilustrar a operacionalização composicional dos conceitos. Conclui-se que a teoria da influência de Bloom, apesar de oriunda da crítica literária, revela grande potencial heurístico para a análise e composição musical intertextual, ao permitir compreender a criação musical como campo de tensão psíquica, poética e estética entre tradição e inovação. O trabalho propõe, assim, um modelo interdisciplinar composicional.
Compor mundos: hibridação, apropriação e reflexões em busca de um fazer dialógico
Este trabalho propõe uma reflexão crítica sobre os desafios éticos e estéticos da criação musical brasileira contemporânea, especialmente frente às heranças do nacionalismo e do modernismo. Partindo da noção de que o ato compositivo carrega dimensões simbólicas complexas, o autor se debruça sobre a questão de como dialogar com saberes populares e culturas tradicionais sem incorrer em apropriação cultural, folclorização ou espetacularização. O texto tem como objetivo problematizar as práticas composicionais que buscam representar uma suposta identidade nacional e refletir sobre as assimetrias de poder envolvidas nas trocas culturais. Como base teórico-metodológica, utiliza-se o conceito de composicionalidade de Paulo Lima — com seus vetores de invenção de mundos, criticidade, prática e teoria, reciprocidade e campo de escolhas —, além de autores como Rios Filho, Carvalho, William e Piedade, que discutem hibridação, alteridade e apropriação cultural. Os resultados da investigação apontam para a necessidade de uma postura ética e dialógica na composição, que vá além da simples citação de elementos musicais e busque a invenção genuína de novos mundos sonoros a partir de encontros simbólicos e transformadores. Conclui-se que compor hoje exige consciência crítica sobre os processos de representação e pertencimento, e que a criação musical pode ser um espaço de resistência, diálogo e transformação mútua entre culturas. A pesquisa não busca respostas definitivas, mas oferece perspectivas para um fazer composicional engajado com as complexidades identitárias e simbólicas da contemporaneidade brasileira.
Recuperação de Vita Vitae, de Vânia Dantas Leite
Este artigo tem como objetivo delinear o processo de recuperação da obra Vita Vitae, de Vânia Dantas Leite, de forma a permitir futuras performances da composição. Serão detalhados os materiais já presentes no acervo do projeto Coleção de Música Eletroacústica e Experimental Carioca, assim como paratextos e materiais conexos recuperados recentemente. Serão descritos também os dois processos principais para recriação da obra: a transcrição de elementos ausentes na partitura original, a partir de um registro de sua performance; e a modelagem de processamentos do sintetizador Synthi AKS da EMS, utilizado pela compositora. Serão detalhados os procedimentos, instrumentos e desafios particulares a cada um dos processos de recuperação de Vita Vitae, de forma a permitir a execução futura da peça e/ou a revisão metodológica das técnicas utilizadas. Por fim, é reforçada a necessidade de manter viva a circulação da obra, dada a importância da autora, da peça e de seu conteúdo temático e histórico.
Site-specific é um termo que define práticas artísticas de intervenção (performance, escultura, sonora) destinadas a determinado lugar, onde o contexto é essencial para a clareza e compreensão dos vínculos estabelecidos com ele. São trabalhos artísticos que costumam depender da presença para maior entendimento do proposto e de difícil transposição sem perdas para outros espaços. Este texto traz uma peça musical, a qual também pode ser chamada de intervenção sonora ou diálogo com o espaço, cujo objetivo é conectar o fazer musical com os sons e eventos cotidianos da Praça 24 de Outubro, também conhecida popularmente na região como Praça de Inhaúma, em bairro homônimo, na zona norte da cidade do Rio de Janeiro (RJ). Após um relato da prática em âmbito musical, tendo como referenciais teóricos Jorge Menna Barreto (2007), Miwon Kwon (2002) e Pauline Oliveros (2010), são descritos todos os processos criativos e vínculos propostos para o site desde o início da pesquisa, passando pela coleta de material e esboços, até o convite e entrega das partituras para performance pelos seis trompetistas estratégica e simbolicamente posicionados na praça e seu entorno. Realiza-se uma reflexão sobre especificidades da performance e formas de se chegar ou ouvinte, através de relatos de interações ocorridas no dia. Conclui-se o texto com a indagação sobre a verticalização dos processos composicionais, uma vez que, em trabalhos como esse, a colaboração entre intérpretes e compositores costumam colocar todos em um lugar horizontal de trocas.
Se aproximar tanto que a escuta atravessa
A partir da apresentação de um processo criativo compartilhado da obra Desenhando com Água Preta, o autor se detém na escuta de uma gravação de campo realizada com sensor de vibração piezoelétrico durante a criação do trabalho artístico. A partir deste registro em áudio o autor busca articular na escuta tanto a convivência como o atravessamento de ideias como piezoeletricidade e transdução, vibrações e ressonâncias, corpo e toque e imagem háptica.
Coordenadas político-estéticas da música informal de Adorno repensadas a partir da improvisação radical
Buscamos esboçar uma aproximação entre a musique informelle proposta por Theodor W. Adorno (2018) e aquilo que aqui denominamos improvisação radical conforme concretizada maiormente no free jazz e na improvisação livre não-idiomática. Faremos isso focalizando a questão da liberdade ou da libertação musical, tratada a partir de Adorno como forma de mediação entre o ato construtivo subjetivo e o caráter de objetividade dos materiais e sistemas formais musicais. Propomos então uma caracterização inicial do modo como esta mediação se faz presente na música informal e na improvisação radical, delineando suas aproximações e divergências. Por fim, sugerimos que estas divergências advêm de uma distinção entre as bases político-estéticas de ambas as músicas, abordando a improvisação radical a partir de uma aproximação a autores da tradição política-estética negra como Gilroy (2012) e Moten (2023) para esboçar que a potencialidade política-estética radical singular da improvisação estaria vinculada àquilo que Lewis (1996) caracteriza como seu fundamento afrológico.
O som direto como elemento composicional sonoro no cinema paraibano:
Este trabalho investiga o som direto como elemento composicional sonoro no cinema contemporâneo, com foco em produções paraibanas. A pesquisa parte da hipótese de que o som captado em tempo real pode desempenhar funções estéticas e narrativas autônomas, ultrapassando sua concepção tradicional como simples registro técnico. O objetivo é analisar como produtores locais têm mobilizado o som direto como linguagem sensível, contribuindo para a construção de atmosferas, significados e experiências sonoras no audiovisual. Metodologicamente, adota-se uma abordagem interpretativa, articulando revisão bibliográfica, escuta atenta e análise fílmica. O referencial teórico baseia-se em autores como Michel Chion, R. Murray Schafer, Brandon LaBelle, Walter Murch e David Sonnenschein, cujas contribuições ajudam a compreender as potências narrativas, espaciais e sensoriais do som. A análise de filmes como Majestic Hotel (2018), ap. 210 (2013), A Alma das Ruas (2013), Curió (2023) e O Hóspede (2018) revela o uso inventivo do som direto e de ruídos ambientes como estratégias na construção estética, com destaque para a valorização das ambiências reais, das falas espontâneas e dos silêncios capturados durante as filmagens. Conclui-se que o som direto, ao ser apropriado de forma criativa, adquire um papel composicional que desloca as fronteiras entre música, ruído e narrativa audiovisual. A pesquisa reafirma a pertinência da escuta como ferramenta crítica e propõe o olhar do campo da sonologia para abarcar formas sonoras não convencionais, reforçando o diálogo entre som, imagem e experiência estética no cinema.
Diálogos entre orquestração, música contemporânea e práticas pedagógicas
Neste artigo, realizamos uma revisão bibliográfica sistemática que investiga a interseção entre três assuntos: orquestração, música contemporânea e pedagogia. Nossa ideia é mapear o estado da arte do ensino de orquestração contemporânea visando promover uma formação composicional alinhada ao século XXI. A revisão bibliográfica abrangeu 41 artigos, dissertações e teses selecionadas em quatro bases de dados e no repositório da rede de pesquisa ACTOR. Na seção dos resultados, destacamos os textos que dão luz à aspectos importantes para a compreensão da interseção entre os três assuntos em questão. Verificamos lacunas consistentes acerca do ensino de orquestração, principalmente no que tange o repertório contemporâneo e suas inovações técnicas. Por outro lado, também foi possível verificar alguns trabalhos que apresentam possíveis novos caminhos para a pedagogia da orquestração contemporânea. Conclui-se que futuras pesquisas são necessárias para sistematizar essa área fundamental da criação e ensino musical.
Uma experiência prática na criação e implementação sonora para videogames
Este artigo investiga o processo criativo na construção sonora para videogames, com foco na atuação do compositor e nas especificidades envolvidas na criação e implementação de áudio interativo. O objetivo é discutir os desafios estéticos e técnicos desse processo, com ênfase no uso do middleware de áudio FMOD. A pesquisa fundamenta-se em autores como Collins (2008), Jørgensen (2007), Meneguette (2016) e Camargo (2018), além de abordagens práticas da produção sonora em jogos digitais. Como metodologia, foi desenvolvido um protótipo de jogo com o intuito de simular situações reais de design e composição sonora, permitindo testar, aplicar e analisar diferentes estratégias sonoras, bem como compreender como se dão todas as etapas do processo de criação sonora para games — desde sua concepção até as etapas finais de implementação. Os resultados indicam que a familiaridade do compositor com todas as etapas permite ampliar sua autonomia criativa e sua colaboração com outras áreas do desenvolvimento.
Música procedural e cognição dinâmica nos videogames
A maioria das músicas em jogos digitais ainda opera com base em modelos composicionais sustentados por estruturas pré-definidas. Este artigo investiga os desafios e possibilidades da composição musical nesse contexto, a partir do seguinte questionamento: como conceber construções musicais capazes de se integrar aos sistemas dinâmicos e abertos dos jogos? Inicialmente, discutimos as limitações de uma abordagem estruturalista da escuta em ambientes interativos, com base em Lerdahl e Jackendoff (1983) e Lerdahl (1992). Em seguida, recorremos a Clarke (2005), Leman (2008), Oliveira (2014) e Grasso (2020), para explorar contribuições do paradigma dinâmico da cognição à escuta e à criação musical como processos incorporados e situados. A partir da taxonomia e do levantamento de sistemas generativos apresentado por Plut e Pasquier (2020), realizamos uma análise crítica de abordagens procedurais em nível composicional, apontando limitações recorrentes e possíveis caminhos futuros. Argumentamos, por fim, que experiências sonoras mais significativas dependem não apenas de avanços técnicos, mas de abordagens interdisciplinares que integrem música, cognição e as dinâmicas interativas de cada jogo.
Este trabalho, parte de uma pesquisa de mestrado em andamento, revisita as noções de música como performance (AUSLANDER, 2016; COOK, 2011; ALMEIDA, 2011) com o intuito de construir uma outra possível compreensão do termo, articulada também nos processos criativos do autor. Em um primeiro momento apresenta-se uma breve revisão de compreensões da performance (CARLSON, 2018; COHEN, 2002; CONQUERGOOD, 1991; CULL, 2020; GOLDBERG, 2011; SALTER, 2010), com o objetivo de ressaltar três escopos possíveis: (1) performance enquanto evento cultural e sua materialidade; (2) performance em suas relações com a performance art; (3) performance enquanto modo de pensamento e visão de mundo. Na seção seguinte, essa revisão é utilizada na discussão do conceito de música como performance. Em suma, o texto busca deslocar a performance de suas relações já pré-concebidas de música, direcionando um processo criativo que aproxima música da própria concepção de performance enquanto material de composição: uma música que, enquanto evento, é estritamente indefinível; que difere de suas representações; que não sabe, a priori, o que música é. Por fim, o texto aborda uma peça escrita por seu autor — para violão, mãos e projeção — buscando compreender como tal noção participa do processo criativo da peça.
Sobre uma convergência entre composição escrita e improvisação não-idiomática
Este trabalho propõe uma transversalidade acerca do conceito de escritura, pensado através de Adorno (2018; 2020) e Ferneyhough (1995a; 1995b), com a improvisação não-idiomática entendida a partir de Bailey (1993) e Costa (2016). Esta aproximação é realizada sobretudo através de um critério de escuta, i.e., da experiência de escuta intentada por tais formas artísticas. Proporemos uma aproximação entre os horizontes de experiência aural do projeto escritural e da improvisação não-idiomática através de convergências entre a dialetização entre estrutura e som compartilhada por ambos, tendo como marca maior uma processualidade contínua. Intentamos, com isso, jogar luz sobre o projeto escritural enquanto projeto de escuta e apontar ainda para um caráter desta escuta, que denominamos aqui de escuta estrutural dialética. Por fim, sugeriremos a centralidade desse modo de escuta à dinâmica improvisacional interna ao não-idiomatismo.
Artista, operador, pesquisador: um percurso metodológico de pesquisa artística em performance musical com base em instanciações
Este artigo propõe uma reflexão sobre estratégias metodológicas aplicadas à pesquisa artística em música, com foco na figura do performer como agente epistêmico. O estudo parte de experiências desenvolvidas no projeto Entre o Som e a Palavra, inserido no doutorado de um dos autores, e dialoga com os referenciais teóricos e operacionais do projeto MusicExperiment21 (ASSIS, 2018; SPRONCK, 2019). Com base em conceitos como sistemas experimentais e instanciações, o texto examina como a prática artística pode atuar simultaneamente como objeto e método de investigação. As instanciações são compreendidas como realizações concretas e situadas de um processo investigativo em curso, que reorganizam materiais, ideias e experiências em busca de novos sentidos estéticos e epistemológicos. Por meio das instanciações, a performance e os materiais relacionados são entendidos não como produto final, mas como campos produtores de conhecimento. O texto inclui uma discussão sobre os fundamentos da pesquisa artística, sua distinção em relação à musicologia tradicional e os modos pelos quais pensamento conceitual e sensibilidade performativa se articulam na criação artística contemporânea. Por fim, o artigo apresenta as singularidades da aplicação dessa lógica metodológica na trajetória do doutorado em questão, evidenciando um percurso autônomo e reflexivo de experimentação, no qual teoria, prática e criação se entrelaçam de forma crítica e situada. O modelo adotado contribui para repensar o papel do intérprete, que deixa de ser mero reprodutor para se tornar operador de sentidos e forças em constante reconfiguração.
Este trabalho propõe uma reflexão sobre a musicalidade amazônica contemporânea a partir da análise do episódio “Sampleados Ribeirinhos”, da web-série Sampleados. A produção utiliza o sampleamento como prática estético-política de reexistência, articulando sons, imagens e narrativas que ressignificam o cotidiano ribeirinho em linguagem digital e afetiva. A pesquisa adota abordagem qualitativa de natureza teórico-interpretativa, fundamentada na etnomusicologia, nos estudos culturais e nas epistemologias decoloniais, associada à etnografia virtual dos comentários publicados no YouTube. O episódio analisado é compreendido como cartografia sonora onde práticas tradicionais, como o carimbó, dialogam com recursos da cultura digital para construir sentidos de pertencimento, ancestralidade e resistência simbólica. A análise da recepção evidencia um engajamento afetivo por parte do público, especialmente marcado pela memória de Léo Platô, produtor da série. Os comentários revelam sentimentos de luto, orgulho local, valorização cultural e desejo de acesso, indicando a web-série como potente dispositivo de mediação e mobilização coletiva. O estudo mostra que a estética do sample remixa tempos, corpos e territórios, transformando a música em linguagem de insurgência e cuidado. Assim, a produção e sua recepção configuram uma escuta política que reposiciona a Amazônia Paraense como paisagem sonora viva, periférica e insurgente.
Diálogo, dispersão e borda para formar comunidade
O livro Seminários dispersos em criação musical – Volume I – Primeiras conversas apresenta um panorama multifacetado sobre a criação musical contemporânea, reunindo reflexões de compositores e pesquisadores como Jocy de Oliveira, Silvio Ferraz, Arthur Kampela, Edson Zampronha e Tatiana Catanzaro. Por meio de diálogos, os autores exploram temas como a intertextualidade, a semiótica, a gestualidade, a interdisciplinaridade e a resistência cultural. A publicação materializa o trabalho que vem sendo realizado pelo grupo de pesquisa “XXX”, a partir de uma abordagem dialógica como metodologia. O presente texto trata de questões fundamentais sobre o papel da música como prática expandida, destacando a importância da escuta ativa, da experimentação e da desconstrução de paradigmas acadêmicos e tradicionais. As falas revelam convergências e tensões, como a relação entre intuição e método, tradição e inovação, estrutura e fluidez. Além disso, destacamos a descolonização epistemológica no campo da música, com foco na produção musical latino-americana e na democratização do conhecimento. Os objetivos incluem, através da iniciativa de realização do Seminários dispersos em criação musical e da publicação do livro, ampliar o horizonte epistemológico, repensar a cena da música de concerto no Brasil e confrontar epistemologias hegemônicas, promovendo diálogos entre teoria e prática, política e crítica.
Ligando pontos no mapa do jazz manouche brasileiro
Reconhecido como o criador do estilo musical “jazz manouche”, o cigano belga Django Reinhardt (1910-1953) revolucionou a linguagem do violão e da guitarra elétrica no jazz. Amparado por documentos históricos, análise de material audiovisual e relatos de pesquisadores, críticos musicais, jornalistas e musicistas, reunimos aproximações das influências de Django nos brasileiros Aníbal Augusto Sardinha, o Garoto (1915-1955), e Laurindo de Almeida (1917-1995), integrantes do Conjunto Cordas Quentes e Duo Ritmo Sincopado. O levantamento sugere uma influência direta de Django na produção dos musicistas brasileiros, particularmente durante os anos de 1938-39. Entre os elementos que apontam para esta conexão, destaca-se a levada rítmica característica tocada pelo violão no jazz manouche, conhecida como “La Pompe”, e sua possível incorporação pelo Duo Sincopado em sua interpretação da canção “Música, Maestro, Por Favor” (Magidson & Wrubel, 1938), gravada em 1939. Adicionalmente, a partir de uma perspectiva experimental validada pela Cartografia e a Pesquisa Artística, propomos uma recriação do estilo de Garoto e Laurindo de Almeida, buscando não apenas uma aproximação no estilo de performance, mas também na busca pela sonoridade da gravação original, com o uso de recursos de captação e processamento de áudio.
A presença do modalismo na Suíte Violão ao Sul
Este trabalho apresenta as reflexões surgidas no processo criativo das canções Bateu e Surco Fui, ambas pertencentes à Suíte Violão ao Sul. Tomando como metodologia a pesquisa artística, discutiu-se a presença de certas colorações modais, pensando-os como possíveis elementos de unidade entre os movimentos. Também a relação dessas cores modais com certos idiomatismos do instrumento: os violonismos. Além disso, apresentou-se uma breve discussão sobre o modalismo na música popular e alguns momentos históricos importantes para a construção dos gêneros musicais Milonga e Candombe. Por fim, foi possível apresentar novas questões sobre o tema e refletir sobre as relações entre os violonismos e alguns modalismos presentes no repertório da região.
Este artigo apresenta os resultados parciais de uma pesquisa artística desenvolvida no Programa de Pós-Graduação em Música da ECA-USP, centrada na produção de Francisco Mignone para diferentes formações de fagote. O objetivo principal da investigação é registrar em áudio e vídeo esse repertório, documentando os processos de preparação interpretativa dos músicos envolvidos. Neste trabalho, o foco recai sobre a obra Mais uma lenda (1983). A pesquisa adota como base metodológica os princípios da pesquisa artística, conforme definidos por López-Cano e Opazo, privilegiando a prática musical como eixo estruturante de um processo de observação, registro, reflexão e planejamento performativo. Os principais resultados dizem respeito à avaliação prática da edição crítica recentemente publicada por Raquel Carneiro e Aloysio Fagerlande, à investigação de fontes manuscritas e fonográficas e à elaboração colaborativa da interpretação. Destacam-se, nesse percurso, questões técnicas e idiomáticas da escrita de Mignone, influenciada pela colaboração com o fagotista Noël Devos, bem como elementos estilísticos que revelam uma fusão entre referências espanholas e a linguagem seresteira brasileira. A descoberta da relação entre Mais uma lenda e a Lenda sertaneja n.1 para piano (1923), além da audição da gravação do compositor interpretando a peça ao piano, foram fundamentais para aprofundar a compreensão do caráter da obra. Conclui-se que o processo de construção interpretativa, alimentado pela escuta, pela colaboração e pela prática artística, é central para a revitalização desse repertório ainda pouco explorado. .
Esta comunicação busca, a partir do percurso trilhado na pesquisa de mestrado em criação musical, propor uma forma de pesquisa etnográfica que se apresente através de uma linguagem artística. Neste caso, não se trataria de uma etnografia sobre música, mas através dela, mais especificamente da canção como linguagem. Para tal, serão articuladas discussões vindas das áreas de pesquisa artística e etnográfica, buscando traçar conexões entre ambas na construção deste método de pesquisa particular proposto. As reflexões aqui propostas surgem a partir da indagação sobre quais outros conhecimentos e possibilidades de compreensão de um contexto sociocultural ou grupos sociais podem emergir ao pesquisarmos criando arte.
Escutando a dança-frevo: a composição de frevo de rua a partir da improvisação do passista
Este trabalho integra minha pesquisa de doutorado em andamento, desenvolvida nos moldes da investigação artística, que busca compreender como se dá a composição de frevos de rua inspirados nos movimentos corporais da dança-frevo. Evidencia-se, neste gênero, desde sua gênese, uma interação criativa entre compositor e dançarino (passista), em que música e dança se influenciam historicamente (Oliveira, 1971). Assumo como premissa a existência efetiva desse diálogo entre as duas formas de arte e proponho uma metodologia pessoal de criação, construída a partir da observação participante realizada. Apresento o conceito de fricção rítmico-gestual como forma de pensar a gestualidade do passista que se afasta da fraseologia tradicional do frevo e, ao ser incorporada, enseja novas possibilidades sonoras no que denomino processo de frevisação estendido, baseado no termo frevisaçãoproposto por Leonardo Saldanha (2008). Na abordagem desenvolvida, utilizo o vocabulário presente nas ferramentas de análise da música eletroacústica — especialmente a espectromorfologia de Denis Smalley (1986, 1997) e os termos das Unidades Semióticas Temporais (MIM) — para construir premissas-guias na elaboração de gestos musicais inferidos a partir dos movimentos dançados. Apresento, ainda, a realização de um experimento composicional que demonstra como se dá a materialização e o desenvolvimento desses gestos dando forma à composição, o que se mostrou eficaz do ponto de vista composicional.
A obra objeto de estudo desta comunicação, o quarteto para fagotes Sarabanda do meu jeito, de Francisco Mignone é uma peça de caráter contemplativo e que tem como principal dificuldade técnica sua escrita em bloco para o conjunto, de forma contínua e de duração relativamente longa devido ao andamento lento característico da sarabanda, conferindo desafios latentes de resistência da embocadura e sonoridade para o grupo (Carneiro, 2021). Em especial, para a primeira voz do quarteto é somada a dificuldade do uso por Mignone da região agudíssima do fagote, principalmente ao fim da obra, devido à fadiga da embocadura. Ademais, o relato está baseado nos preceitos da pesquisa artística de López-Cano (2024) e López-Cano&Opazo (2014), utilizando os conceitos de interação e retroalimentação, auto inventário e de rememoração estimulada por gravação de vídeo, que neste caso tem como referência nossas gravações das últimas apresentações do Quarteto de Fagotes da XXXX. Sendo assim, descrevemos a dinâmica de ensaio envolvendo a observação do material editado contraposto ao manuscrito original disponível na edição crítica. Posto isto, relato as principais dificuldades e sugiro estratégias na preparação da performance deste quarteto.
Seria a pesquisa artística apropriada para a teorização da improvisação livre?
Este trabalho busca delinear uma aproximação entre a pesquisa artística, enquanto via de teorização da prática artística, e a improvisação livre enquanto campo tanto prático quanto teórico. Mais do que aplicar a pesquisa artística à improvisação livre, interessa-nos perguntar se a pesquisa artística poderia ser mostrar um modo de investigação apropriado às questões e diretrizes imanentes à improvisação – i.e., se a pesquisa artística poderia constituir uma forma de reflexividade apropriada à teorização da improvisação, ou uma metodologia potencializadora da reflexão da improvisação acerca de sua própria prática, problemática que é alvo de amplas divergências e debates internamente ao campo dos Estudos da Improvisação. Pretendendo identificar e abrir possíveis desdobramentos desta questão, esboçamos então uma primeira resposta a esta problemática através de uma elaboração acerca de três ressonâncias ou confluências que indicariam uma forte transversalidade entre os princípios e diretrizes estéticos, epistemológicos e metodológicos da pesquisa artística e da improvisação livre – quais sejam, o experimentalismo, o foco na prática e a singularidade.
Tríades abertas e palhetada híbrida no Estudo 1
Este trabalho apresenta uma pesquisa artística focada na elaboração, prática e análise do Estudo 1, uma composição autoral para guitarra e violão. O objetivo principal foi investigar a aplicação de conceitos de improvisação moderna, como tríades abertas e escalas com cromatismos (bebop), inspirados em guitarristas como Julian Lage e Jonathan Kreisberg, visando o desenvolvimento da performance e improvisação. A metodologia adotada foi a pesquisa artística, fundamentada em tarefas autoetnográficas de auto-observação direta e indireta, e reflexão incorporada, conforme López-Cano e San Cristóbal (2014). Foram utilizados diários de estudo, gravações audiovisuais e partituras para registrar e analisar o processo criativo e técnico. Os resultados demonstram a integração entre técnica, intuição improvisativa e eficiência instrumental. A investigação revelou as digitações de mão direita mais eficientes para tríades abertas com uso de técnica híbrida combinada com trechos em sweep picking. As análises dos registros audiovisuais evidenciaram o progresso técnico e a exploração de variações interpretativas. Conclui-se que o Estudo 1 não apenas enriqueceu o vocabulário improvisatório e as habilidades de arranjo do autor, mas também possui significativo potencial pedagógico e metodológico, servindo como ferramenta formativa e modelo de pesquisa artística baseada na prática.
Fotografias da infância como um disparador criativo
Este artigo propõe-se a analisar a criação da canção Maria, parte do EP Acalanto, desenvolvido entre 2024 e 2025 como resultado de uma pesquisa artística baseada em fotografias da infância. A composição surge a partir de duas imagens selecionadas por seu valor afetivo, ativando lembranças ligadas à maternidade. A pesquisa utiliza como referenciais a análise pré-iconográfica de Panofsky (1955) e a cartografia sentimental de Rolnik (2006), aliadas ao uso de um diário pessoal como ferramenta para registrar sensações, observações e evocações. O trabalho também ancora-se na pesquisa artística, compreendida como prática investigativa em que a criação e a reflexão se entrelaçam (Bragagnolo; Daltro; Sanchez, 2022). Ao investigar Maria, o artigo propõe entender a canção como documento afetivo e tecnologia de memória (Keightley; Pickering, 2006), articulando a análise objetiva das imagens com evocações subjetivas. Referências como Barthes (1981), Ernaux (2016) e Hirsch (2008) ajudam a pensar a fotografia como um disparador sensível entre o real e o imaginado. Conclui-se que a canção pode ser um espaço para a elaboração de si, ao articular a memória, os meios de registro e também apresenta-se como uma tecnologia de memória e narrativa de si. O trabalho evidencia como elementos objetivos e subjetivos se convertem em canção, apontando a composição de canção como prática de reinscrição e ressignificação de memórias.
A performance na música eletroacústica mista
Este trabalho percorre um trajeto crítico sobre os desafios performáticos na música eletroacústica mista, com atenção ao contexto brasileiro. Partindo da constatação da marginalização do performer nesse repertório (Zamith, 2013), examinamos como a relação assimétrica entre partes acústicas e eletrônicas, somada à obsolescência tecnológica (Puckette & Settel, 1993) e à falta de padronização documental (Emerson, 2015), comprometem a prática e preservação dessas obras. A pesquisa artística (Assis, 2018) surge como paradigma metodológico capaz de superar essas limitações, integrando performance, análise e reconstrução (Wetzel, 2006) em um processo dinâmico de conhecimento. Na aplicação prática, demonstramos como essa abordagem responde aos desafios específicos de obras brasileiras pioneiras para violoncelo e eletrônica - desde questões técnicas de remasterização até a documentação de processos improvisacionais -, reposicionando o performer como agente central na preservação do repertório.
Abordagem etnográfica em acervos musicográficos
Esta comunicação é fruto de pesquisa de doutorado concluída e tem por objetivo apresentar discussões e resultados do estudo, que teve como foco acervos musicográficos de duas bandas civis centenárias, que mantêm sob sua custódia mais de 1700 obras manuscritas. O estudo foi desenvolvido a partir de uma abordagem etnográfica de arquivos. A coleta de dados também incluiu a pesquisa em periódicos e diálogo com integrantes das bandas, a fim de responder aos seguintes questionamentos: Em que contexto surgiram as bandas e por quais transformações passaram, em termos de formação, atuação e repertório, para se manter em atividade? No total, foram contabilizados nos dois acervos 1.196 envelopes contendo 18.384 folhas, entre partes e partituras. O gênero predominante em ambos os acervos é o dobrado, seguido pela valsa. Fundadas no contexto abolicionista, as duas bandas passaram por diversas transformações até hoje, dentre as quais se destaca a drástica diminuição de integrantes negros. Por outro lado, a participação de mulheres, inexistente no princípio, atualmente é bem significativa. As bandas já não se envolvem em questões político-partidárias, mas seguem atuando nas festividades religiosas e cívico-militares. O repertório também se modificou para atender às demandas do público, incluindo atualmente gêneros como pagode, rock, pop e música sertaneja.
Duas grandes coleções musicais presentes nas cidades alemãs de Regensburg e Berlim contribuem de forma decisiva com a busca por partituras de Frei Pedro Sinzig O.F.M., cuja presença no Brasil nos é desconhecida, até a presente data. Somadas a outros acervos de menor porte, elas revelam não apenas um volume considerável de obras musicais, mas também diversos itens únicos. Nosso objetivo é o levantamento deste repertório, a partir do cruzamento de dados manuais e digitais de bibliotecas, arquivos e bancos de espólios alemães. Ressaltamos a importância histórica das obras estudadas, associada a aspectos de sua recepção que se revelam através da organização em coleções específicas. Apresentamos em nossa conclusão a relevância de redes de sociabilidade para a manutenção de legados musicais, assim como a influência de diferentes políticas de distribuição por parte de editoras musicais.
O acervo musical da Igreja Matriz de São José da cidade de Além Paraíba
A história das práticas musicais no Brasil para além dos grandes centros urbanos ainda constitui um desafio que perpassa necessariamente a localização de acervos musicais e o estudo das fontes a eles recolhidas. Neste trabalho, busca-se analisar os vestígios – e como tais, elementos parciais que foram legados ao presente – das práticas musicais ocorridas na Igreja Matriz de São José da cidade de Além Paraíba, cidade do interior de Minas Gerais na fronteira com o Rio de Janeiro. A partir da pesquisa in loco, foram produzidas fotografias dos documentos musicográficos e instrumentos musicais conservados na igreja e realizada a posterior análise de seu conteúdo. Busca-se não apenas compreender as características dos documentos, mas também as possíveis relações destes com a localização peculiar da cidade. Os resultados apontam para documentos musicográficos do século XX, que representam os principais gêneros que circularam na Igreja Católica durante a chamada Restauração musical: a “polifonia moderna” e o canto religioso popular em língua vernácula. A datação do acervo se concentra principalmente na primeira metade do século XX, embora haja itens pós-conciliares. O acervo remanescente é resultado de um descarte parcial. Finalmente, deve-se observar que parte expressiva dos documentos localizados foi publicada no Rio de Janeiro e em Juiz de Fora, dois polos de produção de impressos de música religiosa, entre os quais a cidade está localizada, revelando um aspecto local singular em termos de seleção dos impressos. A presença de um harmônio e de um órgão eletrônico também refletem uma concepção restaurista do fazer musical católico.
Instrumentos musicais e documentos musicográficos no acervo do Museu da Capela das Irmãs Dominicanas de Monteils em Uberaba-MG
Dentre as muitas ordens e congregações religiosas chegadas da Europa ao Brasil em fins do século XIX, após um período de forte oposição no Império, estão os frades dominicanos e as Irmãs Dominicanas de Nossa Senhora do Rosário de Monteils. Os ramos masculino e feminino passaram a atuar no Brasil a partir da década de 1880, especialmente na então Diocese de Goiás. Neste trabalho, busca-se analisar os elementos que apontam para atividades musicais recolhidos ao Museu da Capela, das Irmãs Dominicanas, na cidade de Uberaba, em Minas Gerais. Questiona-se não apenas a periodização e características gerais desses itens, mas também suas possíveis relações com práticas musicais do passado e com a identidade dominicana. À luz das relações entre memória e identidade em Joël Candau, do patrimônio cultural de cariz bibliográfico, em Mouren e dos lugares de memória em Pierre Nora, os dados obtidos em pesquisa realizada in loco foram analisados. Os resultados apontam para grande diversidade de instrumentos, com prevalência de instrumentos de teclados, mais diretamente vinculados às práticas de música religiosa, mas também ao ensino de música, assim como atividades de ensino voltadas à banda de música e outros instrumentos. Os documentos musicográficos revelam, em sua maior parte, a atividade musical litúrgica das religiosas, mas um caderno de música manuscrito é sugestivo do estudo ou de atividades profissionais no campo da música fora do convento.
Arranjos de Cyro Pereira na Rádio Record
O presente artigo visa contribuir para a preservação da memória musical por meio da análise do acondicionamento e do estado de catalogação de dois acervos: o de Cyro Pereira (Unicamp) e o da Rádio Record (Conservatório de Tatuí). Para isso, foram realizadas revisões bibliográficas e análises dos manuscritos nos referidos acervos, as quais revelaram problemáticas relacionadas à imprecisão das informações disponíveis e à dificuldade de acesso ao material na atualidade. Como referencial teórico, foram utilizados os estudos sobre memória (Nora), arquivologia (Farge), rememoração (Benjamin) e interdisciplinaridade aplicada aos acervos musicais (Duarte). Como resultado do trabalho, é possível evidenciar aspectos relevantes para a preservação da história da Rádio Record, com destaque especial para a atuação do arranjador Cyro Pereira.
Reflexão a respeito dos impactos das mudanças de site da ANPPOM entre 2021 e 2025. A comunicação apresenta uma contextualização da associação e da nova função que sites acadêmicos brasileiros passaram a ter quer exercer na virada dos anos 2000 para os anos 2010, a constituição de uma linha do tempo dos sites mantidos pela associação e considerações a respeito de perdas informacionais documentos nos âmbitos histórico-epistemológico, ético-social, de eficiência coletiva e da divulgação científica. Como resultados, destaca-se os dez sites localizados e a média de cerca de 2 anos e 5 meses como tempo de vida dos sites. A comunicação se encerra com apontamentos sobre possíveis mudanças na condução do gerenciamento do site.
Rumo a um Guia Digital de Acervos Musicais
A partir do estudo de iniciativas anteriores, discutem-se subsídios técnicos para a criação de um guia digital de acervos de interesse musical e musicológico em âmbito nacional, baseado em elementos hipertextuais. São analisadas iniciativas anteriores, a fim de estudar especialmente aspectos que possam causar necessidade de atualização dos dados levantados. Como resultado da análise, nota-se a tensão entre guias de caráter permanente ou corrente e os acervos, sempre suscetíveis a transformações. Conclui-se a comunicação com o esboço de uma proposta de guia que possa dar conta das frequentes mudanças dos acervos.
Presença e atuação musical feminina no Recife entre os séculos XIX e XX
Nesta comunicação, tratamos da documentação musicológica reunida no Acervo Padre Jaime Diniz sobre a atuação musical feminina no Recife entre os séculos XIX e XX. Partindo das 138 fichas onomásticas identificadas, além de um caderno com anotações de pesquisa, que representam parte importante do labor musicológico de Jaime Cavalcanti Diniz, este trabalho tem como objetivo analisar a representatividade feminina nos registros desse acervo como possível contribuição para os estudos em música e gênero. Os procedimentos adotados dentro desse propósito consistiram em etapas como: 1) o levantamento de informações sobre musicistas mulheres entre os documentos elaborados por Diniz; 2) a identificação dos registros no corpus documental; 3) a transcrição das fichas selecionadas; 4) análise e cotejo parciais entre elas e fontes que o musicólogo consultou para elaborá-las, cujo propósito foi buscar compreender o contexto da recolha documental feita pelo próprio musicólogo e, por fim; 5) selecionamos o caso da musicista Lisá Diniz para demonstrar como esse material pode apoiar futuros estudos acerca das trajetórias, papéis e criações musicais dessas mulheres. Reconhecemos que a temática é de interesse para os estudos de música e gênero, já que fontes e memórias sobre mulheres na música têm sido sistematicamente silenciadas. Por isso, organizar e disponibilizar informações sobre esses materiais de investigação, a partir de um olhar contra-hegemônico, pode contribuir para a construção de uma musicologia mais plural e inclusiva.
Os documentos musicográficos no arquivo da Cúria Metropolitana de Pouso Alegre, em Minas Gerais
Entre o último quartel do século XIX e a primeira metade do século XX, muitas dioceses foram criadas e algumas dioceses, elevadas a arquidioceses. Tal fenômeno envolvia uma estratégia de maior controle das práticas religiosas e uma presença mais efetiva do clero até mesmo nas mais remotas regiões do país. Uma das dioceses criadas neste contexto da chamada Romanização foi Pouso Alegre, em Minas Gerais, no ano de 1900. Com a criação de uma diocese, documentos decorrentes de suas atividades passam a ser criados e parte dos documentos paroquiais também demanda recolhimento, donde surge a necessidade de um arquivo. Neste trabalho, busca-se conhecer a parcela do arquivo da Arquidiocese de Pouso Alegre – elevada a esta condição em 1962 – composta por documentos musicográficos. Questionam-se as características de tais documentos e suas possíveis relações com a memória e a identidade locais, conceitos estes presentes na obra de Joël Candau. O estudo dos dados obtidos em pesquisa documental realizada in loco se fez à luz dos grandes movimentos que envolveram as práticas musicais católicas no século XX. Os resultados apontam para a prevalência de repertório restaurista, com concentração nas primeiras décadas do século XX e a vinculação com a história local por meio dos detentores dos documentos, em sua maioria, clérigos ou aspirantes ao clero, que parece ter sido um fator determinante para o recolhimento.
O Repertório Internacional de Fontes Musicais (RISM) é uma organização sem fins lucrativos cuja missão é documentar as fontes musicográficas existentes em arquivos de todo o mundo. A base de dados mantida pelo RISM contem hoje mais de 1,5 milhão de registros referentes a documentos musicográficos pertencentes a arquivos sediados em 53 países, contribuindo para ampliar a respectiva acessibilidade. O Brasil está sub representado nesta base, com menos de mil registros relativos a fontes musicográficas abrigadas em diferentes instituições do país. Apesar de alguns avanços, persistem desafios, principalmente devidos às limitações das instituições em termos de recursos humanos. Este trabalho apresenta uma reflexão a respeito da participação de instituições brasileiras na iniciativa RISM.
A participação de compositoras e instrumentistas na construção da cena atual do choro na cidade de Belo Horizonte
O presente artigo apresenta um breve histórico sobre o desenvolvimento do gênero choro na cidade de Belo Horizonte através de uma perspectiva feminista, com ênfase na presença das mulheres na cena contemporânea do choro na cidade. A pesquisa de mestrado, em andamento, parte de uma investigação documental, de entrevistas e de observação participante como instrumentistas nesse contexto e prevê a realização de um site e banco de dados com perfis das instrumentistas e partituras das compositoras pesquisadas.
O simbólico e a prática do choro em Brasília
Tendo em vista a possibilidade das Rodas de Choro integrarem um processo de reconstrução de identidades em Brasília, uma cidade modernista, resultante de um projeto extremamente racionalizado e funcional, o presente trabalho teve como objetivo investigar esse processo, buscando alguns elementos que o teriam forjado. Considerando as peculiaridades dessa manifestação musical e esse contexto, junto à abordagem teórica (Certeau, 2014; Castoriadis, 2010; Pesavento, 2002), pesquisa bibliográfica, fontes documentais (periódicos e arquivos pessoais) e fontes orais (chorões e/ou familiares de antigos chorões que atuam/atuaram em Brasília), a Roda de Choro pôde ser abordada tendo-se como suporte o simbólico, ou seja, percebida como um ritual (DaMatta,1997) propositor de uma “outra possibilidade de vida” para os migrantes que estranharam a cidade modernista recém construída que vieram ocupar. Como resultado, constatou-se um convívio muito próximo e constante entre migrantes, através da tradição musical carioca que trouxeram na bagagem, que se caracterizava por uma ambiência afetuosa, fraterna, descontraída, regada a comida e bebida. Prática musical que, através da metodologia adotada, pôde ser abordada integrando um processo de reconstrução de identidades, como uma oportunidade que estes migrantes tiveram de alterar as regras impostas pela ordem social e pela arquitetura engessadoras de comportamentos.
Elementos idiomáticos do Violão de 7 Cordas de Aço utilizados no processo criativo e na concepção da obra Obrigado, Dino
Este artigo propõe uma reflexão sobre meu processo criativo a partir de dois elementos musicais idiomáticos do violão de 7 cordas de aço utilizados por Dino 7 Cordas. Como parte da minha pesquisa de doutorado, é apresentada a seção B da reelaboração Obrigado, Dino que tem como princípio a obra e o sotaque musical, em que são apontados e analisados tais elementos como a importância do violonista Dino para a cristalização na concepção idiomática do violão de 7 cordas de acompanhamento. A partir de tais elementos musicais, o processo de criação, de reelaboração musical, propõe desdobramentos do acompanhamento para a concepção de uma nova obra.
O trompetista e compositor negro Bomfiglio de Oliveira e seus fonogramas associados à base de dados Discografia Brasileira
O artigo trata dos fonogramas mapeados na plataforma Discografia Brasileira, associados ao trompetista e compositor Bomfiglio de Oliveira. Para tal, busco as ocorrências do músico nas seções: autor; intérprete; e acompanhamento. Utilizando as grafias: Bonfiglio; Bomfiglio; Bonfilio; Bomfilio; Bonfilho; Bomfilho; e Bonfigli. O mapeamento serviu para demonstrar a atuação profissional de Bomfiglio de Oliveira enquanto intérprete de suas composições, propor considerações sobre suas escolhas nos gêneros musicais que se dedicou a compor, bem como pôde iluminar os diferentes intérpretes e conjuntos musicais que foram responsáveis por registrar suas obras. Dessa forma, foi possível desvendar estratégias adotadas por Bomfiglio para sua inserção no mercado de trabalho, além de iluminar um aspecto mais prático de sua participação como músico negro na sociedade.
Este estudo teve como objetivo investigar o percurso do saxofone dentro do choro, incluindo especificidades relacionadas a intérpretes representativos do instrumento no gênero. A pesquisa foi motivada pela necessidade de organização de um recital didático como Trabalho de Conclusão de Curso de graduação, consistindo de uma apresentação sobre a temática. A investigação teve caráter bibliográfico, com abordagem qualitativa, e como resultados foram encontradas informações relevantes sobre a chegada do saxofone ao Brasil, a conformação do choro e a relação do instrumento com o gênero. O estudo contribuiu com o processo de seleção e estudo das canções escolhidas para o recital, fortalecendo a compreensão histórica, técnica e estilística da atuação do saxofone no universo do choro.
O presente trabalho apresenta os fundamentos que embasam o desenvolvimento de um repositório em formato virtual dos choros compostos para flauta doce, cujo propósito é difundir práticas interpretativas e composicionais, e colaborar com a preservação e manutenção das atividades do Choro vinculadas à flauta doce. O repositório também tem o intuito de instigar pesquisas acadêmicas e artísticas voltadas aos choros originais para flauta doce. Construído a partir de catálogos e fontes documentais, através de uma abordagem qualitativa, o repositório se constitui como um meio democrático de difusão das obras e se baseia em catálogos para flauta doce desenvolvidos no Brasil desde os anos 2000. Trazendo fichas catalográficas com dados sobres as obras, o repositório também reunirá informações sobre fonogramas e os intérpretes ligados à composição e estreias das obras.
Este trabalho apresenta uma análise reflexiva de dois arranjos autorais de choros conhecidos, para flauta solo. A proposta partiu da compreensão de que o fazer musical está relacionado com o pensamento analítico musical, tornando necessário refletir sobre o processo de criação e estruturação dos arranjos. O objetivo geral foi analisar as escolhas musicais na criação de arranjos dos choros Brejeiro, de Ernesto Nazareth e Flor Amorosa, de Joaquim Callado, considerando as particularidades idiomáticas da flauta transversal na linguagem do choro. Os objetivos específicos envolveram a compreensão da linguagem do choro, a exploração dos aspectos idiomáticos da flauta e a reflexão sobre os materiais musicais usados nos arranjos. A base teórico-metodológica se insere no campo da pesquisa artística, uma vez que valoriza a experiência do artista como parte do processo reflexivo e foi fundamentada por (Almada, 2006), (Geus, 2009), (Sève, 2021), (Machado, 2019) e outros. Os resultados indicaram que a criação de arranjos de choros para flauta solo, além de ampliar este repertório, pode contribuir para a valorização da música brasileira popular no contexto acadêmico, bem como pode estimular o desenvolvimento técnico do flautista, se familiarizando com práticas comuns no choro, como a improvisação.
Memórias do cavaquinho brasileiro no início do século XX
No presente artigo realizo uma discussão sobre a memória do cavaquinho brasileiro do início do século XX, a partir da transcrição de uma entrevista, localizada no Instituto Moreira Salles, com Honório Cavaquinho, cavaquinista de choro nascido em 1889. Busco entender como o material pode contribuir para a compreensão de aspectos relacionados à aprendizagem, transmissão, identidade e reconhecimento do cavaquinho no período. Utilizo-me de conceitos de Halbwachs e Pollak para discutir a construção da memória do choro do período e o lugar da memória do cavaquinho brasileiro no campo de disputas da memória nacional. A entrevista de Honório revelou-se uma fonte capaz de trazer não apenas informações sobre personagens, instrumentos e casos pouco conhecidos da música popular brasileira urbana da primeira metade do séc. XX, mas também apontamentos relevantes para discussões sobre as formas de aprendizado de cavaquinho, a associação do instrumento a identidades raciais e os critérios que definiam um bom músico acompanhador no período.
II Encontro e Oficina de Choro na Universidade Federal da Bahia
O artigo analisa duas ações extensionistas realizadas pelo Núcleo de Choro da Escola de Música da UFBA no primeiro semestre de 2025: o II Encontro do Choro e a Oficina de Choro. O objetivo foi refletir sobre seus impactos e buscar melhorias para futuras edições. A pesquisa adotou uma metodologia participativa, com coleta de dados via documentos, redes sociais, registros audiovisuais e avaliações dos/das participantes. O II Encontro teve caráter artístico e científico, incluindo rodas de choro, recitais, mostra de composições autorais, e rodas de conversa sobre a presença negra e das mulheres no choro e a inserção do gênero na universidade. Promoveu-se a inclusão de docentes e discentes que ainda não haviam participado das atividades do Núcleo. Já a Oficina teve foco pedagógico, com atividades divididas em prática de naipes, roda didática, roda tradicional e apresentação pública. Participaram cerca de 30 a 35 pessoas por aula, com destaque para a presença feminina e de membros da comunidade externa. As práticas foram pensadas para ensinar a execução do gênero, assim como a autoconfiança para tocar na roda de choro. Os resultados indicam avanços na participação dos/das instrumentistas. A metodologia da Oficina, fundamentada no ensino coletivo e aliada à sua realização aos sábados, contribuiu significativamente para superar desafios anteriores. O artigo conclui que o modelo adotado favorece a aprendizagem musical, fortalece laços com a comunidade e promove o choro no contexto acadêmico.
Este trabalho apresenta um estudo interpretativo da obra Ginga 57, de Moacyr Portes, utilizando a partitura original e a interpretação gravada em disco no ano de 1961. Foram analisados os signos encontrados na partitura e as ações adotadas pelo intérprete para convertê-los em sons na gravação, identificando, assim, as semelhanças, igualdades e diferenças interpretativas entre esses dois materiais. O material selecionado para pesquisa pertence ao acervo da Rádio Inconfidência, diante disso, é apresentado um breve histórico da Rádio e a trajetória profissional de Portes. Como resultados da análise comparativa entre partitura e interpretação gravada de Ginga 57, espera-se obter possíveis formas de leitura do texto musical que evidenciem as estratégias interpretativas e a utilização de elementos pertinentes ao gênero musical da peça que não constam na partitura.
Os espaços do choro em Belo Horizonte a partir da sua inserção na Rádio Inconfidência
Buscando compreender o choro no contexto de Belo Horizonte, Minas Gerais, o papel e história da Rádio Inconfidência (atuante desde 1936) se destaca como uma estrutura transformadora que impulsionou a criação de espaços para a prática do choro na capital mineira. Tendo como objeto de estudo o choro tanto no contexto radiofônico quanto na sua inserção em Belo Horizonte, este trabalho visa apresentar uma narrativa do panorama histórico do choro nesta cidade, tendo como eixo a Rádio Inconfidência. Assim, o procedimento metodológico se baseia em uma pesquisa arquivística no Acervo da Rádio Inconfidência integrado ao Núcleo de Acervos da Escola de Música da Universidade do Estado de Minas Gerais sobre os repertórios tocados pelas orquestras da emissora, tendo sido realizado um levantamento dos choros arranjados e tocados nesse contexto. A pesquisa contribui para caminhos possíveis para se estudar acervos musicais além do documento musicográfico em si, ampliando o estudo do choro em suas dimensões históricas e sociais.
A Base de Dados do Choro Patrimônio como ferramenta de salvaguarda
O registro do Choro como Patrimônio Cultural Imaterial do Brasil pelo Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional, em 2024, marca uma etapa significativa para as políticas públicas de salvaguarda voltadas para a gestão dos bens imateriais, destacando a participação ativa dos detentores culturais. Este trabalho reflete sobre o papel da Base de Dados do Choro Patrimônio no contexto pós registro, a partir da experiência da autora como bolsista no projeto de pesquisa desenvolvido pela Universidade Federal de Pelotas. A pesquisa fundamenta-se em referenciais das áreas de Patrimônio, Museologia e Gestão de Acervos, adotando uma metodologia interdisciplinar e colaborativa. As ações do projeto incluem o mapeamento de acervos, associações e práticas culturais, a reformulação do site, a produção de materiais de divulgação, capacitações e fruição do Choro. Com o resultado, observa-se que a base atua como ferramenta estratégica de salvaguarda ao promover a documentação colaborativa, democratização da informação e o fortalecimento das redes de comunicação entre detentores, pesquisadores e instituições. Contudo, o trabalho aponta desafios, como a escassez de colaboradores de áreas técnicas, o que limita o aprimoramento do projeto. Conclui-se que a base não apenas registra informações, mas também promove as práticas culturais, funcionando como um arquivo vivo que integra a gestão de acervos imateriais às políticas públicas de preservação.
Esta comunicação apresenta uma análise longitudinal da trajetória de Helena, nome fictício usado para uma musicista participante de rodas de choro, focando nas dimensões de gênero, raça e classe em sua experiência no campo da música brasileira e no choro, especificamente. A pesquisa parte de entrevistas realizadas em 2020 e 2025, com o mesmo roteiro para análise comparativa das transformações em sua percepção e vivência como mulher instrumentista em ambiente historicamente masculino. Em 2020, Helena sentia-se acolhida nas rodas de choro, motivada pela prática musical e interação com outros músicos, sem identificar obstáculos de gênero. Em 2025, sua consciência crítica se aprofunda: reconhece barreiras estruturais, como desvalorização, humilhação, assédio e falta de reconhecimento, especialmente ao apresentar composições próprias ou aprender novos instrumentos. Helena destaca o tratamento diferenciado entre mulheres e homens, evidenciando que, mesmo com maior domínio técnico, mulheres enfrentam maior resistência e menor acolhimento em comparação aos homens em estágios iniciais. O estudo mostra que essas dificuldades refletem dinâmicas coletivas de exclusão atravessadas por marcadores sociais. Os estudos de gênero são elemento central, não apenas simbólico, mas motor de transformação social. Compartilhar experiências e ocupar espaços historicamente negados legítima e amplia a presença das mulheres no choro, inspirando outras a seguir trajetórias semelhantes. A luta por reconhecimento e equidade nas rodas de choro é individual e coletiva. Valorizar narrativas de mulheres, fortalecer redes de apoio e promover práticas inclusivas são essenciais para transformar o cenário musical da música brasileira.
O presente artigo tem como objetivo principal comunicar a existência de uma pesquisa em andamento que tem por finalidade a produção de um caderno de partituras, contendo elementos biográficos do compositor e bandolinista Rossini Ferreira. O que se comunica neste presente trabalho é parte da etapa inicial do levantamento bibliográfico e do levantamento parcial de sua obra. Utilizando a metodologia da Pesquisa Bibliográfica, o trabalho conseguiu reunir livros, artigos, dissertações e cadernos de partituras que ajudam a compreender elementos da biografia e da integralidade da obra de Rossini. Dentre os resultados parciais, destaco o atual número de obras do compositor que, até o momento, já é o maior relatado. Como conclusões, a pesquisa aponta que ainda há necessidade de continuar a pesquisa pela integralidade de sua obra, a realização de entrevista com interlocutores que conheceram o compositor e aferir as melodias das músicas que já foram gravadas com as dos cadernos de partituras.
Estratégias pedagógicas de professores de música em Belém-PA para autistas
Embora as condições de autistas no Brasil sejam hoje melhores do que jamais foram, tendo suas necessidades respeitadas por meio de amparo legal, a exemplo da Lei Berenice Piana de 2012, ainda há muito desconhecimento e preconceito na sociedade em torno do autismo, inclusive entre profissionais da educação musical. Esta pesquisa tem como objetivo geral analisar estratégias pedagógicas de professores de música em Belém do Pará para autistas em variados contextos, a partir de entrevistas semi-estruturadas com professores de música, alunos autistas destes professores, e suas famílias. Este objetivo se desdobra especificamente em (a) Descrever experiências de professores de música em Belém-PA para autistas; (b) Registrar estratégias pedagógicas bem-sucedidas de educação musical para autistas; (c) Identificar níveis de rendimento, satisfação e desenvolvimento global de alunos autistas com a educação musical, e (d) Descrever contextos biopsicossociais dos alunos autistas e demarcar a influência da educação musical em sua formação. Esta é uma pesquisa em andamento e esperamos obter uma visão diagnóstica da educação musical inclusiva para autistas em Belém-PA, e possivelmente divulgar metodologias bem-sucedidas nesta área.
Este artigo discute a inclusão de crianças com Transtorno do Espectro Autista (TEA) na escola, com ênfase na educação musical, e os desafios enfrentados diante das políticas públicas educacionais brasileiras. Partindo do questionamento se tais políticas vêm efetivamente promovendo a inclusão educacional desse público, o objetivo foi analisar o alinhamento entre os dispositivos legais e a prática pedagógica nas escolas, especialmente no ensino de música. Baseado em autores como Louro (2021), Arendt (1998) e Camurça (2017), que discutem inclusão, diversidade e direitos humanos, além da limitação dos métodos tradicionais frente às demandas específicas de alunos com TEA, utiliza-se da metodologia qualitativa, por meio de revisão bibliográfica, abordando aspectos históricos, conceituais e legais do autismo, bem como a aplicação das políticas públicas na prática escolar. Os resultados apontam que, embora exista um respaldo legal crescente, a aplicação das políticas públicas ainda é ineficaz, marcada por ausência de planejamento, investimentos escassos e formação pedagógica limitada. Na educação musical, esses desafios são mais evidentes, dada a exigência de métodos adaptados à aprendizagem dinâmica de alunos com TEA. Em suma, a inclusão educacional exige uma reformulação estrutural no sistema de ensino, com políticas públicas que garantam práticas pedagógicas inclusivas e eficazes, capazes de contemplar a diversidade e promover uma educação de qualidade para todos.
Atuação Docente em Música e a Educação Especial na Perspectiva da Educação Inclusiva de Alunos com TEA
Este trabalho versa sobre um panorama geral de uma pesquisa de mestrado em andamento desenvolvida no âmbito do Programa de Pós-graduação XXXXXXXX da Universidade XXXX. A investigação busca compreender a atuação de professores de música na promoção de uma educação musical inclusiva de alunos com Transtorno do Espectro Autista (TEA). Para tanto, descrevem-se a introdução, os objetivos, os procedimentos metodológicos previstos e os resultados parciais. Com uma abordagem qualitativa, intenta-se a realização de entrevistas semiestruturadas com professores de música que atuam com alunos com TEA no ensino regular (público e privado) e em escolas específicas de música (pública e privada). Desta forma, a relevância deste estudo reside na sua contribuição para o aprimoramento das práticas inclusivas em educação musical, impactando diretamente a qualidade do ensino para alunos com TEA e a formação de professores para atuação educacional inclusiva.
Este estudo analisa a produção acadêmica brasileira sobre música e surdez (2019-2025), examinando 43 trabalhos (7 TCCs, 24 artigos/anais, 8 dissertações e 4 teses) que revelam avanços significativos na educação musical inclusiva. Três eixos principais emergem: práticas pedagógicas inclusivas (42% dos estudos), tecnologias assistivas (33%) e fundamentação teórica sobre percepção musical (25%). Destacam-se contribuições como o desenvolvimento de instrumentos adaptados (metrônomo para surdos) e aplicações de inteligência artificial no ensino musical, além da crescente participação de pessoas surdas como coautoras nas pesquisas. Apesar dos progressos, persistem desafios como a concentração geográfica da produção (72% Sudeste/Nordeste), baixa conversão de dissertações em artigos (apenas 12,5%) e limitações na transferência do conhecimento para as salas de aula. Os resultados enfatizam a necessidade de: (1) estudos longitudinais que avaliem o impacto das metodologias propostas; (2) maior articulação entre universidades, escolas e políticas públicas; e (3) investimento na formação docente e no desenvolvimento de materiais acessíveis. Conclui-se que o campo, embora consolidado teoricamente, requer maior integração entre pesquisa, prática educativa e inovação tecnológica para garantir a efetiva inclusão musical em diferentes contextos brasileiros. Palavras-chave: música; surdez; educação musical inclusiva; música e surdez
Este artigo propõe a Educação Musical Especial (EME) como a 13ª diretriz fundamental para a construção de currículos musicais decoloniais, criativos e inovadores, expandindo a proposição de Queiroz (2023), apresentada no texto “Currículos Criativos e Inovadores em Música: Proposições Decoloniais”. Diante do cenário replicado de colonialidade musical, racismo estrutural e exclusão de saberes e pessoas que ainda contribuem para a formação musical no Brasil, e reconhecendo a amplitude e a necessidade das 12 diretrizes apresentadas por Queiroz (2023), argumentamos que a urgência da inclusão de pessoas com deficiência na educação musical exige uma abordagem pedagógica aproximada e adaptada à sua condição. A EME emerge não apenas como uma área de atuação, mas como um imperativo ético e epistemológico para a desconstrução de noções hegemônicas de normalidade e habilidade musical, oferecendo um campo fértil para a promoção da alteridade e do reconhecimento da dignidade humana. Exploramos como se dá a participação plena de pessoas público-alvo da Educação Especial e defendemos que seus modos de fazer e vivenciar a música - através de práticas educativas que valorizam a diversidade e a singularidade dos indivíduos - podem subverter a lógica reprodutora do modelo disciplinar estruturado e sempre replicável. Esta diretriz enfatiza a necessidade de currículos que se abram para a pluriversalidade das experiências musicais, promovendo o ensino e aprendizagem e garantindo o direito à música para todas as pessoas por meio de adaptações razoáveis, acessibilidade e valorização intrínseca das diversas formas de preencher uma lacuna crítica no conjunto de diretrizes educacionais existentes.
Música e inclusão no curso de licenciatura em música da XXXX
Este trabalho tem como objetivo relatar uma experiência vivenciada na disciplina Educação Musical Especial, do curso de Licenciatura em Música da XXXXX. Durante nossas leituras e reflexões em torno das questões que envolvem a educação musical para pessoas com surdez, percebemos que contávamos com um palco ideal – feito de madeira, com altura em torno de 20 cm do chão, fazendo assim, uma caixa acústica perfeita para o som ressoar e vibrar sob os pés dos estudantes surdos. Assim sendo, foi realizada a primeira oficina de música com estudantes surdos. Como apoio teórico para esta experiência, evidenciamos os trabalhos de Louro (2012; 2018), Rodrigues (2018; 2019a; 2019b) que apontam para a necessidade de fazer adaptações para incluir, especialmente as pessoas surdas, nas aulas de música. Observamos, como resultado, a participação dos estudantes com deficiência em uma experiência musical diferenciada.
Inclusão cultural de pessoas com deficiência em práticas musicais comunitárias
Este trabalho nasce de uma vivência concreta, construída ao longo de duas décadas junto a um grupo de canto coral com pessoas com deficiência, em um município brasileiro. Inicialmente movida pelo desejo de construir um espaço de pertencimento musical, essa prática revelou, com o tempo, tensões recorrentes relacionadas à exclusão simbólica, à falta de formação dos agentes culturais e às barreiras ainda presentes nas políticas públicas de inclusão. O relato de experiência tem como objetivo apresentar o percurso vivido entre a prática e a formalização da pesquisa em andamento, destacando os deslocamentos éticos, metodológicos e políticos envolvidos nesse processo. A pesquisa busca compreender como agentes culturais têm atuado frente à inclusão de pessoas com deficiência em ações musicais comunitárias, especialmente fora do circuito institucionalizado. Com abordagem qualitativa e situada, são utilizados questionários e entrevistas em projetos locais, escolas de música, centros comunitários, igrejas e pontos de cultura. A fundamentação teórica apoia-se em autoras e autores como Geraldo (2023), Oliveira Filho (2021) e Alcântara (2022), que discutem o capacitismo, a acessibilidade cultural e a potência das práticas comunitárias. Como resultados, espera-se mapear estratégias, limites e compreensões sobre inclusão a partir dos próprios territórios. O estudo prevê ainda a devolutiva dos achados às comunidades, por meio de materiais acessíveis e encontros formativos. Desse modo, entende-se que a escuta situada e o compromisso com os contextos locais são caminhos fundamentais para a construção de políticas culturais verdadeiramente acessíveis.
A prevalência de maloclusões em pessoas com Síndrome de Down:
A Síndrome de Down é caracterizada etiologicamente pela ocorrência de uma trissomia no par de cromossomos 21. Nesse caso, há uma alteração genética resultando em um terceiro cromossomo 21. Esta alteração presente no vigésimo primeiro par de cromossomos acarreta em diversas condições físicas e mentais. No âmbito físico, as pessoas com SD podem apresentar baixa estatura, crescimento lento, cabelos finos e espaçados, olhos arredondados, hipotonia muscular, entre outras. Já no âmbito mental, podem apresentar dificuldades com raciocínio crítico e diferentes graus de deficiência cognitiva. Dentre as alterações morfológicas causadas pela trissomia do par 21 estão as maloclusões. Ao compreender as alterações morfológicas que são uma realidade da vida das pessoas com SD e com vistas à técnica de execução dos instrumentos de sopro, tem-se que as oclusopatias da região orofacial surgem como um fator dificultador – mas não incapacitante – na prática musical que deve ser levado em consideração no processo educativo dessas pessoas. O uso da Classificação Internacional de Funcionalidade, Incapacidade e Saúde(CIF) para estes casos se mostra vantajoso, visto que não é necessário que o professor tenha conhecimentos sobre as maloclusões, cabendo-lhe apenas compreender o que em termos de funções/estruturas do corpo é necessário para uma prática musical saudável.
Performance Musical Acessível: Cantora-sinalizante e a Interdependência como Prática de Inclusão
Resumo. Este artigo propõe uma reflexão crítica sobre a acessibilidade da performance musical para a comunidade surda, com base nos fundamentos legais da inclusão e nas propostas de Andréa Peliccioni, especialmente o conceito de "cantor sinalizante". A pesquisa parte da constatação da ausência de pessoas surdas em espaços musicais e questiona os limites da acessibilidade quando esta é concebida apenas como adaptação tardia. Fundamentada em autores como Peliccioni (2020) e Guedes (2023), e amparada pela Lei Brasileira de Inclusão (2015), a análise defende uma concepção de performance construída desde o início para diferentes formas de percepção. Como metodologia, o trabalho articula revisão bibliográfica e relato de experiência da autora, cantora e pesquisadora, que realizou uma interpretação bilíngue (português e Libras) da canção “Bananeira”, integrando a sinalização à expressão vocal e corporal. Os resultados demonstram que a sinalização integrada à performance vocal amplia a expressividade e a sensorialidade da obra, ressignificando a relação entre música e surdez. Conclui-se que práticas artísticas pensadas sob o princípio da interdependência são capazes de transformar a cena musical brasileira, promovendo inclusão como parte do processo criativo e não como apêndice. O estudo propõe que a acessibilidade na música não seja um recurso assistencialista, mas um eixo estruturante para novas estéticas e poéticas performáticas. Palavras-chave. Acessibilidade cultural; performance musical; comunidade surda; cantor sinalizante; interdependência.
A inclusão de estudantes surdos nas práticas musicais coletivas
O presente artigo analisa a inclusão de estudantes surdos em práticas musicais coletivas no Projeto XXX, integrante do Programa XXX. O estudo parte da constatação histórica de exclusão da comunidade surda do acesso a bens culturais, discutindo como políticas públicas podem transformar essa realidade. O objetivo é compreender o impacto da atuação da Assistente Pedagógica – Deficiência Auditiva na garantia do direito à educação musical acessível. A pesquisa adota metodologia qualitativa, com estudo de caso e entrevista por pautas (Gil, 2008), explorando aspectos da formação profissional, atuação pedagógica e estratégias inclusivas. As bases teóricas incluem a Lei Brasileira de Inclusão (Brasil, 2015), a Constituição Federal (Brasil, 1988), a LDB (Brasil, 1996) e autores da área da surdez e educação musical. Os resultados apontam que a inclusão efetiva exige planejamento, mediação especializada e adaptação contínua das práticas musicais. O Programa XXX, ao criar o cargo de Assistente Pedagógica, promove condições reais de participação, fortalecendo a cidadania e o pertencimento de estudantes surdos. Conclui-se que a política, quando bem estruturada, ultrapassa o discurso e se materializa em ações concretas que podem servir de modelo para outras iniciativas no cenário nacional.
Este trabalho investiga estratégias para ampliar a participação de pessoas surdas em práticas musicais inclusivas, por meio da criação e performance com instrumentos digitais adaptados, que articulam estímulos táteis, visuais e sonoros. A pesquisa foi desenvolvida em parceria com um coletivo da comunidade surda atuante na cena cultural de Belo Horizonte (MG), e teve como objetivo promover experiências musicais inclusivas, explorando possibilidades expressivas para além da escuta auditiva. A metodologia adotada envolveu três encontros presenciais com participantes surdos e ouvintes, nos quais foram realizadas dinâmicas musicais com diferentes configurações de retorno vibratório e visual. Entre os recursos utilizados, destacam-se: uma plataforma de feedback tátil, um sintetizador estruturado em três seções (pulsação, ritmo e melodia), uma bateria eletrônica instalada em tablet, refletores de LED e a adaptação de um instrumento digital comercial. A pesquisa baseou-se nos princípios do Desenho Universal para a Aprendizagem (CAST, 2011), na noção de comunidade surda ampliada (STROBEL, 2008) e em estudos sobre percepção visual e tátil. Os resultados indicam uma valorização sensorial da música centrada em atributos como intensidade, pulsação e densidade sonora, com destaque para frequências graves mais perceptíveis ao tato. Observou-se também o papel fundamental do envolvimento coletivo na construção de experiências expressivas. Conclui-se que as estratégias adotadas contribuíram para práticas musicais mais inclusivas, reconhecendo a potência estética de outras formas de escuta e propondo caminhos que valorizam a diversidade sensorial no fazer musical.
O artigo analisa manifestações de capacitismo e psicofobia na Faculdade de Música do Espírito Santo “Maurício de Oliveira” — Fames, a partir de entrevistas com estudantes neurodivergentes que relataram experiências de preconceito e exclusão. O objetivo é compreender como essas práticas afetam a permanência acadêmica e apontar caminhos para a construção de um ambiente universitário inclusivo. A pesquisa adota abordagem qualitativa, fundamentada em entrevistas informais focalizadas (Gil, 2002) e revisão bibliográfica de autores da área de educação musical, inclusão e diversidade. O referencial teórico contempla a Constituição Federal (Brasil, 1988), a Lei Brasileira de Inclusão (Brasil, 2015), a Lei de Diretrizes e Bases (Brasil, 1996) e documentos institucionais da Fames. Os resultados evidenciam que, apesar de avanços institucionais como a criação do Núcleo de Acessibilidade Educacional e Permanência — Naep, barreiras atitudinais, pedagógicas e estruturais persistem, dificultando o acesso pleno e a participação efetiva de estudantes neurodivergentes. A análise reforça a necessidade de formação docente contínua e implementação de políticas claras de inclusão, capazes de transformar o discurso institucional em práticas concretas de pertencimento. Conclui-se que o enfrentamento do capacitismo e da psicofobia exige ações estruturais, formação crítica e compromisso ético das instituições de ensino superior, para que a educação musical seja efetivamente um espaço democrático e acessível a todos.
Esta comunicação de pesquisa apresenta resultados parciais da pesquisa de doutoramento em desenvolvimento na linha Documentação e História da Música do XXXX da XXXXX. O estudo parte de pesquisas pregressas conduzidas pelo Grupo de Estudos em Cultura, Trabalho e Educação junto ao Programa de Pós-Graduação em música da XXXXX, que investiga as relações sociais de produção da música popular no Rio de Janeiro. A partir da análise do acervo documental do Sindicato dos Músicos do Estado do Rio de Janeiro (SindMusi-RJ), em particular as propostas de admissão, buscamos evidências sobre uma possível instabilidade no trabalho formal com performance no Rio de Janeiro a partir da primeira década do século XXI em relação às décadas de 1980 e 1990. No presente texto apresentamos os dados que produzimos na análise dos documentos citados, que mostram distribuição de gênero, instrumentos e faixa etária dos músicos sindicalizados nas décadas de 1980 e 1990. Este estudo amplia as ideias apresentadas na comunicação anterior realizada no congresso da ANPPOM em 2024, intitulada "Xxxxxxxxxxxx: Xxxxxxxxxxxxxxx". Como perspectiva futura da pesquisa, apresentamos uma proposta de investigação sobre como esses músicos seguiram suas carreiras nas primeiras décadas dos anos 2000, verificando se houve uma mudança no perfil desses profissionais em relação às décadas anteriores e, em caso afirmativo, como esse processo ocorreu.
Músicos atuantes nos anos 1970 no Rio de Janeiro:
O texto apresenta uma pesquisa em andamento sobre o mercado formalizado de trabalho musical no Rio de Janeiro durante a década de 1970. Com base em 1.148 fichas de propostas de admissão do Sindicato dos Músicos do Estado do Rio de Janeiro (SindMusi), o estudo traça o perfil socioprofissional da categoria, destacando a predominância masculina, a atuação majoritária em regime autônomo e a multiplicidade de espaços de trabalho, como orquestras, casas de shows, estúdios e emissoras de rádio e TV. A pesquisa insere-se em um contexto de transformações políticas e culturais, marcadas pela ditadura militar, pelo crescimento da indústria fonográfica e pela profissionalização crescente dos músicos. Além de analisar os dados coletados, o texto evidencia a relevância da atuação sindical na formalização das relações de trabalho e na luta por melhores condições para a classe, por meio de instrumentos como notas contratuais, contratos de locação de serviços e tabelas de remuneração. A pesquisa ressalta ainda a importância dos arquivos sindicais como fontes primárias para a historiografia musical e para a compreensão das condições de trabalho no setor artístico brasileiro.
Ensino conservatorial e eurocentrismo contra o mundo do trabalho
Discute-se o ensino conservatorial e eurocêntrico de música, identificando-se em seu cerne o dualismo ontológico caracterizado por Lukács como a crença na autonomia da cultura em relação à materialidade, que, estabelecida desde a Grécia clássica, percorre toda a história ocidental. Propostas que buscam reformular o ensino conservatorial meramente introduzindo músicas populares e/ou tradicionais no currículo eurocêntrico, ou modificando suas práticas de ensino, subscrevem esta noção de dualismo ontológico ao rejeitarem uma noção de cultura enraizada nas condições materiais da vida, evidenciando-se como insuficientes. Ao contrário, entende-se, aqui, que a cultura é o resultado acumulado das práticas sociais — inclusive simbólicas e artísticas — pelas quais os seres humanos expressam, preservam e recriam sentidos sobre sua existência. Dado que essas práticas se originam nas determinações materiais da vida, e essas determinações são produzidas e reproduzidas pelo trabalho, pode-se dizer que a cultura é uma elaboração derivada do processo de trabalho historicamente situado, portanto sujeita às relações de poder que o controlam. Como resultado da divisão social do trabalho, as formas culturais tornam-se atravessadas por distinções de classe, acesso, valor simbólico e formas de apropriação, que, moldadas pelas relações de produção vigentes, definem as formas pelas quais a cultura é elaborada, ensinada, valorizada ou marginalizada. Portanto, recusando-se a tratar de música enquanto sons separados das práticas concretas a partir das quais as pessoas lhe conferem sentido e materialidade, o texto apresenta os fundamentos de uma proposta de trabalho com música como princípio educativo, visando à superação do ensino conservatorial.
Do micro ao macrossocial: discutindo potências e limites de projetos sociais com a aula de música da Casa Amarela, Morro da Providência
Atualmente, os projetos sociais de ensino de música têm um valor socialmente reconhecido, sendo promovidos por instituições, bem como pela mídia hegemônica. Entre as justificativas para o financiamento dessas iniciativas, vemos a ideia de que o ensino de música oferecido por projetos sociais tem um poder transformador. Nesta pesquisa, nos propomos a questionar a visão que exalta esses projetos, resumindo-os a seus aspectos positivos na vida social. Assim, entendendo as lutas da sociedade civil como imprescindíveis para, no curto prazo, promover avanços nos direitos sociais e, em médio e longo prazos, transformar a ordem estabelecida, esta pesquisa foi desenvolvida, colaborativamente, com trabalhadores/as da Casa Amarela, instituição do “terceiro setor” que atua no Morro da Providência, cidade do Rio de Janeiro. O objetivo principal foi estabelecer uma relação entre aspectos micro e macrossociais, para discutir, criticamente, potências e limites do ensino de música em projetos sociais. Concluímos, a partir dos debates travados com os dados deste campo etnográfico, que as trajetórias de vida do/as participante(s) da pesquisa apontaram para a relevância de projetos sociais na promoção de mudanças positivas localizadas, ou seja, nas vidas de pessoas e grupos. Entretanto, ao observarmos os dados da precarização do trabalho que emergiram do campo etnográfico, concluímos que eles representam uma contradição desses projetos, uma vez que esse aspecto é inerente ao “terceiro setor”, entendido aqui como uma expressão do processo global de avanço da agenda neoliberal. Nesse sentido, a produção de consenso se apresenta como um caminho que justifique a implementação dessa agenda.
Um olhar sobre as condições de trabalho de musicistas atuantes em gigs na cidade de Curitiba
O presente trabalho teve como objetivo compreender as condições de trabalho dos musicistas atuantes em gigs na cidade de Curitiba, no Paraná, nos dias atuais. Investigou-se aspectos como valores recebidos e formas de recebimento; carga horária de trabalho; atividades pagas no serviço contratado; formas de contratação; disponibilização de equipamentos no local de trabalho. A partir de entrevistas com musicistas da cidade, buscou-se compreender como essas condições afetam o exercício do trabalho dos musicistas. A partir dos depoimentos, foi possível notar que as condições de trabalho dos musicistas são marcadas por baixa remuneração, sobrecarga de trabalho e falta de valorização profissional. Os cachês são considerados defasados e, apesar do aumento no custo de vida, não há reajuste proporcional, o que leva os musicistas a realizar várias gigs por semana para conseguir complementar a renda. A pesquisa conclui que há precarização do trabalho dos musicistas em Curitiba, sendo necessário um reajuste financeiro e melhores condições de trabalho.
Análise da representatividade de gênero em orquestras brasileiras
Através da construção de um panorama do mercado musical pelo viés de gênero, serão relacionados dados sobre a presença de mulheres em oito orquestras brasileiras com políticas de diversidade, equidade e inclusão adotadas por instituições e corpos orquestrais em diferentes países. O objetivo é verificar a presença - ou ausência - de mulheres nesse meio, entender quais são as políticas de DEI (diversidade, equidade e inclusão) existentes até o momento e discutir possibilidades de futuro no Brasil.
A performance musical como trabalho imaterial
Nesse artigo tratamos do lugar ocupado pela performance musical no campo do trabalho. Buscamos através desta reflexão, compreender melhor o fazer musical como atividade laboral. Desenvolvemos essa pesquisa a partir de uma pesquisa bibliográfica englobando teses e dissertações sobre o campo do trabalho na música e na literatura sociológica sobre o trabalho imaterial. Entendemos que a imaterialidade da performance musical pode ser um fator que dificulta sua precificação e influencia na desigualdade de renda neste setor.
O O Bar Boate Berimbau de Belo Horizonte através do acervo Museu Clube da Esquina
A proposta ora apresentada refere-se uma pesquisa em andamento que visa compreender os papéis de mediação operados pelo Bar Boate Berimbau enquanto artefato e artífice de sociabilidades em torno da produção de diferenças e singularidades da música instrumental realizada em Belo Horizonte no início dos anos 1960, além de suas repercussões em produções musicais locais e nacionais, como no Clube da Esquina, e da categoria êmica denominada jazz mineiro. O texto em foco tem como fonte primária um grupo de depoimentos transcritos digitalmente e pertencentes ao Museu Clube da Esquina, que pretendem-se aqui sejam discutidos como referências para uma etnografia em arquivos voltados à etnomusicologia urbana.
O presente trabalho examina o papel da melodia na constituição identitária das baladas de língua inglesa, tomando como exemplo para análise a balada-ideia Lord Lovel e suas variantes, a partir da coletânea organizada por Bertrand H. Bronson (1959–1972). Historicamente, os estudos sobre baladas anglófonas privilegiaram o texto lírico-narrativo, em detrimento do componente musical, como observado nas antologias de Francis J. Child e Thomas Percy. Contudo, ao longo do século XIX e XX, a melodia ganha maior reconhecimento como elemento constitutivo da balada, enfatizando a relação dinâmica entre texto e música. Tomando como base teórico-metodológica a noção de balada-ideia (Rieuwerts, 1995) e os critérios classificatórios de Bronson, o presente estudo evidencia estruturas melódico-textuais recorrentes que contribuem para a definição de famílias e/ou grupos de baladas. A escolha de Lord Lovel decorre da forte uniformidade entre suas variantes, tanto no conteúdo lírico-narrativo quanto, especialmente, no material melódico, tornando mais evidente o estabelecimento de convergências recorrentes dentro da própria ideia de balada — e dentro de sua família de baladas associada. Assim, por meio da denotação dessas estruturas recorrentes busca-se estabelecer um estudo dos mecanismos de variação e estabilidade (Bohlman, 1989) no repertório das baladas tradicionais e, ao mesmo tempo, salientar a importância de uma análise integrada de texto e melodia como elemento essencial para uma melhor compreensão desses artifícios. O trabalho reafirma a importância de abordagens que considerem o componente musical, por muito tempo negligenciado nos estudos das baladas anglófonas, como elemento relevante para sua identificação e agrupamento.
Um estudo a partir da memória e identidade na brincadeira dos Pretinhos de Santarém Novo (PA)
A prática musical da brincadeira dos Pretinhos faz parte das manifestações populares de Santarém Novo – Pará, especialmente, dentro do contexto das apresentações culturais do mês de junho, chamando a atenção pela forma como se apresenta: uma brincadeira em forma de dança e música, indumentárias, pintura corporal e a narrativa que a permeia. Dessa forma proponho como objetivo principal deste projeto, compreender a prática musical dos Pretinhos como elemento de identidade afro-brasileira em Santarém Novo. E objetivos específicos: registrar as memórias locais presentes na prática musical da brincadeira dos Pretinhos; refletir sobre o processo de construção da identidade cultural na brincadeira dos pretinhos e sua relação com a sociedade local; analisar o repertório musical da brincadeira dos Pretinhos e suas relações com a cultura afro-brasileira. No intuído de responder tais objetivos será empregado autores do campo da etnomusicologia e, autores e autoras que tratam sobre cultura negra, bem como, Lélia González e Beatriz do Nascimento. Entre os autores que abordam o negro no contexto amazônico será utilizado as obras de Vicente Salles. Paull Gilroy e Stuart Hall trarão aportes sobre identidade na pós-modernidade. A pesquisa terá um cunho etnográfico, de caráter qualitativo e descritivo. O desenho da pesquisa terá entrevistas semiestruturadas com os integrantes da brincadeira.
O presente artigo tem como objetivo a reflexão etnomusicológica através da pergunta: Lupicínio Rodrigues foi um divisor de águas para a canção porto-alegrense? Pretende-se realizar um panorama que recupera a ancestralidade do sopapo (ROSA, 2020), instrumento afro-gaúcho, para as práticas musicais locais, incluindo a canção de Lupicínio. Para isso, faz-se um levantamento bibliográfico das produções mais recentes sobre a obra de Lupicínio (SILVA, 2022). Através de reflexões etnomusicológicas e da análise de trajetórias artísticas de artistas gaúchos, como Luiza Hellena e Cigano (PARADA, 2024), o artigo busca compreender a importância de Lupicínio para a música de Porto Alegre, para além da figura do compositor de sucesso. Sua obra, que tem confluência com as vozes dos povos marginalizados e celebra a cultura negra, permanece viva e relevante, inspirando novas gerações de artistas e contribuindo para a construção de uma identidade musical afro-porto-alegrense. Propõe-se considerar a figura de Lupi como um catalisador de emoções que encorajou migrantes negros, artistas vindos do interior do estado do Rio Grande do Sul em busca de melhores condições para suas vidas e carreiras.
O cancioneiro teuto-brasileiro de Leonido Krey:
Este trabalho apresenta um breve panorama histórico das canções tradicionais entre comunidades teuto‑brasileiras no Sul do Brasil, desde a chegada dos imigrantes até o folclorismo regionalista do século XX, atribuindo foco às canções que compõem o cancioneiro teuto-brasileiro de Leonido Krey, membro da equipe de folcloristas do Instituto de Tradição e Folclore do RS. Têm por objetivo investigar as transformações históricas, políticas e simbólicas da canção enquanto prática social entre comunidades de imigrantes germânicos na região sul do Brasil, atentando para as características do trabalho de um folclorista teuto-gaúcho na segunda metade do séc. XX. Para tanto, apoia‑se em autores dos campos da etnomusicologia, historiografia e formação da identidade teutobrasileira, além da análise qualitativa das canções da coletânea Lira Juvenil, fonte primária do estudo. Conclui‑se que a proposta de Leonido Krey buscava amplificar o caráter híbrido da identidade musical teuto-brasileira, presente nas canções pela dualidade entre a letra em português sobreposta à melodia de origem germânica, levantando a hipótese que essa prática tenha ganhado força no período de nacionalização, como forma de negociação de uma identidade à margem da nacionalidade.
Música, diferença e identidade na Nação Zamberacatu: reflexões sobre confluências e refluências em território simbólico
O presente trabalho é um excerto da minha pesquisa de mestrado, propõe uma reflexão sobre a construção de identidades junto aos integrantes da Nação Zamberacatu, com base na articulação entre música, ancestralidade e diferença. A partir de dados levantados em questionário aplicado aos integrantes do grupo entre os anos de 2023 e 2024, com o intuito de realizar um cadastro dos mesmos, identifica-se uma diversidade significativa de perfis, trajetórias e motivações que levam as pessoas a fazerem parte de uma Nação de Maracatu. Ainda assim, a Nação consegue produzir um sentido coletivo de pertencimento através da experiência musical. Para compreender essa dinâmica, este trabalho dialoga com a etnomusicologia de Bruno Nettl (2003), e seu entendimento de que as músicas de uma cultura não devem ser entendidas como homogêneas ou fixas.; a análise de Louise Meintjes (2003) sobre a construção de uma identidade Zulu a partir de processos fonográficos; e com as perspectivas de Stuart Hall (2003) e Antonio Bispo dos Santos (2015) sobre cultura, identidade e território. Neste trabalho, constatamos que a diferença dentro da Nação Zamberacatu é elemento constitutivo do seu modo de existir. O que a sustenta como coletivo é a capacidade de articular sujeitos diversos em torno de um fazer comum, que é ancestral, político e musical.
Uma perspectiva sobre a circulação das músicas nos estádios de futebol no Brasil:
Este artigo, fruto da minha dissertação que está em desenvolvimento, apresenta uma contextualização histórica da circulação das músicas nos estádios de futebol no Brasil. Utilizo como exemplo a Sinfonia nº 5 de Anton Bruckner (1824-1896) que, devido a circulação da música nas arquibancadas de vários clubes diferentes, se tornou inspiração para um funk paulistano em 2023. Além do rastreamento histórico e contextualização das práticas performáticas, o artigo propõe uma perspectiva sobre o processo de composição de uma torcida organizada com base no conceito de intermusicalidade discutido por Domínguez (2011). Apresento, como resultado, uma perspectiva sobre as possibilidades de criação de músicas que sejam capazes de incentivar o time e os demais torcedores a cantarem juntos.
A A patrimonialização do samba rural paulista e interações sociais no âmbito extra- musical
O presente artigo discute o processo de patrimonialização do samba de bumbo pelo Instituto de Patrimônio Histórico e Artístico Nacional (Iphan) de São Paulo, finalizado em maio de 2024. O pedido do registo veio da iniciativa dos grupos para a construção de políticas públicas e salvaguardar a tradição. Isso movimentou as lideranças e integrantes das agrupações a se organizarem, mas ao mesmo tempo o processo de registro foi o produto de intensa negociação, criando e reforçando fricções no interior dos grupos, entre os grupos e entre os grupos e a equipe de pesquisadores contratados pelo Iphan e o próprio poder público. O relato, portanto, descreve este processo, por meio de exemplos etnograficos, mostrando essas tensões e o impacto que as políticas de patrimonialização podem ter sobre comunidades performativas da cultura popular. Deste modo, essa pesquisa é uma tentativa de entender a natureza destas interações e negociações para melhor entender o impacto do processo de patrimonialização na dinâmica deste bem imaterial. Buscou-se, primeiramente, documentar as práticas de sociabilidade dos participantes em diversas esferas de interação social, utilizando o modelo interativo proposto por Martin Clayton, Byron Dueck e Laura Leante (2013): a) inter individual (no interior dos grupos); b) inter grupo (entre os grupos) e, c) extra grupo (entre os grupos e a equipe de pesquisadores contratados pelo Iphan e o próprio poder público).
Arraial do Pavulagem: um estudo sobre o Arrastão do Círio
O fenômeno de estudo deste texto é o Arraial do Pavulagem, um movimento cultural oriundo do estado do Pará, surgido na década de 1980 e que promove atividades de formação popular, shows, palestras, cortejos de rua. O objetivo principal compreender como o Arrastão do Círio se distingue dos demais Arrastões promovidos pelo Instituto Arraial do Pavulagem. Para realização das reflexões aqui propostas, o percurso metodológico é composto de observação participante das Oficinas, Ensaios e Arrastão de rua durante o Arrastão do Círio, o uso de entrevistas fundamentadas na história oral de vida e da fotoetnografia. Os resultados demonstram que, apesar de se vincular a um calendário distinto dos Arrastões Juninos e a uma atividade festiva do calendário católico, não há uma modificação estruturante no formatado do cortejo de rua realizado. Sendo as modificações realizadas por adição (Nettl, 2006), quando do repertório cantado na oficina de canto; e por substituição (Nettl, 2006), quando da substituição da figura do brinquedo do boi pelo barco Rainha das Águas, da cor do figurino dos brincantes, do trajeto do cortejo e da relação motivação de brincantes na participação do Arrastão. Tais elementos não provocam modificações no sistema musical e tampouco na ordem de músicas tocadas no cortejo, que continuam sendo as mesmas do Arrastão Junino: toadas de boi, carimbós e quadrilhas.
Caminhos, fronteiras e diálogos entre as áreas de educação musical, etnomusicologia e patrimônio musical imaterial
A preocupação com a salvaguarda do patrimônio imaterial não é recente, ela está na agenda da UNESCO desde 2003 com a Convenção para Salvaguardar o Patrimônio Imaterial e 2005 com a Convenção sobre a Proteção e Promoção da Diversidade das Expressões Culturais. No entanto, no Brasil não vemos ações concretas e abrangentes que assegurem a proteção do patrimônio musical imaterial, tão pouco que este faça parte da educação musical. Assim, a partir de um projeto integrador de pesquisa, que reuniu diversos subprojetos de abordagem qualitativa e participativa, considerando o diálogo entre os saberes acadêmicos e não acadêmicos em uma perspectiva da ciência cidadã, procurou-se criar um repositório digital de sonoridades e músicas do sudeste xxxxxx e norte xxxxxx. Para atender simultaneamente a inovação, a transformação social, as produções acadêmicas, as pesquisas científica e a preservação da memória sonora e musical dos contextos estudados. A partir dessas investigações evidenciou-se a necessidade, urgente, da inclusão de elementos do patrimônio musical imaterial, bem como da cultura musical tradicional enquanto conteúdo nas aulas de educação musical na escola regular, perspectivando desse modo um dos meios para salvaguardar, revivificar e garantir a transmissão desse patrimônio musical por meio de projetos e ações educativas que possibilite manter viva as sonoridades e as tradições musicais.
(Re)estruturação da área de áudio e tecnologias aplicadas à música na UFBA:
O presente trabalho é um relato de experiência que aborda a consolidação da área de áudio e tecnologias aplicadas à música na Escola de Música da Universidade Federal da Bahia. Iniciado a aproximadamente um ano, este estudo busca compreender e aprimorar o tripé universitário de ensino, pesquisa e extensão diante do crescimento da área na instituição e em outras universidades brasileiras. Metodologicamente, o trabalho se apoia na descrição de experiências, utilizando bases teóricas que propõem reestruturações curriculares decoloniais e contextualizadas, alinhadas às necessidades do mundo do trabalho e à diversidade musical brasileira. São detalhadas ações de aprimoramento da infraestrutura, bem como a (re)estruturação curricular, com a atualização de disciplinas e proposição de novos componentes. Os resultados iniciais demonstram o uso de estratégias pedagógicas que aproximam atividades extensionistas, proporcionando vivências práticas e conectando a academia a realidades profissionais. Além disso, a pesquisa é empregada como ferramenta de diagnóstico para os problemas identificados, visando a consolidação e valorização da área no contexto universitário brasileiro.
Avaliação comparativa de curva de resposta em frequência de microfones condensadores: desempenho de modelos de baixo custo frente ao Neumann KM184
Este artigo apresenta uma análise comparativa da resposta em frequência de quatro microfones condensadores: o Neumann KM184, amplamente reconhecido por sua qualidade em estúdios profissionais, e três modelos de menor custo — Audio Technica AT2020, Alctron T05 (com cápsulas cardióide e hypercardióide) e Alctron DM3 — com o objetivo de avaliar sua viabilidade em contextos de produção musical com orçamento reduzido. A pesquisa foi motivada pela crescente acessibilidade das tecnologias de gravação e pela necessidade de informações técnicas confiáveis sobre microfones de baixo custo, cuja documentação dos fabricantes nem sempre é padronizada ou precisa. Utilizando metodologia baseada na norma IEC 60268-4 (2018) e medições realizadas no Auditório Onofre Lopes da UFRN com resposta impulsiva por varredura de senos exponencial, foram obtidas e comparadas as curvas de resposta em frequência dos microfones. Os resultados mostraram que tanto o AT2020 quanto o T05 (cápsula cardióide) apresentaram respostas próximas à do KM184, com destaque para variações nas altas frequências. Já os microfones T05 (cápsula hypercardióide) e DM3 revelaram características distintas, com atenuações específicas que podem ser úteis dependendo do contexto de aplicação. As análises também evidenciaram discrepâncias entre os dados fornecidos pelos fabricantes e os resultados medidos, indicando a importância de testes independentes. Considerando a proximidade com a curva do microfone Neumann KM184, o estudo aponta o AT2020 como uma opção equilibrada e com bom desempenho. A pesquisa contribui para orientar técnicos, engenheiros de som e produtores musicais na escolha de microfones mais acessíveis sem comprometer significativamente a qualidade sonora.
O artigo em questão oferece uma análise parcial do processo criativo da obra “Sludge”, buscando elucidar de que maneira técnicas como a de sampleamento, looping e overdubbing contribuíram para a concepção sonora da peça. A análise parte de alguns pressupostos como a da concepção de composição enquanto organização sonora (Schaeffer, 2017), passando pela renovação das técnicas e ferramentas de manipulação do som próprias do ambiente digital (Brovig e Danielsen, 2016; Strachan, 2017). Por se tratar de uma obra produzida em meio a uma pesquisa artística em criação, adotamos como referência os relatos da própria compositora, referidos como “Diários de uma criadora”. Finalmente, procurando conectar o uso das ferramentas mencionadas à construção de sonoridades da peça, buscamos suporte na pesquisa de Guigue (2011) e Meirelles (2018).
Este trabalho explora a mediação na produção musical, com foco na relação entre concepção estética e procedimentos técnicos adotados pelo produtor musical em estúdio. O objetivo é evidenciar a importância do produtor como mediador de ideias, figura atuante nas esferas técnica, moral, intelectual e afetiva. A mediação, conforme Antoine Hennion (2015), transcende a facilitação de conflitos, sendo um conceito sociológico que explica como a música é produzida e ganha sentido através de uma rede de mediadores (instrumentos, estúdios, performances, tecnologias, etc.). O produtor musical, nesse contexto, é um agente crucial que promove a interação entre músicos e equipe técnica, organizando o cronograma e buscando o melhor custo-benefício, especialmente em produções independentes. Através de um estudo de caso do álbum "Duo" (2022), do grupo Confluência, o trabalho detalha a experiência do primeiro autor desta comunicação como produtor, abordando a escolha de equipamentos, a concepção de arranjos (como em "Aguapé", "Vivenciando", "Maragrooveando" e "Mental Faculties") e a gestão de um ambiente de confiança e colaboração. O produtor, sob esta perspectiva, atua como "tradutor" ou mediador entre a linguagem musical dos artistas e a visão do projeto, influenciando timbres, performances e o resultado final. Conclui-se que o produtor musical exerce um papel fundamental na viabilidade do projeto e na formação do gosto do público, equilibrando a visão artística com as demandas técnicas e mercadológicas, e mantendo um compromisso ético para elevar a qualidade artística e cultural da obra.
A instalação sonora como atividade artística prevista para este projeto, teve como foco expor e proporcionar, através de sons de paisagens sonoras do mundo contemporâneo, uma experiência a qual chamaremos de desinmersiva:intervenção sonora através da qual busca-se trazer o ouvinte para a realidade, retirando-o do mundo virtual no qual parte do mundo contemporâneo se encontra, estimulada pelo uso permanente dos celulares no cotidiano. Este conceito se aporta à ideia de Nova Paisagem Sonora exposta por Murray Schafer em seu livro O ouvido pensante (1991) na medida em que se propõe à construção sonora a partir da coleta e organização de sons que tradicionalmente não se enquadrariam como música, mas que foram incorporados ao repertório de materiais composicionais pela musique concrète. O procedimento adotado passou por (1) Discutir e decidir sons a serem gravados; (2) Capturar os sons; (3) Editar e organizar em formato de músicas; (4) Escolher um ambiente propício para a intervenção (5) Instalar equipamentos de áudio para reproduzir as criações sonoras em um espaço da Universidade; (6) observar e registrar a reação dos ouvintes; (7) relatar as reações dos mesmos.
Este artigo integra uma pesquisa de mestrado em andamento que investiga os processos formativos envolvidos na produção musical independente, com foco na criação do EP Ninho. A partir de uma abordagem metodológica baseada na pesquisa artística, o texto relata e analisa a gravação da faixa “Varal - [Quarto], refletindo sobre os conhecimentos, práticas e relações colaborativas mobilizadas durante o processo. O relato evidencia como os saberes técnicos, criativos e pedagógicos emergem de forma situada, especialmente na interação com os agentes humanos e não-humanos do estúdio. Destaca-se, ainda, o papel da cultura participativa digital como mediadora das trocas de saberes e decisões coletivas. Ao articular vivência e análise crítica, o trabalho propõe compreender a produção musical como um espaço de aprendizagem compartilhada e de escuta ampliada.
Práticas educativo-musicais em plataformas de produção musical online
Este artigo apresenta a revisão bibliográfica de uma pesquisa de mestrado em andamento. A sua fundamentação teórica se baseia na aprendizagem inventiva e na cultura participativa digital. Esta revisão abrangeu trabalhos disponíveis na Biblioteca Digital Brasileira de Teses e Dissertações, nos periódicos da CAPES, na base de dados ERIC, e nos periódicos da ABEM, ANPPOM e MEB. Foram selecionados trabalhos publicados nos últimos 10 (dez) anos que tratassem da utilização de estações de trabalho de áudio digital em práticas educacionais. Com a conclusão da pesquisa, pretendo ampliar o conhecimento sobre o tema e contribuir para a área da educação musical, trazendo reflexões, limites e possibilidades das praticas de aprendizagem inventiva dentro de plataformas de produção musical online e gratuitas.
Este artigo tem como objetivo principal a elucidação dos aspectos que cercam a natureza do processo de remasterização, visando a compreensão de seu papel e o reconhecimento de seu impacto na obra musical gravada e na forma como ela pode ser percebida. Questiona-se até que ponto o processo de remasterização atualiza o fonograma original e até que ponto se trata apenas de uma reciclagem com finalidades mercadológicas, com potencial para promover o apagamento de, pelo menos, parte de sua historicidade. Com o intuito de investigar essa questão, aborda-se o que está por trás do fluxo de relançamentos de gravações musicais em novos formatos e embalagens. O resultado da pesquisa aponta que, de um lado, o processo de remasterização cria um afastamento das condições iniciais de produção do fonograma original, dificultando, portanto, o acesso aos elementos característicos da época em que foi produzido. De outro, a versão remasterizada pode ser vista como uma atualização da obra original, um novo objeto artístico cuja sonoridade, resultante de ações técnicas e escolhas estéticas do engenheiro de som, adquiri traços da época de sua remasterização.
O looping como recurso de criatividade e marca de estilo
Este trabalho tem como objeto central o looping como estratégia composicional, especialmente na obra de Hania Rani. Nesse contexto, investiga as relações existentes entre o loop e a composição no contexto do áudio musical, procurando relacioná-las com a prática da compositora e o referencial minimalista. Assim sendo, parte da descrição dos modelos de performance da artista, seguida por um exame dos modelos de looping atuais e sua relação com a composição minimalista para, por fim, realizar uma análise descritiva da obra Glass.
O artigo propõe um reposicionamento da prática performativa musical a partir da valorização da imaginação e da escuta, articulando referências da ecologia sonora e da filosofia da imagem. Propõe-se um crítica a abordagens interpretativas centradas na dicotomia entre sujeito (intérprete) e objeto (música), compreendendo essa relação a partir de um paradigma ecológico, definido o meio sonoro como imagem relacional entre os entes expressivos. Com base em autores como Susanne Langer, Richard Schechner, Erika Fischer-Lichte e Eugenio Barba, o texto defende que o performer não apenas executa, mas cria mundos sensíveis. A noção de milieu (meio) sonoro, desenvolvida por Makis Solomos a partir de Gilbert Simondon, em contato com as três ecologias de Félix Guattari, é central para compreender a performance como co-produção entre corpo, som e ambiente. A teoria da imagem de Gilbert Simondon, com suas quatro fases — motora, perceptiva, simbólica e inventiva —, oferece fundamentos para pensar a imaginação como motor de invenção no processo performativo. Por fim, o conceito de acoustinaire, de Roberto Barbanti, e a ideia de sonic thinking, de Salomé Voegelin, consolidam uma concepção da escuta como prática estética, epistêmica e ética, fundamental para a emergência de uma performance musical sensível, política e inventiva.
O artigo apresenta uma pesquisa em desenvolvimento no âmbito do Pantanal Sounds, projeto voltado à criação de obras artísticas a partir de sonoridades captadas no Pantanal sul-mato-grossense. Após uma breve apresentação do projeto e do processo de captação sonora realizada no Passo do Lontra (MS), são discutidas questões de cunho ecológico suscitadas pela escuta e manipulação das amostras sonoras. Por meio de análises espectrográficas e do levantamento de pesquisas em bioacústica, fundamenta-se a hipótese de uma organização acústica inter e multiespecífica – ora simbiótica ora competitiva –, evidenciável em diversos ecossistemas, inclusive o pantaneiro. Por fim, aborda-se o processo composicional do tríptico Vida Breve buscando elucidar a incorporação das indagações ecológicas como mote poético e como critério para a abordagem criativa do material sonoro.
The text departs from the field of the ecologies of music and sound to critique dualistic and decontextualized approaches to sound creation and investigation practices. The central objective is to advocate for paradigms for artistic practice and research that are based on the principles of relationality, situatedness, and diversity. The theoretical-methodological framework articulates concepts from sound ecology with those of the ecology of mind, individuation, and technodiversity, promoting a non-dichotomous reflection on the relationships between technology, nature, and culture. As a result, an ``ecology of invention'' is proposed, in which technical, creative, and theoretical processes are configured from relational, situated, and diverse aspects, rejecting hegemonic and monolithic notions of nature, culture, and technology.
De/Re:Generação: desenvolvimento de uma obra multimídia baseado em cigarras e bioplásticos como interfaces de toque
Este artigo apresenta os resultados parciais de uma pesquisa artística em andamento que objetiva a criação de uma obra integrando aspectos de ecologia sonora relacionada às cigarras e objetos produzidos com bioplásticos à base de amido de mandioca utilizados como interfaces tangíveis para o controle de um ambiente multimídia interativo. Com estreia prevista para outubro de 2025, a obra articula perspectivas ecológicas tanto em sua dimensão poético-conceitual, inspirada no ciclo de vida das cigarras e nas ideias de regeneração, quanto material, por meio da aplicação de materiais biodegradáveis na construção dos elementos cênicos e sua incorporação em dispositivos eletrônicos. O artigo aborda aspectos teóricos e técnicos do projeto, incluindo uma introdução aos bioplásticos e às cigarras, além do relato das duas etapas principais do processo criativo. A primeira etapa consistiu no desenvolvimento de um protótipo de interface multimídia com biomateriais integrados a sensores, realizada durante residência artística no [OCULTO PARA AVALIAÇÃO], com apoio do programa [OCULTO PARA AVALIAÇÃO]. A segunda etapa foca no aprofundamento conceitual e na finalização do aparato performativo, que inclui um sistema com 48 motores vibratórios distribuídos pelas quatro paredes do espaço expositivo, subwoofers para emissão de frequências táteis e mecanismos eletrônicos que evidenciam, visual e sonoramente, a vibração como meio de produção sonora.
A voz do vento: a musicalidade Terena entre a memória ancestral e a experimentação artística
Este trabalho analisa a musicalidade do povo Terena com foco na construção de instrumentos, na experimentação sonora e na improvisação como práticas fundamentais de criação. A confecção de instrumentos com sementes do Pantanal, faz parte da observação atenta da natureza e do respeito aos ciclos do território, sendo guiada por critérios sonoros, simbólicos e espirituais. A improvisação surge como forma de escuta sensível ao ambiente e ao momento vivido, permitindo que cada execução musical seja únicae conectada à ancestralidade. A obra Emo’u ihunóvoti: A voz do vento exemplifica esse processo criativo, incorporando sons do território e instrumentos autorais em uma composição que se transforma a cada apresentação. O estudo revela que a musicalidade Terena pode ser uma prática viva, que articula tradição, sentimento e inovação sonora.